Critikator

Inconnu à cette adresse

2012-01-28T14:01:00.005+01:00

Théâtre Antoine
14, boulevard de Strasbourg
75010 Paris
Tel : 01 42 08 77 71
Métro : Strasbourg Saint-Denis

D’après le chef d’œuvre de Kressmann Taylor
Adaptation de Michèle Lévy-Bram
Lecture dirigée par Delphine de Malherbe
Assistée de Joëlle Benchimol
Lumières de Marie-Hélène Pinon
Avec Gérard Darmon (Max Eisenstein) et Dominique Pinon (Martin Schulse) (en janvier)
Dominique Pinon et Nicolas Vaude (en février)
Thierry Lhermitte et Patrick Timsit (en mars)

Delphine de Malherbe : Inconnu à cette adresse raconte avec un suspense captivant l’histoire de Max Eisenstein et de Martin Schulse, deux amis d’enfance que rien ne sépare et que tout unit, au point qu’ils se lanceront ensemble dans les affaires en fondant une galerie d’art à San Francisco. Mais nous sommes en 1932 et Martin doit rentrer en Allemagne. Là-bas, le nazisme monte. Les deux amis s’écrivent dès lors des missives comme on s’envoie des balles de ping-pong puis de révolver. Denses, généreuses, puis machiavéliques, ces lettres visionnaires sont le testament poignant de deux êtres humains pris dans la machine infernale d’un drame universel… »

Mon avis : C’est la troisième fois que je vois Inconnu à cette adresse. J’avais déjà lu le livre lorsque j’ai assisté à sa création sur la scène de la Pépinière avec Eric Laugérias et Matthieu Rozé en 2001… J’étais donc très curieux de voir ce qu’allait donner cette joute épistolaire avec Gérard Darmon et Dominique Pinon. Et bien, c’est une totale réussite. L’opposition entre les deux hommes est déjà physique. Ils sont tous deux très élégants, on sent qu’ils nagent dans le luxe et l’opulence.

Le décor est partagé en deux. Côté cour, un bureau assez simple dans une galerie d’art de San Francisco. Côté jardin, un guéridon en marqueterie et un confortable fauteuil Chesterfield. Max Eisenstein (Darmon) est resté aux Etats-Unis pour diriger la galerie qu’il a ouverte avec son ami Martin Schulse (Pinon) et il en assure la gestion alors que ce dernier a choisi de rentrer en Allemagne.
Max rédige sa première lettre le 12 novembre 1932. Les dates sont essentielles car les différents courriers échangés vont progressivement suivre la montée du nazisme en Allemagne et en être de plus en plus fortement impactées.

Il n’est pas nécessaire de raconter le contenu de ces quelques vingt missives car il y a un authentique suspense à entretenir. Une fois encore la force de l’ouvrage de Kressmann Taylor fait son œuvre. Passés les quelques rires que provoquent deux ou trois mots d’esprit, le silence s’étend sur la salle, hélas troublé par de nombreuses toux (hiver oblige). Il est vrai que l’on commence dans une atmosphère légère marquée du sceau d’une indéfectible amitié partagée. Et puis, petit à petit, la tension commence à monter…
In ne faut rien raconter. Il faut laisser à chacun découvrir cette histoire (s’il ne la connaît pas) et se laisser happer jusqu’à son dénouement.

Gérard Darmon et Dominique Pinon nous offrent deux superbes compositions, deux oppositions de styles, deux timbres de voix qui donnent une musicalité reflétant leurs mentalités propres. Mais je crois que, au-delà du jeu des comédiens, la vedette de Inconnu à cette adresse, c’est son texte et la redoutable et implacable efficacité de sa construction.
Au fait, j'ai oublié de préciser que la salle du théâtre Antoine était comble. Le moindre strapontin de l'orchestre était occupé. C'est un signe...

Un stylo dans la tête

2012-01-27T11:31:00.003+01:00

Théâtre des Nouveautés
24, boulevard Poissonnière
75009 Paris
Tel : 01 47 70 52 76
Métro : Grands Boulevards

Une comédie de Jean Dell
Mise en scène par Jean-Luc Moreau
Décors de Charlie Mangel
Avec Francis Perrin (Victor), Anne Canovas (Adeline), Sophie Gourdin (Olga), Xavier Goulard (Raphaël), Valérie Even (Karen), Eric Boucher (Raoul)

L’histoire : Victor Aubrac est un auteur de théâtre à succès. Ce soir, il réunit ses meilleurs amis pour leur annoncer une grande nouvelle : il s’est inspiré d’eux pour écrire une comédie hilarante. Il avait ses personnages sous la main : un homo, deux sœurs névrosées, l’ex de sa femme… alors pourquoi chercher plus loin ?

Mon avis : C’est indéniable, Jean Dell sait trousser une comédie. Cinq ans après Vive Bouchon, il a pris tout son temps pour peaufiner cette pièce et en soigner les dialogues…

Nous sommes dans le salon-bureau de Victor Aubrac, auteur de théâtre à succès. Ceci nous est confirmé par les nombreuses affiches et les statuettes de Molières qui sont venues récompenser son talent. De cette reconnaissance, il a conçu une certaine suffisance et un évident contentement de soi. Victor ne pense et ne vit QUE pour le théâtre, au détriment souvent de ses vies de famille et sociale. D’ailleurs, le sujet de sa nouvelle pièce, Houlgate, il n’est pas allé le chercher bien loin. Il lui a été totalement inspiré par le petit aréopage des amis de son épouse Adeline. Et il a provoqué une soirée pour la leur faire découvrir. Le problème, c’est qu’il s’est appuyé sur leurs principaux défauts, handicaps ou tares pour en faire une comédie. Il a donc mis la loupe là où ça faisait mal. Et ça ne va pas « louper ». De se voir ainsi dépeints, les intéressés vont à juste titre se regimber.
Pourtant, Victor n’a qu’à peine grossi le trait. Chacun dans son genre, Olga, Karen, Raphaël et Raoul sont des individus assez gratinés.

Après une scène d’exposition nécessaire bien qu’un peu longuette entre Victor et Adeline (il faut bien amener le thème de la soirée), la pièce prend son vrai départ lorsqu’Olga fait son irruption chez les Aubrac. Ce qui n’était jusqu’alors que sourires, se métamorphose soudain en rires francs et massifs. Et chacun des autres personnages croqués va apporter sa pierre à un édifice de plus en plus branlant qui menace d’échapper totalement à son constructeur. Les répliques deviennent assassines. Ça devient carrément « Cinq personnages en racket d’auteur ».
Ce qui est bien dans cette comédie de Jean Dell, est qu’il a su mettre des limites à la moquerie. Ça eût été trop facile. Le ton est parfois acide. L’amertume et le cynisme s’introduisent subtilement dans la composition du cocktail. Tous ces ingrédients permettent à la pièce de vraiment s’humaniser et de ne pas rester dans la simple gaudriole.

Francis Perrin, en chef d’orchestre, est une fois de plus magistral. Après Signé Dumas et Le Nombril, il se glisse de nouveau dans la peau d’un écrivain, ce qu’il est également dans la vie réelle. Il s’y sent donc tout à fait à l’aise. Toujours juste, avec sa science du geste drôle, son aisance physique, son dynamisme et la finesse de ses expressions, il se multiplie et occupe l’espace à ravir. Il est dans du sur-mesure et sa complicité avec Jean-Luc Moreau à la mise en scène lui confère une grande assurance et une totale liberté de manœuvre (sa parodie de l’explication du tri sélectif à une idiote par une muette est un grand moment. Entre autres…).
Autour de lui, le casting est réellement réussi. Il faut de bons comédiens pour pouvoir se glisser sans être ridicules dans la peau de personnages volontairement aussi caricaturaux. Chacun est parfait dans son registre, ils ne se marchent jamais sur les pieds. Ils sont tous bons et, grâce à eux, en entrant sans aucun problème dans leur jeu et en l’appréciant, on prend énormément de plaisir à suivre leurs ébats. Voici donc une jolie comédie qui devrait tenir l’affiche un bon moment du côté des Grands Boulevards.

Simpatico

2012-01-26T15:22:00.004+01:00

Théâtre Marigny
Carré Marigny
75008 Paris
Tel : 0 892 222 333
Métro ; Champs-Elysées Clémenceau

Une pièce de Sam Sheppard
Adaptée apr Didier Long et Séverine Vincent
Mise en scène par Didier Long
Décors de Jean-Michel Adam
Lumières de Laurent Béal
Costumes de Jean-Daniel Vuillermoz
Musique de François Peyrony
Avec Emma de Caunes (Cécilia), Jean-Claude Dauphin (Sims), Claire Nebout (Rosie), Serge Riaboukine (Carter), Vincent Winterhalter (Vinnie)

L’histoire : Entre Vinnie et Carter la tension est palpable. Amis d’enfance et complices dans une arnaque aux courses hippiques il y a quinze ans, ils affrontent aujourd’hui les fantômes du passé. Quelle place occupe Cécilia dans ce duel aux contours énigmatiques ? Qu’en est-il des mensonges et de la vérité ? Leur confrontation rend aux relations humaines leur dimension complexe et mystérieuse. Un thriller psychologique haletant, à la construction implacable, jusqu’au dénouement…

Mon avis : Simpatico ? Un titre énigmatique dont le secret ne sera guère levé au cours du déroulement de la pièce… Bon, à part ça ? Et bien, je suis un tantinet ennuyé pour exprimer mon ressenti… Le générique est magnifique et, sur le plan strict du jeu, les comédiens sont largement au rendez-vous. Chacun d’eux effectue une prestation irréprochable. Dans ce que l’on demande à leurs personnages, ils sont complètement dedans. Le gros problème – et ce n’est pas de leur faute – c’est que la pièce qu’ils ont à interpréter est affreusement nébuleuse et horriblement bavarde. Mon principal reproche est son traitement trop « américain ». Nous sommes très étrangers à l’univers qui nous est exposé et, plus particulièrement, au monde des courses hippiques tel qu’il est vécu outre-Atlantique.

Simpatico est annoncé comme « un thriller psychologique haletant »… Thriller, certes, psychologique, c’est indéniable, mais on n’halète pas du tout. On a en permanence l’impression d’être en plein brouillard avec cette intrigue qui se dénoue insidieusement. Il faut dire que l’histoire est un peu tordue. Même si on accepte le postulat d’une vengeance dont le plat, quinze années s’étant écoulées, est passablement refroidi, on a du mal à en admettre le bien fondé ; et qu’elle provoque un tel tohu-bohu. Les intéressés lui donnent beaucoup plus d’importance que l’on en ressent. Et, en dépit de tout le mal qu’ils se donnent, il ne nous est pas facile de se laisser embarquer.

Les cinq profils psychologiques sont en revanche parfaitement dessinés… Vincent Winterhalter donne au personnage de Vinnie une réelle densité. C’est un grand malade. Fragile, buveur, coureur, menteur, intrigant, vénal, il fait néanmoins preuve d’un certain courage pour soulever le couvercle d’une boîte de Pandore enfouie depuis longtemps… Serge Riaboukine, comme d’habitude impressionnant de force et de violence contenue, apporte à Carter une saisissante densité physique. Mais sous ses allures de matamore, on découvre peu à peu qu’il est lui aussi très vulnérable… Jean-Claude Dauphin joue un type insondable qui semble revenu de tout, qui a tout analysé, et qui ne ressent aucune rancœur, aucune haine. Il n’y a aucune prise sur lui… Dans le rôle de Cécilia, Emma de Caunes campe à merveille une fille banale, tour à tour candide et maligne, mais très mystérieuse. On a du mal à cerner son implication dans le drame. Elle a des comportements imprévisibles. Manipulée ou manipulatrice, on ne sait pas trop… Quant à Claire Nebout, elle n’a qu’une scène, mais quelle scène ! Une scène digne de la Maggie d’Une chatte sur un toit brûlant. Elle joue les névrosées avec une justesse confondante. Elle sait nous communiquer son mal-être. Sa maîtrise est totale…
Enfin, à l’égal du talent des comédiens, il faut mettre en exergue l’ingéniosité du décor qui, par un habile jeu de glissements, nous permet de nous trouver tour à tour dans quatre endroits différents. C’est vraiment efficace.

Devant une telle addition de jugements positifs, voire enthousiastes pour ce qui concerne le jeu des acteurs, on est donc d’autant plus chagriné de ne pas s’être laissé emporter par une histoire par trop nébuleuse. Peut-être est-ce dû en partie à une adaptation trop littérale ? Mais force est de reconnaître que Sam Sheppard nous avait habitués à des scénarii bien plus captivants et à des pièces bien plus fortes.

Le Bourgeois Gentilhomme

2012-01-25T17:14:00.005+01:00

Théâtre de la Porte Saint-Martin
18, boulevard Saint-Martin
75010 Paris
Tel : 01 42 08 00 32
Métro : Strasbourg Saint-Denis

Comédie-ballet de Molière et Jean-Baptiste Lully
Mise en scène par Catherine Hiegel
Costumes de Patrice Cauchetier
Décor de Goury
Chorégraphies de Cécile Bon
Direction musicale de Benjamin Perrot
Avec : François Morel, Marie-Armelle Deguy, Emmanuel Noblet, Alain Pralon, Stephen Collardelle, Héloïse Wagner, Camille Pélicier, Gilian Peytrovski, David Migeot, Géraldine Roguez, Eugénie Lefèbvre, Anicet Castel, Frédéric Verschoore, Joss Costalat, Romain Panassié, Olivier Bioret, et cinq musiciens

Catherine Hiegel : « Génial inventeur d’une comédie d’un nouveau genre, Molière signe avec Le Bourgeois Gentilhomme la plus accomplie des douze comédies qu’il écrira.
Le thème commandé par le Roi, qui souhaitait se moquer du peu de cas qu’un émissaire de l’Empire ottoman avait témoigné devant le faste de la cour, est une turquerie. Et c’est merveille de voir comment Molière, dépassant le poids de la contrainte, fait jaillir autour de Monsieur Jourdain, la plus acérée, la plus franche, la plus libre de ses comédies.
Quoi de plus naturel chez l’homme que le désir de changer de condition, quitte à renier sa naissance et son milieu. Et ce bourgeois, qui se rêve gentilhomme, est prêt à toutes les transgressions pour assouvir son obsession du « paraître »… »

Mon avis : Ce qui étonne d’abord, c’est le minimalisme du décor. Disposée en demi-cercle, une grande toile façon tapisserie des Gobelins, fendue en certains endroits pour permettre aux gens de passer, tient toute la scène. Devant, au fond et au milieu, est dressée une sorte d’estrade sur laquelle reposent un clavecin et des instruments à corde. Nous verrons plus tard que cette estrade surmontée d’un panneau tourne sur elle-même et fait parfois office de paravent. Bref, on se doute que le maximum d’espace a été laissé pour que les comédiens puissent évoluer en toute liberté.
Et c’est bien ce qui se passe avant même que la pièce ne débute puisqu’on assiste à un préambule un peu foutraque avec courses de domestiques, échauffements des danseurs, et exercices musicaux. Ce n’est qu’avec l’apparition du maître de musique et du maître à danser que le spectacle commence. Tous deux sont affublés de faux nez à la Cyrano et le maître de musique a hérité en outre d’un faux ventre. Et leur pseudo dévouement à leur employeur est tout aussi faux. Ce sont deux fantoches obséquieux et narcissiques.

C’est alors que François Morel, alias Monsieur Jourdain, ce fameux employeur apparaît. Avec son accoutrement bizarroïde et son petit bonnet rigolo, il ressemble à une sorte de Pierrot. Evidemment, tous les regards se focalisent sur lui, tant sur scène que dans la salle… Cette première partie, qui va durer une heure trente, est émaillée d’une succession de scènes toutes plus croquignolettes les unes que les autres avec quelques savoureuses trouvailles de mise en scène (comme ce jeu avec la robe de chambre démesurée qu’il porte). Les plus marquantes (ce sont aussi les plus marrantes) sont la leçon de danse, la leçon d’escrime et, surtout la leçon de philosophie agrémentée d’un exercice de prononciation… Lorsqu’un tableau est un peu longuet, comme par exemple ces passages chantés quelque peu ampoulés, il suffit de se focaliser sur le visage de François Morel. Ses multiples expressions, toutes en finesse, à peine esquissées, nous permettent de passer joyeusement ce petit pensum.
Si les parties musiques et chantées sont conventionnelles, il n’en est pas de même avec les chorégraphies qui se révèlent aussi originales qu’inattendues. Sarabande, bourrée, gavotte, menuet se succèdent en s’apparentant plus à de la gymnastique. L’effet est garanti, c’est très agréable à regarder. Monsieur Jourdain lui-même en convient : « Ces gens-là se trémoussent bien »…

Obsédé par l’exemple des « gens de qualité », naïf et enthousiaste, Monsieur Jourdain est toutefois empli de bon sens. Ses remarques sont parfois très pertinentes. Il n’y a guère que par Dorant, le Comte, qu’il se laisse vraiment emberlificoter. De toute façon, il est entouré –sauf dans sa famille – d’une armada de parasites, de profiteurs, qui sont tous aussi médiocres que vénaux. Ce n’est pas pour rien que Madame Jourdain le traite de « vache à lait ».
Déjà bien drôle, la pièce prend encore du rythme et de la cocasserie lorsque Monsieur Jourdain se change pour apparaître, enharnaché et emperruqué, dans la panoplie de gentilhomme que lui a concoctée son maître tailleur. Non seulement le costume est grotesque, mais la façon de se mouvoir de François Morel ajoute à la bouffonnerie. Il suffit d’entendre fuser les rires frais et clairs de quelques bambins disséminés dans la salle pour se dire que l’effet est vraiment réussi. Et si, nous même, on n’est pas encore gagné à l’hilarité ambiante, la réaction de Nicole, la servante, et ses fous-rires achèvent de nous emporter. Elle est absolument irrésistible. Impossible de ne pas rire avec elle. Cette comédienne possède une formidable présence comique.

Quant à la deuxième partie, qui dure une heure, elle s’avère tout aussi jubilatoire avec, en point d’orgue, un grand numéro, celui de Covielle, le valet de Cléonte, en émissaire du fils du Grand Turc, et une scène particulièrement réjouissante, celle du dîner avec le Comte et la Marquise.

La mise en scène de Catherine Hiegel est impeccable et pleine d’inventivité tout en respectant scrupuleusement l’esprit de Molière.
J’ai quand même quelques réserves à formuler, mais qui, bien sûr, n’engagent que le spectateur que je suis : je me suis un peu ennuyé pendant la séquence du Grand Mamamouchi où des Indiens et des créatures emplumées se livrent à une danse effrénée, je n’ai pas bien compris l’utilité de déshabiller Monsieur Jourdain, et j’ai trouvé que le fait de le faire voleter depuis les cintres à la fin n’ajoutait rien de réellement percutant. Evidemment, l’image en elle-même est amusante, mais j’estime que ce rajout est superflu. Enfin, j’ai trouvé que Marie-Armelle Deguy, qui interprète Madame Jourdain, joue un ton au-dessus. On comprend certes son acrimonie, mais peut-être gagnerait-elle en crédibilité en criant moins fort et en s’agitant moins.

Pour évoquer la prestation de François Morel, il faudrait se plonger dans le dictionnaire des synonymes pour égrener les épithètes tous plus flatteurs et louangeurs les uns que les autres. On se contentera donc de dire qu’il est en tout point remarquable. Quelle finesse de jeu, quelle générosité ! A ses côtés, j’ai beaucoup apprécié Alain Pralon en maître de philosophie, Géraldine Roguez, déjà citée, dans le rôle de Nicole la soubrette, le comédien qui campe le Comte, à la fois très séduisant et intrigant à souhait, et Héloïse Wagner, qui apporte au personnage de Dorimène, la Marquise, un réel brin de folie avec son allergie chronique à la simple évocation du mariage…
Bref, on peut conclure en affirmant haut et fort que François Morel a parfaitement réussi son passage du Jourdain !

Age Tendre "La Tournée des Idoles"

2012-01-24T14:50:00.005+01:00

Nostalgie positive

Samedi après-midi, j’ai zappé exceptionnellement le rugby à la télévision, pour me rendre au Palais des Congrès assister à une des quatre représentations de la tournée Age Tendre (exit les Têtes de bois sans doute trop vermoulues). Et bien je puis vous affirmer que l’on ne se moque pas du monde. La production a vraiment mis les moyens pour offrir à un public, certes conquis, un spectacle absolument superbe.
Un orchestre symphonique, de belles robes et de beaux costumes, des lumières féériques, des arrangements somptueux, des danseurs, cinq choristes qui sont un show à elles seules… Que voulez-vous de mieux ? En tout cas, l’écrin est véritablement magnifique. Après, bien sûr, selon que l’on aime ou pas tel artiste, tout est subjectif. Sur la quinzaine de chanteurs et chanteuses qui se succèdent, il y a largement de quoi se faire plaisir. D’autant que la plupart des chansons sont inscrites à jamais dans notre mémoire collective. C’est ce que j’appelle de la nostalgie positive. En plus il y a de sacrées mélodies (magnifiées par la présence de l’orchestre symphonique) et, souvent, de très beaux textes. Comment rester insensible à la version de L’Orange de Bécaud reprise par Michel Orso, au timbre éraillé de Demis Roussos, à l’interprétation habitée de La chanteuse a 20 ans et de Je suis malade d’Alice Dona, à l’organe incomparable, puissant et mélodieux de Claude Dubois… Chacun, visiblement heureux d’être là, donne son maximum. Le plaisir est partagé. Les gens, enthousiastes et joyeux,chantent, dansent, filment et prennent des photos ; les nombreuses standing ovations sont spontanées. Que du bonheur, vous dis-je.
Et la Saison 7, qui commence le 3 mars, promet d’être tout aussi appétissante avec l’arrivée entre autres de Philippe Lavil, de Catherine Lara, de Chico & les Gypsies, de Francis Lalanne. Il va encore y avoir de l'ambiance sur la scène et dans les travées…

Panik

2012-01-23T16:41:00.003+01:00

Théâtre Saint-Georges
51, rue Saint-Georges
75009 Paris
Tel : 01 48 78 63 47
Métro : Saint-Georges

Une pièce de Mika Myllyaho
Adaptée par Yhomas Joussier et Jean-Claude Idée
Mise en scène par Jean-Claude Idée
Décor de Sophie Jacob et Jean-Claude Idée
Avec Anthony Delon (Joni), Thomas Joussier (Léo), Eric Delcourt (Max)

Synopsis : Trois hommes, trois amis d’enfance, au bord de la crise de nerfs, partagent leurs angoisses et leurs névroses. Car il est bien difficile d’être un homme aujourd’hui !
Laurs conceptions de l’amour divergent totalement. Max, le graphiste, est un solitaire abstinent. Léo, le vendeur d’ascenseurs, s’est enlisé dans une vie de couple pépère. Joni, le présentateur télé, est un coureur invétéré.
Ils vont s’’affronter au cours d’une joute hilarante. Ils n’ont, au fond, plus que deux points communs : leur amitié et la panique que leur inspirent la vie et les femmes.

Mon avis : Cette pièce est sous-titrée à tort « Hommes au bord de la crise de nerfs ». C’est faux ! Pour au moins deux d’entre eux, ils ne sont pas au bord, ils sont en plein dedans. Et on le réalise très vite… La garçonnière ultramoderne de Max, avec son mur d’écrans et ses couleurs jaune, bleu et rouge pétantes, va servir de cadre à une sarabande infernale. Pourtant, le démarrage est plutôt mollasson. On y apprend que Max est un garçon monomaniaque et timoré, un obsédé de la propreté, et que Léo est immature et un peu con-con. C’est d’ailleurs avec son personnage que les difficultés commencent. Il est tellement dans l’excès qu’il en devient pas du tout crédible. Il est trop bouché pour être vrai…
Ensuite, après une demi-heure à peu près cohérente de sa part, c’est au tour de Max de commencer à dériver pour échouer sur les rives de l’absurde. Non pas qu’il le fasse mal, mais il en fait trop et c’est très puéril. D’ailleurs, Léo, sans le faire exprès, fait carrément leur autocritique en évoquant un « psychodrame à la con ». Ce n’est pas moi qui l’ai dit !

J’étais pourtant dans de bonne disposition en me rendant au théâtre Saint-Georges. L’affiche était plaisante, le sous-titre excitant et le trio réuni alléchant. Hélas, j’ai décroché assez vite… De fait, on est en présence de trois excellents comédiens dont la folle générosité n’est pas à mettre en cause. Ils se donnent vraiment à fond. Mais c’est la pièce qui n’est pas bonne. J’ai été également très gêné par le texte. Certaines phrases sont ampoulées, alambiquées, parfois même techniques. Du coup, ça sonne faux dans la bouche de nos trois quadras. Personne ne s’exprime ainsi. Ou alors dans quelques cercles privés où l’on se targue de parler philosophie ou psychologie. En tout cas pas dans une comédie qui se veut être populaire. Cette dissonance avec le parler naturel est fort dommageable car elle rend la pièce verbeuse.

Si je n’ai pas encore parlé d’Anthony Delon, c’est qu’il a la chance d’avoir hérité du rôle le plus « normal ». Son personnage, Joni, est bien structuré. Quand on fréquente un peu le monde des médias, on en croise des Joni. Lorsqu’à son tour, ses nerfs lâchent à la fin, il en a suffisamment montré pour gagner notre indulgence. Et puis cette séquence où il craque va beaucoup plaire aux dames, aux demoiselles et à quelques autres, voire à rendre jaloux certains…
Je me dois d’être honnête en évoquant une scène qui m’a quand même bien amusé pour son côté glace déformante : celle des toilettes. Difficile de ne pas la trouver drôle.
En tout cas, vu l’évidence de la complicité et du plaisir de jouer ensemble du trio Delcourt-Delon-Joussier, ils méritent vraiment mieux que cette pièce.

Rose

2012-01-20T11:00:00.006+01:00

La Pépinière Théâtre
7, rue Louis-le-Grand
75002 Paris
Tel : 01 42 61 44 16
Métro : Opéra

Une pièce de Martin Sherman
Traduite par Perrine Moran et Laurent Sillan
Mise en scène par Thierry Harcourt
Musique d’Eric Slabiak

L’histoire : Véritable épopée miniature, Rose nous entraîne de son Shtetl en Russie à Miami Beach, en passant par les années noires du ghetto de Varsovie, sa fuite à bord de l’Exodus, la création de l’état d’Israël, la réussite du rêve américain et le conflit actuel du Moyen-Orient. Le récit intime et plein d’humour d’une femme juive qui porte un regard affectueux mais lucide sur son peuple, un texte fort et terriblement ancré dans l’actualité qui dénonce les meurtres commis au nom de la Nation quelle qu’elle soit et refuse tout parti pris simpliste.

Mon avis : Que dire ?... On ne peut qu’être fasciné par cette destinée incroyable d’un romanesque fou. Rose est une anti-héroïne anonyme et, d’abord et surtout, une femme. Une femme qui a côtoyé le pire avant de connaître des meilleurs. Ce qui frappe dans le récit, scrupuleusement chronologique, que nous brosse une Judith Magre totalement incarnée en Rose, c’est le recul qu’elle y met.

Rose est née en 1920 en Russie (dans l’actuelle Ukraine) et elle va se retrouver mêlée malgré elle aux bouleversements que vont connaître l’Europe et le monde au milieu du 20è siècle. Rose est totalement banale. Rien ne la prédestinait à connaître un tel parcours plein de bruit et de fureur. Rien ne l’y avait préparée. Il faut l’écouter parler de ses parents et, partant, de son enfance. Elle y met une telle drôlerie ! D’ailleurs, tout du long du spectacle, pratiquement tout sera analysé à travers le prisme de l’humour. En dépit des tragédies qui vont jalonner son existence, elle garde une authentique distance. C’est vraisemblablement ce qui lui a permis inconsciemment de se protéger et de survivre. Car Rose est une survivante. Elle n’est en aucun cas une battante. Elle s’est comportée un peu comme un bouchon qui se laisse emporter par le torrent impétueux de l’horreur absolue et qui flotte jusqu’à atteindre des rivages plus accueillants. On a l’impression que son cerveau s’est mis de lui-même en veille, atténuant ainsi les terribles drames qui allaient la frapper. Du coup, sa description des événements est en permanence décalée. Elle ne sombre jamais dans le pathos ; et encore moins dans la haine. Elle constate, analyse et elle passe à autre chose. De toute façon, le courant l’emmène toujours ailleurs. C’est un bouchon, vous dis-je… Même ses amours, qu’elle décrit à la fois avec espièglerie et un réalisme cru, elle ne les a jamais choisies. Ce n’est guère que dans le dernier tiers de sa vie qu’elle va prendre son destin en main. Bien qu’elle semble toutefois s’excuser de réussir soudain en affaires et de connaître la réussite.

Rose est une vraie modeste. Elle ne réalise même pas quelle force de caractère elle a dû avoir pour s’en sortir. Tout en subissant les événements, elle n’a jamais été dupe de rien. Son sens critique ne l’a jamais abandonnée. Sa nature viscéralement moqueuse et irrespectueuse lui a permis d’échapper à tout fanatisme et à tout endoctrinement, faisant d’elle une femme libre. Libre malgré tout.

Pour nous présenter Rose et nous la faire aimer, il y a Judith Magre. Avec son jeu tout en finesse, son air mutin, elle nous embarque avec légèreté dans 80 ans d’histoire. Elle est magnifique. A 85 ans (elle en fait 30 de moins !), elle dégage un charme et un pouvoir de séduction invraisemblable. C’est une grande dame qui s’est mise au service d’un grand personnage pour nous offrir un grand moment de comédie.

Bronx

2012-01-19T12:20:00.004+01:00

Bouffes Parisiens
4, rue Monsigny
75002 Paris
Tel : 01 42 96 92 42
Métro : 4 Septembre / Pyramides

Une pièce de Chazz Palminteri
Adaptée par Alexia Perimony
Mise en scène par Steve Suissa
Lumières de Jérôme Almeras
Décor de Stéphanie Jarre
Costume de Christian Dior
Avec Francis Huster

L’histoire : Le Bronx des années 60. Un quartier en pleine ébullition où la mafia règne sans partage et où le racisme fait son apparition… De ses 9 ans, le petit Cologio observe le monde des « affranchis ». Il est particulièrement fasciné par Sunny, leur chef. Son père, Lorenzo, accepte mal l’intérêt de son fils pour les malfrats. Chauffeur d’autobus, il a toujours refusé de se compromettre.
Un soir, Cologio est témoin d’un meurtre perpétré par Sunny, mais il ne dit rien à la police. Reconnaissant, le gangster le prend sous son aile… En grandissant, Cologio hésite entre le mode de vie que lui propose le milieu et celui de sa vraie famille. Résistera-t-il à l’attrait de l’argent facile ?

Mon avis : Et bien, une fois de plus, j’ai été bluffé par la performance qu’accomplit Francis Huster sur la scène des Bouffes Parisiens. Je n’ai jamais été inconditionnellement béat devant ses prestations et il m’est parfois arrivé de le juger à côté de la plaque ou d’être (son principal défaut) dans l’outrance… Là, pas de posture, pas de grandiloquence, pas de concession, mais une justesse de jeu absolue. Il se livre carrément à un numéro à la Caubère en s’appropriant tous les personnages (18) d’une chronique sur le Bronx des années 60.
Même à nous, Français, cette histoire nous parle. Nous ne sommes pas dépaysés car la littérature, le cinéma et la télévision ont abondamment traité le sujet. On a donc plein de repères et on peut sans problème suivre la narration de cette parenthèse de huit années dans la vie d’un gamin italo-américain qui va passer de l’enfance à l’adolescence, écartelé qu’il est entre son attachement respectueux à sa famille et sa fascination pour le monde des gangsters qu’il observe quotidiennement sur le pas de sa porte.

C’est un homme élégant d’une soixantaine d’années (dans l’histoire, il est né en 1951) qui revient sur les lieux de son enfance. Son quartier du Bronx, autrefois si vivant, est aujourd’hui quasi à l’abandon, déshérité. Cologio – c’est son prénom – s’assied sur les marches qui mènent à l’ancien appartement de ses parents, des marches sur lesquelles il a usé ses culottes courtes en contemplant les circonvolutions d’un quartier entièrement sous la coupe de la mafia, représentée ici par le fascinant Sunny et ses deux « frigidaires » de gardes du corps…
A travers ses mots et sa vision des choses, on voit Cologio grandir et mûrir sous nos yeux. Parce qu’il n’a pas dénoncé Sunny à la police pour un meurtre dont il a été le témoin, il s’attire non seulement la reconnaissance du malfrat, mais surtout sa réelle affection. Celui-ci va s’ingénier même à compléter son éducation. Car, en dépit de l’aspect violent et impitoyable de sa fonction de « capo di tutti capi », il s’avère être un authentique sage, un vrai philosophe. Avec énormément de bon sens, il va apporter beaucoup au gamin. Gamin qui, du coup, se trouve tiraillé entre les préceptes de son mentor, et le sens des valeurs que lui a toujours prodigué son chauffeur de bus de père. Il va essayer de se débrouiller en s’attachant à l’un sans toutefois décevoir l’autre. La seule chose qui pourrait lui apporter un sentiment de vénalité, c’est l’agent facile dont il bénéficie de la part de Sunny.
De ses 9 ans à ses 17 ans, Cologio va parcourir une sorte de chemin initiatique. A la fin de la pièce, il sera devenu un homme. Et, au vu de son maintien et de sa distinction, un homme qui semble avoir réussi sa vie… On aimerait bien d’ailleurs savoir quelle a été sa vie après le Bronx.

Physique de jeune premier, Francis Huster nous prend par la main, et se livre à une sorte de lecture animée. Passé le premier quart d’heure plutôt statique au cours duquel il pose les bases (indispensables) de son histoire et nous dresse le portrait de ses principaux protagonistes, il adopte un rythme beaucoup plus élevé. Nous entrons alors de plain-pied sans la commedia dell’arte. Francis se met à camper tous les personnages. Ils ont chacun leur propre gestuelle et leur propre voix. Le ton est empreint d’une nostalgie ironique. On rit souvent devant les expressions et les descriptions d’individus particulièrement hauts en couleurs.
Francis a l’art de nous captiver. Reflet d’une époque éminemment romanesque, son histoire nous intéresse de plus en plus, et sa trajectoire humaine aussi. En effet, malgré sa fréquentation assidue du milieu, Cologio garde une vraie fraîcheur d’esprit et une faculté d’émerveillement qui frisent souvent la naïveté. C’est Candide au pays des mafieux. La narration de ses premiers émois amoureux est entre autres un moment tout-à-fait délicieux.
Donc, en résumé, Francis Huster se livre à un exercice d’une rare perfection, à un numéro impressionnant. Sans être vraiment sobre (latinité de son personnage oblige), il ne grossit jamais le trait et ne tombe pas dans les effets gratuits. Il est impeccable de bout en bout. C’est tout de même un sacré acteur !

Enfin, il faut également souligner la qualité de la bande-son, qui s’appuie sur de grands standards en majorité jazzy, qui sont autant de ponctuations sonores glissées à bon escient pour souligner certains passages de l’histoire. ET, encore une fois, saluer le travail de Stéphanie Jarre qui ne nous a pas réellement concocté un décor, mais un superbe tableau impressionniste en clair obscur.

La femme du boulanger

2012-01-16T13:05:00.007+01:00

Théâtre Hébertot
78bis, boulevard des Batignoles
75017 Paris
Tel : 01 43 87 23 23
Métro : Villiers / Rome

Une pièce de Marcel Pagnol
D’après Jean le Bleu, un conte de Jean Giono
Mise en scène d’Alain Sachs
Décor de Stéphanie Jarre
Costumes de Marie Pawlotsky
Lumières de Philippe Quillet
Avec Michel Galabru (Le boulanger), Christophe Abrial (Casimir), Julien Cafaro (Le curé), Jean Galabru (L’instituteur), Sylvie Genty (Miette), Marianne Giraud (Melle Angèle), Bernard Larmande (Barnabé), Maxime Lombard (Maillefer), Christophe Mondoloni (Le berger), Dominique Regnier (La boulangère), Roger Souza (Antonin), Philippe Uchan (Le marquis)

L’histoire : Dans un village de Haute-Provence, un boulanger récemment installé découvre que sa femme est partie avec un berger. Il décide de faire la grève du pain tant que sa femme n’est pas revenue. Le village se mobilise pour retrouver sa boulangerie…

Mon avis : Le premier enchantement de cette pièce, c’est son décor. Nous sommes sur la placette ensoleillée (pléonasme) et joliment fleurie d’un petit village provençal. Côté cour se trouve la devanture d’un café, côté jardin trône la fameuse boulangerie et, au fond, au beau milieu de la scène, se dresse le charmant balcon qui donne sur, la chambre d’Aimable et Aurélie Castanier, le couple de boulangers nouvellement installé. Tout y est : les couleurs, la lumière, l’accent… Il ne manque que les cigales !... Un peu plus tard, magie de la technique, toutes ces façades pivotent et s’effacent pour laisser la place au fournil, lieu intime dans lequel le boulanger exerce son talent, mais qui va devenir bientôt le cadre de son malheur et de son désespoir.
Un tel décor, magistralement dessiné par Stéphanie Jarre, nous met d’emblée dans les meilleures dispositions pour recevoir cette pièce ô combien connue qu’est la pagnolesque Femme du boulanger.

Dès le début, on plonge dans l’ambiance du village avec ses habitants hauts en couleurs. On assiste à leurs bisbilles, à leurs petites querelles intestines aussi futiles qu’antédiluviennes. Ce sont tous de braves gens, bien sympathiques, qui adorent galéjer et se chamailler. Et, bien sûr – n’oublions pas que nous sommes en 1938 -, le curé est en soutane et l’instituteur est viscéralement anticlérical… Le ton est donné. Nous nageons dans la joie de vivre et l’insouciance. L’inquiétude majeure pour tous les autochtones, c’est la qualité du pain. Qu’est-ce qui va sortir du four de ce nouveau boulanger au prénom prédestiné, Aimable ? Nous aussi, avec eux, nous allons donc faire connaissance avec cet artisan et son épouse… Dès son apparition, Michel Galabru nous réjouit. Il est conforme à ce que l’on attendait de lui. Sa maîtrise est totale. C’est un bonhomme, dans le sens littéral du terme, un vrai brave type. Galabru fait du Galabru mais sans jamais tomber dans l’outrance. Sous la houlette d’Alain Sachs, il reste en permanence dans le personnage, tout en se livrant à un numéro de comédie « énôôôôrme ». Sa palette de jeu contient toutes les nuances. Il sait autant nous faire rire que nous émouvoir. C’est du grand art. Il manie même aisément le second degré car, à certains moments, on ne sait s’il joue la crédulité ou s’il l’est réellement. On a, bien sûr, notre petite idée. Il est en outre servi par des dialogues particulièrement ciselés auxquels sa faconde ou son chagrin donnent toute leur saveur… Et sa voix, parfois caverneuse, vibre comme un instrument de musique.

La distribution est épatante avec de belles compositions de Roger Souza (Antonin), Julien Cafaro (le curé), Philippe Uchan (le marquis), Maxime Lombard (Maillefer) ou Bernard Larmande (Barnabé). Sans oublier celle sans qui il n’y aurait pas cette tragédie, la boulangère Aurélie. Dominique Regnier déborde d’une incroyable sensualité. La moindre de ses attitudes, le moindre de ses gestes ou de ses regards sont de silencieux mais véhéments appels à l’amour. Comment le berger pourrait-il y résister ? C’est la femme fatale dans toute sa splendeur. Et on comprend sa fringale. Son vieux mari ne fait pas le poids. Ou, plutôt, il le fait trop. Elle, elle est au somment de sa féminité ; elle veut en jouir avant qu’il ne soit irrémédiablement trop tard. Il lui sera donc beaucoup pardonné.
Pour en revenir au berger, une victime lui aussi, quelle bonne idée que d’en avoir fait un pâtre corse, ce qui nous vaut de superbes interludes chantés qui sont autant de virgules dans le déroulement de l’histoire.

La pièce, qui dure deux heures, conserve presque tout du long un très bon rythme. Je n’y ai déploré qu’une petite baisse de régime lors de la scène des préparatifs de l’expédition pour aller rechercher la pècheresse. Sinon, j’ai eu un peu de mal avec le personnage de la rosière, mademoiselle Angèle, et physiquement, et auditivement. Je l’aurais imaginée autrement. Marianne Giraud est trop mignonne et l’accent méditerranéen pointu qu’elle adopte est parfois dérangeant. Mais ceci n’est que broutille en regard de l’intégralité d’un spectacle absolument réussi, riches en scènes d’une qualité rare. J’ai particulièrement aimé celle où Galabru, juché sur le balcon de sa chambre, se sert de la rambarde comme de la barre d’un tribunal pour se livrer à un plaidoyer magistral, plein d’émotion et de poésie.
Quant à la très attendue scène de fin, elle est largement à la hauteur de notre attente. Le jeu décalé de Galabru et celui, premier degré, de Dominique Regnier, nous étreignent littéralement le cœur.
Enfin, quel plaisir que de voir le bonheur de Galabru au moment des saluts. Il a les yeux et le sourire d’un gamin. Il vient de nous donner tellement qu’on ne peut que lui renvoyer que de longs et vibrants témoignages d’amour. Cet homme est généreux comme du bon pain.

Nicolas Bedos "Journal d'un mythomane"

2012-01-02T13:09:00.006+01:00

Journal d’un mythomane
Chroniques. Vol. 1
Préface de Régis Jauffret
Editions Robert Laffont (312 pages. 19 €)

Présentation : Déjà dramaturge, metteur en scène et comédien, Nicolas Bedos a agité le petit écran pendant plusieurs mois avec sa « semaine mythomane », moment fort dans l’émission de Franz Olivier Giesbert Semaine critique… Cet ouvrage réunit donc toutes ses chroniques télé, y compris celles, antérieures, qu’il a faites sur Oui FM ainsi que les nouvelles qu’il a écrites pour L’Officiel de la Mode.

Mon avis : Il a tout prévu, le bougre, en titrant son bouquin Journal d’un mythomane. Ainsi étouffe-t-il dans l’œuf toutes les critiques qui se auraient inévitablement pris pour angle cette formidable hypertrophie de l’encéphale qui envahit la moindre de ses chroniques. Difficile dès lors de la lui reprocher puisqu’il la revendique… On ne va donc pas lui intenter un quatorzième procès pour cette forfanterie démesurée, cette autosatisfaction permanente ce nombrilisme assumé. Ni même d’ailleurs pour Fog et usage de FOG…

En revanche, il est bon de s’attarder et sur la forme et sur le fond de cet ouvrage. Ce qui s’en dégage à la première lecture, c’est la grande qualité de l’écriture. L’homme sait manier la plume. Il a du style. Il est évident qu’il aime les mots. Il les aime même tellement qu’il a tendance à se complaire à les empiler pour en faire parfois des phrases interminables (à sa décharge, il faut toujours garder en tête que ces chroniques ont été faites d’abord pour être dites à l’antenne et non pour être lues). On sent que chacun de ses billets, qu’il ait été lu à la télévision ou à la radio, ou écrit dans un magazine, fût-il de mode, ont été polis à l’extrême. Même si leur contenu, lui, l’est bien moins, poli.
La deuxième évidence qui m’est apparue c’est que, sous ses dehors hâbleurs et sûr de lui, ce garçon est pétri de paradoxes. Par exemple, alors qu’il se conduit en caustique, il ne cire pratiquement jamais les pompes de qui que ce soit. Ensuite, tout autant qu’il s’acharne sur les autres, il n’hésite jamais à se moquer de lui-même. Il le fait sans complaisance aucune, ce qui, encore une fois, le met à l’abri de tout reproche de méchanceté gratuite… Il est indéniable que Nicolas Bedos est très compliqué. Dans sa tête, ce n’est pas de tout repos. En dépit d’une outrecuidance plus ou moins feinte et d’un incontestable contentement de soi, on sent percer en lui les pointes rouillées du doute, les aiguilles acérées de l’angoisse (ainsi, coquetterie toute masculine,sa séparation d’avec ses cheveux ne se fait pas du tout à l’amiable. Il aimerait bien les retenir un peu plus longtemps sur son crâne fécond). Il ne se fait aucun cadeau. Aussi maso qu’il est mytho, il adore se flageller, se vautrer dans ses turpitudes. Il dénonce lui-même son « esprit caustique de libertin foireux ». Devant une telle franchise, faudrait-il encore le piétiner avec des hauts talons de douze centimètres ? Que nenni. Il faut prendre ce Bedos-là avec son paquet de contradictions et son indéniable talent. Il est en effet bien plus proche du Père Fouettard que de Saint Nicolas, son patron.

Journal d’un mythomane est un pavé de 300 pages qu’il jette dans la mare (et parfois dans le Marais), faisant un gros plouf dans le PAF, en jouissant visiblement des éclaboussures qu’il provoque. Tout au long de ce bouquin empli de name dropping, on croise régulièrement ses têtes de Turc préférées : Nagui, Mathilde Seigner, Jean-Luc Delarue (celui d’avant la maladie), Arthur, Laurent Gerra, Nadine Morano, Franck Dubosc, Marc Lévy, Eric Zemmour, Jean-François Copé…). Il revendique tout aussi franchement ses amitiés pour Benjamin Biolay, David Foenkinos, Michel Denisot, Thierry Ardisson, Fabrice Luchini, Frédéric Begbeider, Edouard Baer…De même avoue-t-il être totalement druckerophile ; et surtout, il n’hésite jamais à afficher son admiration, son estime, sa tendresse et son amour pour ses géniteurs dont, bien sûr, le sieur Guy.

Bref, ce livre ne se réduit pas qu’à un brillant exercice de style (s). Il y a beaucoup de fond. Personnellement, ma chronique préférée dans le chapitre FOG (Franz Olivier Giesbert), est celle intitulée « La réforme des retraites ». De même j’ai trouvé particulièrement astucieux l’angle sur lequel il s’est appuyé pour évoquer Marine Le Pen… Mais, en définitive, là où j’ai trouvé que sa plume excellait, c’est dans les chroniques qu’il avait réalisées pour Oui FM. Son papier titré « Nicolas Rey » en est, à mon goût, le plus abouti.
On prend donc énormément de plaisir à se laisser emporter par les délires, les élucubrations, les digressions, la perfidie, les comparaisons osées, les explications très imagées, les excès, la mégalomanie d’un authentique auteur. Même si on se prend parfois à regretter de ne pas l’entendre nous les dire. L’ironie du ton et le sourire dans la voix permettant souvent de gommer un effet que l’on aurait tendance à trop prendre au premier degré durant la lecture… Là, c’est moi qui fait le mythomane… pour avoir du son.

Jean-Jacques Vanier "Fest of"

2011-12-30T11:50:00.004+01:00

Petit Montparnasse
31, rue de la Gaîté
75014 Paris
Tel : 01 43 22 77 74
Métro : Gaîté / Edgar Quinet

One man show écrit par François Rollin et Jean-Jacques Vanier
Mis en scène par Jean-Jacques Vanier

Mon avis : Jean-Jacques Vanier est un homme à part, une sorte d’extra (très extra)-terrestre qui nous emmène dans son monde à lui, un monde surréaliste, absurde, incongru dans lequel il se sent comme un pingouin sur sa banquise. A l’instar de son homonyme Nicolas Vanier, il n’aime rien tant que les grands espaces de liberté. Sa fantaisie n’a pas de frontières, pas de limites. Pénétrer dans son univers, c’est se préparer à un grand voyage, à une sorte de « rendez-vous en terre inconnue ». Tout au long de ce trajet initiatique, on ne cesse de s’émerveiller, d’aller de surprise en surprise, d’ébahissement en éblouissement. Mais, surtout, on ne cesse de rire ; d’un rire frais et léger, spontané, complice… Grâce à lui, j’ai terminé mon année artistique en beauté.

Dans un décor on ne peut plus nu, Jean-Jacques Vanier prend possession de la scène en pantalon noir et chemise blanche. Il attaque illico presto avec son fameux « tube », le sketch de la cafetière 9 tasses. Là, on est antipodes de George Clooney. On a beau le connaître par cœur, il produit toujours le même effet. L’œil (clair comme un ciel d’azur) écarquillé, il s’efforce de convaincre le public avec une démonstration mathématique aussi énervante qu’hilarante. Qu’ils connaissent ou non ce sketch, les spectateurs, pris en otage, se piquent au jeu. Chacun y va de sa calculette mentale, émet tout haut sa solution, se plante, s’insurge et, découragé, abandonne. S’appuyant sur un éprouvant comique de répétition, Vanier nous a l’usure. On en éprouve presque du soulagement lorsqu’il clôt son raisonnement… On a à peine le temps de recouvrer nos esprits qu’il enchaîne avec un sketch totalement farfelu, un road-movie improbable dans lequel il nous conduit sur le circuit de l’absurde. Ce récit est tellement décalé et imagé qu’il en devient implacable.

Or, arrivés à ce stade du spectacle, on ne se doute pas encore que nous n’en sommes qu’aux amuse-gueule, à la mise en bouche (en esprit plutôt). Ces deux sketchs-là servent en fait à nous dégripper les neurones et à les préparer à sa forme d’humour si particulière. Car ce qui va suivre va nous emmener dans ce fameux pays aux émerveillements dont je parlais en préambule… Imaginez en effet que le one man show de Jean-Jacques Vanier ne comporte QUE cinq sketchs ! Mais les troisième, quatrième et cinquième qui, qualitativement vont crescendo (comme si c’était possible) sont tout simplement des perles rares. C’est énorme. Excellent comédien, mime émérite, imitateur à ses heures, il possède une gestuelle, des intonations, des silences, des jeux de sourcil, des interrogations qui n’appartiennent qu’à lui. Peu me chaut de vous narrer par le menu le contenu de ces trois monuments de drôlerie, de non-sens, de poésie et… d’intelligence. D’abord ce serait impossible… Jean-Jacques Vanier est un pinailleur de l’extrême. Il a le souci du détail obsessionnel. Quand il a un os à ronger, il en décortique le moindre bout de chair, le moindre nerf et il nous le rend complètement nettoyé. Il profère les pires incongruités, les pires inepties avec une totale conviction… Lorsqu’il part sur une route, l’itinéraire n’en est jamais défini et rectiligne. Il emprunte des chemins de traverse, fait diversion, revient sur ses pas, semble s’égarer, se perdre, pour toujours retomber sur ses pattes. La construction de son mécano de l’absurde est magistrale, imparable. Chaque pièce y est ajustée avec une méticulosité quasi maladive et, au final, tout se tient. Plus c’est fou, plus on est sidéré par la totale logique qui en découle. C’est réellement du grand art. Un pur bonheur. La virtuosité du jeu n’y a d’égale que la qualité de l’écriture.
Que voulez-vous de mieux ?
Vous, Vanier, j’en suis fort aise, et bien riez maintenant…

2011-12-15T12:35:00.005+01:00

Petit Palais des Glaces
37, rue du Faubourg du Temple
75010 Paris
Tel : 01 48 03 11 36
Métro : République / Goncourt

One man show écrit par Alexis Macquart
Mis en scène par David Salles

Mon avis : Le dossier de presse annonce un artiste « sincère, honnête, qui se présente sur scène sans faux-semblant à travers un humour spontané, incisif, perturbant, provocateur, acerbe, mordant et osé »… Et bien tout est vrai là-dedans, il n’y a rien à ajouter, et ma critique est pour ainsi dire déjà terminée…
De même, le titre de son one man show est « Faites le taire »… Là aussi je suis tout-à-fait d’accord. Pour la simple et bonne raison que ce sagouin, en parlant de sa vie personnelle, livre au public féminin toutes les clés de la psychologie masculine. Du coup, il aurait pu sous-titrer son spectacle : « les hommes : mode d’emploi ». Déjà qu’on est assez démuni comme ça face à la gent féminine, il n’y avait pas besoin de leur fournir autant d’éléments concernant les rouages les plus intimes de notre mécanique comportementale. C’est nul ! J’ai passé mon temps à l’insulter en silence. Et, évidemment, dans l’auditoire, il y avait une majorité de jeunes femmes et de couples. Nous, on se retrouve à poil, complètement désemparés et pire, démythifiés. Après ça, il faut être drôlement costaud pour affronter la vie à deux…

AleCh’ti Macquart – il revendique d’emblée ses origines nordistes, histoire ce se débarrasser tout de suite de ce poids – a tout pour attirer la sympathie. Avec son allure de copain de fac, son œil bleu ciel rigolard, et sa propension à jouer les losers, il nous met tous dans sa poche. Son truc, c’est le stand-up. Il raconte… Il SE raconte. Après avoir affirmé sa lâcheté chronique, son incapacité face à la violence, surtout celle émanant des femmes, il nous emmène dans son monde. En guise de préambule, il évoque des généralités. Il parle de la bouffe, des émissions télévisées, des dysfonctionnements de notre société, de Tweeter et de Facebook.
Sa vision des choses repose sur une logique froidement réaliste. Elle est toute entière contenue dans cette affirmation qu’il nous livre benoîtement : « C’est peut-être moi qui vois le mal partout… » Effectivement, plus on avance dans le spectacle, plus on se dit que ce gars-là, c’est la méchanceté tranquille. Rien n’est gratuit. Tout est finement décortiqué, analysé, mais sans jamais appuyer le trait. Ce qui est d’autant plus redoutable car il nous oblige à une réelle réflexion. Ses apparentes élucubrations sont bien plus profondes qu’il ne voudrait le faire croire.

Après avoir balayé avec son télescope de façon panoramique le monde qui l’entoure, il le retourne sur lui-même, se lamente sur son physique, avoue sa peur de vieillir puis, insensiblement, en vient à sa vie de couple. Un sujet qui lui tient particulièrement à cœur et auquel il va consacrer plus de la moitié de son discours. Huit ans qu’il vit avec sa copine, huit ans qu’il lui est fidèle, huit ans au cours desquels il n’a rien élucidé du « mystère féminin ». Une seule chose est sûre pour lui, les femmes lui font peur… Sans aucun tabou, avec un langage et des gestes parfois sans équivoque, il parle avec force détails de sexualité, de masturbation, de l’éducation des enfants avec en corollaire notre émerveillement crétin pour nos rejetons, des méfaits d’Internet… C’est la première fois que je vois un humoriste s’exprimer avec un réalisme aussi clinique, une lucidité implacable et, surtout, sans aucune mauvaise foi. Habile et fin, d’une honnêteté sans faille, il ne voit que l’aspect négatif des choses. Le doute l’habite et ça lui donne vachement de grain à moudre. Son parler vrai est absolument convaincant. Je suis certain en outre que ce comportement de loser doit considérablement émouvoir les spectatrices. Son côté Calimero, parfaitement assumé, c’est en fait sa façon de séduire. Et même, j’irai plus loin : en parlant sans cesse de sa compagne (après huit années de vie commune, on ne peut plus parler de copine), il lui rend en réalité un profond hommage. C’est certes en filigrane, mais on le ressent néanmoins très fort.

Je ne connaissais pas du tout Alexis Macquart. Il a été pour moi une véritable découverte. Il est intéressant, très drôle, intelligent, malin, avenant. Il mérite vraiment que les gens viennent en nombre à son spectacle car il s’y passe quelque chose. En tout cas, j’ai quitté le Petit Palais des Glaces absolument ravi et conquis. Ce Macquart est un tout-bon.

Delphine McCarty dérape !

2011-12-09T12:57:00.004+01:00

Théâtre de Dix Heures
36, boulevard de Clichy
75018 Paris
Tel : 01 46 06 10 17
Métro : Pigalle

One woman show écrit par Delphine McCarty, Michaël Quiroga et Eric Théobald
Mis en scène par Elie Semoun

Mon avis : Quelle adorable petite peste ! Tout au long de ce spectacle bien écrit et remarquablement interprété, Delphine McCarty nous apporte la confirmation que l’on peut à la fois être ravissante et drôle. Pour paraphraser ce cher Brassens, c’est « une jolie fleur dans une peau d’ vache ». Parce que pour y aller, elle y va la drôlesse ! Avec son air de sainte Nitouche, sa frimousse juvénile, ses grands yeux ronds et candides, son sourire enjôleur, elle n’a pas son pareil pour débiter des chapelets d’insanités avec un naturel confondant. Les termes les plus crus et les détails les plus osés nous paraissent moins choquants lorsqu’ils sortent d’une bouche aussi aimable et purpurine.

Delphine McCarty nous propose un bon vieux one woman show à l’ancienne, c’est-à-dire à base de sketches. Treize au total, à travers lesquels elle faut montre de qualités de comédienne hors pair. Parfaitement à l’aise, faisant ce qu’elle veut avec sa voix et avec son corps, elle nous propose une galerie de personnages qui, la plupart du temps, tutoient l’odieux, se délectent dans le cynisme, se complaisent dans la méchanceté, se vautrent dans la luxure… Des personnages peu fréquentables qui, s’ils n’étaient pas aussi brillamment interprétés par une jolie fille, nous seraient totalement abjects. Mais comme je l’ai précisé plus haut, son naturel teinté d’une bonne dose d’autodérision fait tout passer, rend tout digeste. Plutôt que de se sentir outré, on rit de bon cœur devant tant d’audace.

Pourtant, le sketch d’ouverture où elle apparaît revêtue d’une robe de princesse de taffetas rose et coiffée d’un diadème en toc m’a laissé dubitatif. Impression de déjà vu, de déjà entendu, accent du Midi et grossièretés gratuites en prime… Je me souviens avoir pensé « Bof, elle est très mignonne à regarder mais elle nous sert du Disney réchauffé ». Et puis, avec une logique imparable, après le premier sketch est venu le deuxième. Et là, le ton est devenu différent. Est-ce dû au changement de costume. Est-elle plus elle-même quand elle est en jeans et t-shirt ? L’habit ne fait pas la nonne mais il contribue dans son cas à plus d’authenticité. D’autant que ce deuxième sketch, que je qualifierai « d’exposition », préfigure pour moi ce qui va suivre et qui va aller crescendo. Elle y parle d’elle, se rit d’elle-même, aborde le second degré et se lance avec une saine ironie dans une étude comparative des séries télé américaines et françaises. On sent qu’elle parle de ce qu’elle connaît puisqu’elle est apparue dans une bonne vingtaine de téléfilms dont Julie Lescaut, Alice Nevers, Le Tuteur, Diane femme flic, Crimes en série… Elle a donc le droit d’avoir la quenotte dure.

Et c’est seulement à partir du troisième sketch qu’elle se met à camper les fameux personnages dont je parlais en préambule. Il y en a huit car trois d’entre eux (la caissière, la fille à l’enterrement et la représentante) réapparaissent pour notre plus grand plaisir une seconde fois, histoire d’en remettre une couche. Tous ces personnages m’ont vraiment plu, et certains encore plus, comme Zoé la nouvelle belle-maman désinvolte et perverse (un des mieux écrits) ou la « caillera » qui lui permet une subtile étude anthropologique du croisement inopiné de deux mondes et de deux cultures… Mais elles sont toutes formidables ces filles, la caissière qui pratique l’ingérence parce que ça lui permet d’exister, la maman dépressive, Elvire, la « copine » acide et vacharde, la représentante détestable, la bourge couguar en mal de sexe… C’est un gant de crin manié par une main de velours qui nous gratte agréablement la peau et nous fait frissonner d’aise. Débitées ainsi, ces dragées au poivre réussissent à avoir un goût de bonbon acidulé. De toute façon, sucer n’est pas tromper. Et ce spectacle est fort bien léché. On y sent la patte Semoun. Il a dû se régaler l’Elie à mettre en scène une aussi jolie poupée à l’apparence inversement proportionnelle aux insanités qu’elle débite. Mignonne, allons voir si la rosse…

Delphine McCarty est une teigne (il faut savoir qu’une teigne est aussi un joli petit papillon) qui se réjouit visiblement de nous embrouiller en mélangeant le fond et les formes. Le fond, elle le puise en piochant dans une veine d’humour noir. Quant aux formes, ce sera à vous de juger, bien qu’elle n’en abuse nullement. C’est en effet le mot « naturel » qui revient lorsqu’on essaie de la définir. En tout cas, sa fraicheur et sa simplicité lui permettent sans aucune réserve notre absolution. Puisse-t-elle « déraper" encore longtemps pour notre plus grande joie…

Vive ma planète !

2011-12-08T13:14:00.004+01:00

Annoncé comme « le premier livre/CD ludique et écologique », Vive ma Planète ! est un ouvrage qui devrait faire l’unanimité chez les petits comme chez leurs parents.

Les « 9 histoires pour un monde meilleur » qu’il contient sont un pur ravissement. Et le livre lui-même est un très bel objet aux illustrations vives et colorées, un véritable plaisir pour les mirettes. Et si les yeux sont comblés, les oreilles le sont également. En effet, non seulement on peut lire ces neuf aventures, mais on peut aussi (et surtout) les écouter. Accompagnée par une bande-son entraînante et émaillée de judicieux bruitages, Séverine Ferrer use de tout le savoir-faire de la comédienne qu’elle est devenue pour les conter et les jouer. Humour, émotion, tendresse, pédagogie, tout y est.
On y croise un cerf-volant qui s’alanguit de ne plus folâtrer dans le vent, un pyjama rassurant, un crocodile boulimique, une crevette amoureuse, une petite fille rêveuse et bienveillante, une souris minuscule et tête en l’air, un petit garçon désordonné et désobéissant, un ours gourmand et compatissant…

Valeur ajoutée à cet ouvrage, chaque histoire est séparée par une rubrique intitulée « Le Conseil du Panda » dans laquelle on enseigne de façon ludique à nos bambins les éco-gestes essentiels pour la protection de l'environnement… Vous vous demandez « mais que vient faire ce panda dans cette histoire ? » Et bien, tout simplement parce que Séverine Ferrer, « fan de » la faune et de la flore, est aujourd’hui ambassadrice du WWF (Fonds Mondial pour la Nature) dont le panda est le symbole. Si bien, qu’en plus de vous procurer énormément de plaisir, ce livre vous permettra de faire une bonne action car une partie de ses droits sera reversée au WWF France.
Alors, ouvrez, lisez, écoutez, découvrez, laissez-vous bercer et emporter. Et que vive notre planète !

Le Courrier du Livre Jeunesse (104 pages. 17, 90 €)

Titoff "Après 5 ans sans rien faire déjà de retour !"

2011-12-02T10:54:00.005+01:00

Le Bataclan
50, boulevard Voltaire
75011 paris
Tel : 01 43 14 00 30
Métro : Oberkampf / Filles du Calvaire

Spectacle écrit par Titoff et Laurent Junca
Mis en scène par Laurent Junca

Mon avis : Il est vraiment particulier ce spectacle de Titoff. Plus stand-up que ça, ça n’existe pas… Titoff, c’est un peu comme un bon copain qui prendrait la parole à la fin d’un repas de fête ou de famille et qui s’amuserait à faire ses commentaires sur tout et rien : la politique, l’écologie, la crise, la rapidité avec laquelle une info chasse l’autre, les smoothies, la prolifération des comiques, la pub Kinder Bueno… et, surtout, la vie quotidienne : le couple, la paternité, les soirées filles et les soirées mecs, les bimbos, la mauvaise foi masculine… Bref, son spectacle est un grand fourre-tout dont le leitmotiv serait « On est chez les fous ». Il est vrai qu’actuellement, ce ne sont pas les sujets qui manquent et il pourrait sans problème tenir une heure de plus.
A son crédit, Titoff attire la sympathie et cette forme d’indulgence souriante que l’on accorde justement au « bon copain ». Il est, reconnaissons-le, un formidable tchatcheur. Il possède un vrai talent pour tirer le fil de l’ironie de la pelote du quotidien et d’en grossir la trame. Il a incontestablement du métier (à tisser). Mais s’il réussit fréquemment à nous faire sourire, il ne nous fait pas rire. Tout simplement parce que ses élucubrations manquent singulièrement de fond. Autant certaines des saillies qu’il distille au cours de l’émission de Laurent Ruquier sur Europe 1 sont savoureuses, autant sur la longueur a-t-il tendance de ronronner. Titoff serait donc plus un sprinter qu’un coureur de fond. Ce fond qui, effectivement, lui fait défaut.

Il ne lui manque pas grand-chose car il possède déjà pas mal d’atouts avec sa bonne gueule, son charme indéniable et sa faconde méridionale. Il s’est même considérablement amélioré dans ce domaine depuis ses débuts dans le one-man show il y a un peu plus de dix ans. Disons qu’il s’est professionnalisé, qu’il a pris de l’épaisseur. Il ne lui reste plus qu’à se montrer un peu plus ambitieux au niveau du texte pour franchir un palier décisif. Il en a le talent… Mais à trop surfer sur l’écume des choses, on en devient vague soi-même.
Je n’ai pas passé une mauvaise soirée au Bataclan mais, gavé par trop d’amuse-gueule, je suis resté sur ma faim. Il m’a manqué du consistant, du roboratif ; de ce genre de plat qui vous fait délicieusement mal au ventre quand on a dégusté.

Les Lyonnais

2011-11-28T10:51:00.005+01:00

Un film d’Olivier Marchal
Ecrit par Olivier Marchal d’après le livre d’Edmond Vidal
Avec Gérard Lanvin (Edmond Vidal), Dimitri Storoge (Edmond Vidal années 70), Tchéky Karyo (Serge Suttel), Olivier Chantreau (Serge Suttel années 70), Valeria Cavalli (Janou), Daniel Duval (Christo), Lionel Astier (Dany), Francis Renaud (Brandon), Patrick Catalifo (Max Brauner), Estelle Skornik (Lilou Suttel), Pierre-André Gilard (Diégo), François Levantal (Joan Chavez), Etienne Chicot (Le Grec)
Sortie le 30 novembre 2011

Synopsis : De sa jeunesse passée dans la misère d’un camp de gitans, Edmond Vidal, dit »Momon », a retenu le sens de la famille, une loyauté sans faille, et la fierté de ses origines. Il a surtout conservé l’amitié de Serge Suttel, l’ami d’enfance avec qui il a découvert la prison suite à un stupide vol de cerises. Avec lui, inexorablement, il a plongé dans le grand banditisme et connu l’apogée du Gang des Lyonnais, l’équipe qu’ils ont formée ensemble et qui a fait d’eux les plus célèbres braqueurs du début des années 70. Leur irrésistible ascension prend fin en 1974, lors d’une arrestation spectaculaire… Aujourd’hui, à l’approche de la soixantaine, Momon tente d’oublier cette période de sa vie. Sa rédemption, il l’a trouvée en se retirant des « affaires », en prenant soin de Janou, son épouse, qui a tant souffert à l’époque, et des ses enfants et petits-enfants…

Mon avis : Olivier Marchal a encore frappé ! Décidément, en matière de polar, il y a une patte, un ton, une signature « Marchal ». C’est le quatrième qu’il réalise et, à chaque fois, il nous propose un nouveau film tout aussi efficace et prenant. Dans 36, quai des Orfèvres et MR 73, il s’était appuyé sur son propre vécu, évoquant des personnes qu’il avait croisées durant ses dix années passées dans la police. Cette fois, il s’est inspiré de Pour une poignée de cerises, le livre de souvenirs écrit par Momon Vidal, un des caïds du gang des Lyonnais qui a sévi au début des années 70. De cette histoire pleine de bruit et de fureur, il a tiré un polar nerveux et haletant. Et formidablement humain.
Olivier Marchal a réalisé un film qui serait quelque part la synthèse entre Le Clan des Siciliens et Le Cercle rouge, mais avec une facture 2011. C’est d’autant plus troublant que les méfaits des Lyonnais ont eu lieu entre 1970 et 1974, et que le film de Verneuil et celui de Melville datent eux aussi de cette époque, 1969 pour le premier, 1970 pour le second (avec la DS 19 pour symbole commun)… Lorsque je parle de « facture 2011, c’est essentiellement au niveau du rythme et de la qualité de la photographie que je fais référence. Le film dure 1 h 40 et on ne le voit pas passer tant les actions s’enchaînent sans nous laisser à peine le temps de respirer.

Le générique lui-même est une sorte de mise en bouche du menu qui nous attend. Sur les notes d’un rock’n’roll rageur, se succèdent des images en noir et blanc et sépia. Procédé habile qui va nous faciliter la compréhension tout au long du film. Tout ce qui déroule entre les années 50 et 70 est traité dans ces trois tons. Et toutes les scènes du présent sont en couleurs. Il vaut mieux car le film effectue sans cesse des allers et retours dans les trois époques (l’enfance de Momon et Serge, leurs débuts dans le grand banditisme, et le présent).

En plus de Verneuil et Melville, Olivier Marchal est allé chercher une troisième référence outre-Atlantique du côté de Coppola. En effet, la scène de baptême qui ouvre le film fait inévitablement penser à celle du mariage du Parrain. A part qu’ici, les Gitans remplacent les Ritals. Sinon, c’est exactement la même ambiance avec une action qui se déroule en parallèle avec la fête… Mais passé ce clin d’œil, Olivier hausse le ton, change de braquet (de braquo ?) et refait du Marchal. Et c’est parti pour une succession de scènes spectaculaires, haletantes, brutales, éprouvantes qui tombent comme des couperets. Il ne s’embarrasse pas de fioritures, il ne va plus qu’à l’essentiel. Les images sont réalistes, sans concession; mais jamais gratuitement gore. Elles sont même volontairement moins violentes que dans les précédents films. Mais le résultat est le même : on subit une impérieuse et incontrôlable montée d’adrénaline.

Ce film est construit comme un western (Le Marshall n’est-il pas un shérif ?…). Il en a la dramaturgie, la dimension tragique. C’est tout simplement une histoire d’amour et d’amitié. D’amitié virile avec code de l’honneur à la clé. Hélas, pas pour tous. Alors les colts aboient… Avec le personnage de Momon Vidal, Gérard Lanvin décroche un de ses plus beaux rôles au cinéma. Il est géant. Quelle gueule, quel charisme ! Quand je pense que c’était Alain Delon qui avait été pressenti. Heureusement que Le Fils à Jo est passé par là !
Et quand on parle de « gueules », un autre des grands talents d’Olivier Marchal c’est de faire appel à d’excellents comédiens dotés de véritables tronches : Daniel Duval, Lionel Astier, Francis Renaud, François Levantal… Ils font tous plus vrais que nature. Face à ces visages taillés à coups de cutter, il y a peu de place pour la grâce et la douceur féminine. C’est très difficile pour elles d’exister dans ce monde où la testostérone est reine. Et pourtant, les trois personnages féminins du film tirent remarquablement leur épingle du jeu, que ce soit la fraîche et frémissante Stéphane Caillard (dans le rôle de Janou jeune), Estelle Skornik, aussi belle que déterminée dans le rôle de Lilou, la fille de Serge Suttel, et Valeria Cavelli, magnifique et touchante en Pénélope moderne.
Tchéky Karyo crée là une de ses plus fortes compositions, à la fois hiératique et ambiguë. Révélation du film, Dimitri Storoge apporte au personnage d’Edmond Vidal jeune toute sa fougue et sa complexité. Dans le moindre de ses gestes, le moindre de ses regards, se dessine le caractère qu’il va se forger pour devenir Momon, caïd respecté et (presque) respectable. C’est un truand à l’ancienne pour qui la parole donnée est sacrée et intangible. Comme c’est également un homme amoureux (et aimé), il prend une dimension quasiment romantique… Et comment ne pas mentionner Etienne Chicot ? Il n’a qu’une scène, mais il nous offre un numéro de haute voltige particulièrement impressionnant.

En conclusion, on ne peut qu’accorder un énorme crédit aux Lyonnais. Olivier Marchal signe ici un film totalement abouti, sans aucun temps mort, tout en réussissant à distiller les grands sentiments qui l’habitent. Moins âpre, moins noir, moins désespéré que 36, quai des Orfèvres et MR 73, il est vraiment tous publics. Du bon, du grand cinéma. Efficace, quoi…

Mozart, l'Opéra rock en 3D

2011-11-25T17:33:00.003+01:00

Je tenais à signaler la sortie en salle de la comédie musicale Mozart, l’Opéra rock en 3D. Je l’ai vu au Grand Rex le 7 novembre et j’ai découvert ce spectacle sous un angle tout-à-fait nouveau.
Si vous l’avez aimé sur scène, vous allez l’adorer sur grand écran. Personnellement, ce qui m’a le plus bluffé, c’est la réelle qualité dans le domaine de la comédie pure des différents protagonistes de l’histoire, Mikelangelo Loconte en tête. Les nombreux gros plans sur les visages ne trompent pas. On peut y lire toute la palette des sentiments qui animent les acteurs, et plus particulièrement l’émotion. Sur grand écran, la beauté hiératique et la qualité de jeu de Mélissa Mars deviennent des évidences. Mais ils sont tous bons, il n’y a aucune fausse note. Les chansons elles-mêmes prennent une autre dimension car on peut capter l’intention de chacun des interprètes, lire ce qu’il ou elle ressent. En cela, on ne peut que saluer a posteriori la perfection de ce casting.
Ce sont des opérateurs Sud-Coréens qui ont assuré cette captation. 70 techniciens pour 22 caméras. De quoi débusquer le moindre geste et la moindre mimique. Le montage et le traitement de l’image ont duré un an… Mozart, l’Opéra rock en 3D est diffusé dans 230 salles à travers la France. C’est une première dans le genre. Une réussite.
Sortie le 25 novembre 2011

Hommage à Georges Brassens

2011-11-23T11:10:00.011+01:00

Poème-hommage à Georges Brassens contenant les titres des 136 chansons qu'il a enregistrées...

La rose, la bouteille et la poignée de main,
L’amitié, la beauté, la bonté et le vin
Pour ce bonhomme sont les symboles parfaits.
Sa musique et ses mots feront des ricochets
Dans nos cœurs comm’ dans l’eau de la claire fontaine
La mauvaise herbe pousse au pied de ce grand chêne
Accueillant, comme hier, les oiseaux de passage.
Le bougre ne craint pas ni le vent ni l’orage
Et son ombre est pareille à l’ombre des maris
Où les bêtes à deux dos sont si bien à l’abri.

Quand on a mauvaise réputation à Sète
Il suffit de passer le pont, guitare prête,
D’emprunter vite la route aux quatre chansons
Pour monter à Paris redorer son blason.
Sans ses maman, papa et Corne d’aurochs loin
Il fallut conquérir croquants et Philistins
Heureusement pour lui il y avait la Jeanne,
Germaine Tourangelle et de galantes dames
Ainsi qu’oncle Archibald et surtout ce bougnat,
Ami qui inspira Chanson pour l’Auvergnat.

Bientôt ce mécréant bâti comme un gorille
Rendit sur scène hommage à sa première fille
Aux casseuses aussi, misogynie à part
La Ballade des gens qui sont nés quelque part,
Qui de Montélimar, qui de Choisy-le-Roi,
Il fallait y penser, c’est beau, putain de toi !
Et ce mauvais sujet repenti, si modeste
Devint soit pornographe aux chansons plutôt lestes
Soit ce Moyenâgeux qui a si bien décrit,
Tel Villon, le fameux verger du Roi Louis.

La femme dans sa vie, il l’aima au pluriel :
De la brave Margot, à Pupchen et Mireille
De la fille à cent sous jusques à la marquise,
Mélanie, Colombine et Vénus callipyge
Sans l’entraîner jamais à la marche nuptiale.
Il n’y a pas d’amour heureux quand on s’installe.
Il sait trop que le temps ne fait rien à l’affaire
Que Cupidon s’en fout, fait fi de la prière.
Joue donc les Don Juan, fais-les vibrer « Nounours »
Mets à part Pénélope et embrasse les tous.

Qu’il dise sans sourire : « Je suis un voyou »
Quelle image traîtresse et lui même il avoue :
«Je m’ suis fait tout p’tit pour un coin d’ parapluie
Le temps passé à l’ombre du cœur de ma mie
Il m’a paru bien doux et au bois de mon cœur
A grandi l’amandier tel une jolie fleur »
En moutons de Panurge on fut plus d’un million
A vouloir découvrir la chasse aux papillons
Ou les sabots d’Hélène ô combien érotiques,
A rêver de Fernande au pouvoir « élastique »

Bien qu’aimant effeuiller souvent la marguerite
C’est « les copains d’abord » son idée favorite.
Quatre-vingt-quinz’ pour cent d’amitié dans son cœur
Qui ressemble à l’amour vraiment comme une sœur.
Il aime autant, et sans concurrenc’ déloyale,
La cane de Jeann’, ses chats, le petit cheval,
Que son tonton Nestor, le vieux Léon, l’ancêtre,
Les quatre bacheliers, grand-père de Bicêtre
Et le pauvre Martin, sale petit bonhomme,
Qui hantent ses chansons en aimables fantômes.

J’aime à l’imaginer au bistrot La Marine
Ironisant parfois sur une Bécassine,
Admirant les passantes alors que Marinette
La serveuse, entassait, épaves, les canettes.
Il devait écouter la ronde des jurons
D’ivrognes égarés, patriotes, ex-troufions
D’ la guerr’ 14-18, l’avant-dernier « Grand Pan »,
Buvant pour oublier les funéraill’ d’antan.
Quand les pensées des morts se diluent dans le vin,
Mourir pour des idées comme ça semble vain !

Comme il faut d’indulgence et de chaleur au cœur
Pour écrire Les Stances à un cambrioleur,
L’élégie à un rat de cave ou La tondue,
Et Celui qui a mal tourné, bien entendu.
N’oublions pas La complainte des fill’ de joie
Ça, putain non, sauf le respect que je vous dois.
Bien qu’étant mécréant, on peut aimer en homme
La pas très religieus’ Légende de la nonne
Et vouloir célébrer la messe du pendu
Sans se soucier si le bon Dieu l’avait voulu.

Dans l’œuvre de Brassens, il n’y a rien à jeter.
Sonnez, sonnez, trompettes de la renommée
Son testament sera, défi au temps qui passe,
Art parmi les quat’z’arts, dans les livres de classe
Et La ballade des dames du temps jadis
Ou le Gastibelza, que l’on croirait ses fils,
C’est auprès de mon arbre un bouquet de lilas,
C’est l’anneau de Saturne à l’éternel éclat.
Il a, tout en faisant le père Hugo cocu,
- Le bel assassinat – mis la musique en plus.

Quatre-vingt-un : l’automne en affreux fossoyeur
Dépêche la camarde à ce pauvre pêcheur.
Le mot « fin » au dernier bulletin de santé,
S’il ne crée la tempête dans un bénitier,
Fait pleurer les deux oncles et la femme d’Hector,
Une foule d’amis, d’inconnus de tout bord.
Et on a vu les amoureux des bancs publics,
Cessant de s’embrasser, fredonner La supplique
Oui, pour être enterré à la plage de Sète ;
Merveilleux testament, pied de nez de poète.

Parfois la mort d’un seul nous semble une hécatombe.
Mais ce trompe-la-mort ne gît pas dans sa tombe :
La faucheuse s’est vue dedans son sarcophage
Recevoir une non-demande en mariage.
Car le petit joueur de flûteau d’un ton doux
Lui a dit : « C’est sûr, j’ai rendez-vous avec vous ;
C’est mes amours d’antan que je visite au ciel
Et malgré vos yeux doux je rejoindrai ma belle.
Point de lèche-cocu, d’histoire de faussaire,
Ou gare à la fessée, suaire ou pas suaire.
la
On ne f'ra pas la ballade des cimetières
Il n’aurait pas aimé, trop modeste, trop fier,
Qu’on lui fît les obsèques d’un roi, d’une reine
Mais d’aussi simples que l’enterr’ment de Verlaine,
Et qu’un bon mois après le vingte-deux septembre,
Il retrouve là-haut, si chers à son cœur tendre,
Et le père Noël et la petite fille,
Que le nombril des anges ait l’aspect du nombril
Des femmes d’agent, et qu’il ait aux cieux la cote
Tout comme dans la princesse et le croque-notes

Echo logique

2011-11-21T10:31:00.002+01:00

En adoptant des airs d'EPR la pudeur, François Hollande a versé la goutte de plutonium qui a fait déborder les Verts. Pas besoin d'être sorti de Centrale (nucléaire) pour craindre qu'il ne joue à qui EPR gagne. Mais de qui se mox-t-on ? C'est pas Joly, Joly tout ça...

T'Choupi fait son spectacle

2011-11-21T10:22:00.004+01:00

Casino de Paris
16, rue de Clichy
75009 Paris
Tel : 08 926 98 926
Métro : Trinité

D’après le personnage créé par Thierry Courtin
Mise en scène de Caroline Duffau et Stéphan Guérin-Tillie
Textes de Jean-François Bordier
Chorégraphie de Gladys Gambie

L’histoire : T’Choupi a 3 ans et la curiosité qui va avec. Les enfants aiment partager avec lui les situations de la vie quotidienne qu’il traverse toujours avec douceur, malice et espièglerie, accompagné de son inséparable nounours Doudou… Aujourd’hui, c’est l’anniversaire de maman et T’Choupi propose de lui faire une grande surprise : un vrai spectacle musical où il propose aux enfants de participer à sa création en direct avec lui…

Mon avis : Très joli spectacle pour enfants. Disons, jusqu’à 10 ans… Nous sommes dans le salon de la famille de T’Choupi ; un salon flashy à dominantes rouge et jaune, bizarrement surplombé d’un énorme soleil. T’Choupi et ses amis Lalou, la fille, et Pilou le garçon jouent, chantent, dansent et se chamaillent gentiment sous le regard complice de Doudou, le nounours… Apparaissent alors les parents. Maman doit s’absenter pour la journée. Elle confie la garde des enfants au papa. A peine est-elle sortie que le papa, incidemment, rappelle à T’Choupi que c’est aujourd’hui l’anniversaire de sa mère… Panique à bord. T’Choupi n’a rien prévu pour fêter l’événement. Alors, avec ses deux camarades, il va essayer de préparer à sa maman un accueil inoubliable lorsqu’elle rentrera à la maison…

Ce qui est bien avec ce spectacle empli de tendresse et de bons sentiments, c’est qu’il n’est pas bêtifiant. Les chansons, très entraînantes, sont fort bien écrites. Leurs paroles sont amusantes et absolument pas gnangnan. Quant aux chorégraphies, elles sont elles aussi plutôt réussies, avec une mention particulière pour la personne qui est cachée dans la panoplie de Pilou qui se révèle être un très bon danseur. T’Choupi fait son spectacle est un divertissement plaisant, idéalement formaté pour les enfants. La mise en scène est pleine de malice. J’ai trouvé entre autres très beau le tableau des fleurs. C’est tonique, fluide, rythmé et très, très coloré. On a l’impression de se retrouver au beau milieu d’un livre d’images animé.
Une seule chose est un peu désagréable dans ce type de spectacle, c’est le nombre incalculable de portables et de caméras qui s’allument sans cesse pour photographier ou filmer telle ou telle scène. C’est vraiment agaçant. Bien sûr, je comprends que les parents aient envie d’immortaliser ce moment partagé avec leurs chères têtes blondes et autres. Mais j’avoue que c’est parfois pénible. Le pire, c’est que c’est en train de se systématiser…
Voilà, c’est dit… Maintenant, je ne peux que vous recommander ce spectacle pour vos petits. Même en tant qu’adulte, on ne peut que le trouver absolument charmant. Il n’y a donc aucune restriction.

Sunderland

2011-11-18T17:46:00.004+01:00

Petit Théâtre de Paris
15, rue Blanche
75009 Paris
Tel : 01 42 80 01 81
Métro : Trinité / Blanche / Saint-Lazare

Une pièce de Clément Koch
Mise en scène par Stéphane Hillel
Avec Elodie Navarre (Sally), Constance Dollé (Ruby), Léopoldine Serre (Jill), Vincent Deniard (Gaven), Vincent Németh (Paul), Thierry Desroses (Gordon), Bénédicte Dessombz (Mary Malwn), Pascale Mariani (Miss Gallagher)

L’histoire : Au nord de l’Angleterre, la pluie, la grippe aviaire, et les défaites de l’équipe de foot locale n’ont pas eu raison de la volonté de vivre de Sally. Pourtant, si dans quelques jours, elle ne trouve pas un travail, elle risque de perdre la garde de sa petite sœur, que certains seraient tentés de surnommer « la toquée ».
Alors, pour ne pas la renvoyer au Centre, elle est prête à tout, y compris à devenir une mère de passage et louer son utérus. Et c’est armée de sa meilleure amie, à l’esprit aussi vif que le flashy du vernis de ses ongles, qu’elle s’apprête à recevoir ce couple, certes peu conventionnel, qui peut changer sa vie…

Mon avis : Le Petit Théâtre de Paris a encore frappé ! Décidément, ils ont le chic pour programmer des pièces qui savent autant nous distraire que nous émouvoir et nous donner à réfléchir… Lorsqu’on se rencontre, entres critiques et/ou passionnés de théâtre, on se refile des tuyaux sur les spectacles à voir ou à éviter. La rentrée 2011/2012 a été tellement riche qu’on est bien obligé de faire des choix. Personnellement, j’avais dû faire l’impasse sur Sunderland, pièce à l’affiche depuis le 15 septembre. Mais quelques collègues et ami(e)s m’en ont dit tant de bien, certains allant même à assurer que c’était là LA pièce à voir, qu’au premier créneau de libre, j’ai sauté sur l’occasion. En arrivant rue Blanche, je suis tombé sur mon camarade Jean-Philippe Viaud, chroniqueur éminent et avisé à Télématin sur France 2, qui m’apprend qu’il vient voir cette pièce pour la deuxième fois ! C’est dire… La salle du Petit Théâtre de Paris était comble. Elle bruissait de cette ambiance engendrée spécifiquement par des spectateurs heureux de se trouver là. Patrice Leconte était discrètement installé au quatrième rang.

L’absence de rideau nous laissait le temps d’étudier le décor, une grande cuisine. Ce n’est pas le luxe, mais ce n’est pas non plus la misère. Côté cour, un large escalier mène aux chambres… La toute première scène, inattendue, déconcertante, crée presque une forme de malaise. Malaise vite dissipé par l’apparition de Ruby en haut des marches. En bas, face à un téléviseur allumé, se trouve Jill, une ado de 16 ans, qui parle toute seule en se balançant avec ce mouvement si particulier qu'adoptent les autistes. Puis on fait connaissance avec Gaven, géant débonnaire et serviable, qui doit vraisemblablement dormir avec le maillot rouge et blanc de son équipe de foot fétiche, celle bien sûr de Sunderland… D’ailleurs, dans cette ville portuaire du nord-est de l’Angleterre touchée par le chômage, tout gravite autour du foot. Les femmes elles-mêmes sont bien obligées de s’y intéresser. Mais si le ballon tourne plus ou moins rond, il n’en est pas de même pour Jill, sujette à des crises d’une violence inouïe dès qu’elle est contrariée ou de tétanie dès qu’elle est angoissée. Seule sa grande sœur, qui en a la garde, sait la calmer.
Cette grande sœur, c’est Sally. Elle est l’âme de la maison. Elle vient de perdre son emploi suite à l’épidémie de grippe aviaire qui a décimé tous les volatiles de l’usine pour laquelle elle travaillait. Il lui faut donc de toute urgence trouver de nouvelles ressources pour espérer continuer à garder Jill auprès d’elle. Le Centre d’éducation spécialisée d’où elle avait réussi à l’extraire, menace en effet de la reprendre à tout moment.
L’ambiance est tendue. Pas facile de trouver du boulot et de l’argent. Or, il y a cette foutue petite annonce qui lui tombe par hasard sous les yeux. En y répondant, ses problèmes seraient résolus. Seulement, personne autour d’elle n’est d’accord. Gaven le premier, qui est éperdument amoureux de celle qui fut sacrée « Miss Sunderland » à 17 ans. Quant à Ruby, que Sally a recueillie chez elle lorsque ses parents l’ont jetée dehors, elle voit d’un mauvais œil son amie se mettre une telle responsabilité sur le dos. Mais pour Jill, Sally est prête à tous les sacrifices...

Je m’interdis d’en dire plus. Cette pièce, il faut la vivre minute par minute. Elle est dure et drôle à la fois, jamais oppressante. Cela en grande partie grâce à des dialogues particulièrement aiguisés, grâce à la personnalité totalement extravertie de Ruby, fille délurée, au franc-parler redoutable, qui émaille ses propos de saillies tout-à-fait percutantes et assassines, grâce au jeu émouvant de Jill, grâce à la présence physiquement impressionnante de Gaven, brave type un peu frustre mais tellement plein de bonne volonté et, bien sûr grâce à Sally. Sally est une femme à la fois forte et fragile, c’est un cœur débordant d’altruisme et de générosité. Elle a les pieds sur terre. C’est une louve qui ne veut pas que l’on approche de sa petite…
Vous l’aurez compris, Sunderland est une pièce qui a la grâce, une belle histoire d’amour et d’amitié. Elle est portée par deux formidables personnages de femmes. Ce sont des gens simples, profondément humains et dotés d’un grand sens du partage. On y rit beaucoup alors qu’ils vivent un drame…

Autour des admirables Elodie Navarre et Constance Dollé, chacun joue sa partition avec une justesse et un talent épatants. Dans le rôle de Jill, la jeune Léopoldine Serre est touchante. Avec sa bonne bouille à fossettes, on a envie de la prendre dans ses bras et de la protéger… Geste que l’on n’oserait pas imaginer avec Vincent Deniard, montagne humaine qualifiée par les filles de « hooligan non violent ». C’est un gros nounours empêtré dans ses bons sentiments et qui ne sait comment exprimer sa passion amoureuse pour Sally. Il y a aussi Thierry Desroses et Vincent Németh, aux rôles si importants. Ils nous offrent chacun une composition savoureuse, drôle et émouvante… Pascale Mariani, qui joue l’assistance sociale envoyée par le Centre pour décider de la reprise ou non de Jill, est parfaite. Ni trop sensible, ni trop malveillante, elle n’a évidemment pas le rôle le plus positif de la pièce. Mais elle le tient fort bien… Et puis il y a Bénédicte Dessombz dont la présence amène une sorte de plus-value psychologique. Mais je ne veux pas entrer dans les détails sauf souligner qu’elle a un rôle essentiel et qu’elle le tient avec beaucoup d’allure et de vitalité.

Grande leçon de tolérance, Sunderland est vraiment une très, très belle pièce qui ne vous laissera pas insensibles. On en sort remué, les larmes aux yeux et, en même temps… avec un sourire grand comme ça. Quand je vous parlais l’autre jour de la loi des séries. Décidément, la magie du théâtre a l’heur de nous emporter parfois très haut. De telles pièces font du bien au cœur et à l’âme.

Geluck enfonce le clou

2011-11-16T18:27:00.006+01:00

Editions Casterman
(Sorti le 26 octobre 2011)
18 €

Mon avis : Sous-titré « Textes et dessins inadmissibles », ce nouvel ouvrage de Philippe Geluck est au Chat ce qu’Idées Noires est à Gaston Lagaffe pour Franquin. Le temps de noircir et de colorier 140 pages, il abandonne ses chatteries et c’est lui qui sort ses griffes. Quoi que tenir un marteau avec des griffes ne soit pas un exercice des plus aisés. Mais il ne craint pas de se faire mal aux coussinets. Il y a belle lurette que les siens sont garnis de cals.

35 chroniques, 65 dessins, Geluck enfonce le clou ne souffre d’aucune complaisance. Piétiné le politiquement correct. Violentée la diplomatie. Conchié l’angélisme. Quel délice que de planter ses pointes dans une langue… de bois ! Ah ça, il ne faut pas se laisser prendre le doigt entre le marteau de son impertinence et l’enclume de sa causticité. C’est qu’il tape dur le bougre ! Comme il l’écrit lui-même en exergue de son livre il n’y va pas « avec le dos de la petite cuiller »…

Geluck montre ici une autre facette de son expression. Il écrit noir sur blanc ce que d’aucuns pensent parfois tout bas. Il va au-delà de toute bienséance. C’est âpre, dérangeant, virulent, corrosif, mais jamais oppressant. Car il met de l’humour dans tout. Ames sensibles et conventionnelles s’abstenir. Aucun sujet n’est tabou à sa vindicte. Y compris les plus « intouchables ». dans ce livre, il s’insurge, s’indigne et vitupère sur des thèmes aussi variés, intimes ou universels que les enfants des autres, la peine de mort, les journalistes, Dieu, la nostalgie, les motards, l’horoscope, les super héros, la mort, la société de consommation, le racisme, le corporatisme, les fêtes à date fixe, le prison, la publicité, le Père Noël, la mondialisation, la vieillesse… Et j’en passe. Il n’a pas peur en outre de se mettre en scène, de prendre ses patins et de se moquer de lui. C’est l’autodérision du plus fort… Ce livre est une bonne purge, un véritable lavement qui chasse les miasmes de la pensée unique. Comme ça a dû lui faire du bien de se libérer ainsi ! Il faut que certaines choses soient dites. Après, on peut être ou ne pas être d’accord. C’est selon. En tout cas, il y a un élément qui ne peut que faire l’unanimité : c’est vachement bien écrit (« vachement » étant utilisé ici à bon escient). C’est iconoclaste, perfide, osé, et c’est toujours drôle, à condition d'être friand de second degré.
Je suis convaincu que, dans certains cas, il ne pense absolument pas ce qu’il écrit. C’est son côté provocateur et sale gosse qui reprend le dessus. En revanche, je suis tout autant persuadé, pour partager avec lui quelques énervements, qu’il est totalement sincère dans la majorité de ses emportements.
Geluck enfonce le clou, c’est pas du chat-malow. L’artiste va dans le dur avec un crayon noir, bien noir. Et le résultat est parfaitement réjouissant…

Sketch Collection (l'Atelier de Pierre Palmade)

2011-11-16T16:59:00.005+01:00

Gaîté Montparnasse
26, rue de la Gaîté
75014 Paris
Tel : 01 43 22 16 18
Métro : Gaîté / Edgar Quinet
Le dimanche à 18 h. Le lundi à 20 h 30

L’intention : C’est un peu dans l’esprit du Petit Théâtre de Philippe Bouvard que Pierre Palmade a créé il y a deux ans maintenant, un Atelier permettant à plusieurs comédiens et comédiennes, choisis sur audition, de se rencontrer, d’écrire et de jouer ensemble leurs propres sketchs. Il s’agit donc de jeunes « pousses » qui illustrent avec beaucoup de finesse et de justesse des saynètes de la vie quotidienne.
Nulle comparaison ici avec des comiques de one man show car Pierre Palmade tient justement à proposer une alternative à cette forme de théâtre, avec plus de liberté, afin de s’éloigner de certaines conventions réductrices du divertissement.
Après avoir passé, avec succès, le cap du Festival d’Avignon cet été, ils se produisent actuellement sur une scène au nom qui leur va comme un gant : la Gaîté Montparnasse.

Mon avis : Depuis son sketch Le Colonel, on sait que Pierre Palmade est un homme de troupe. Tout doucement, il a évolué des spectacles en solo pour partager le plaisir de la scène. D’abord avec Dominique Lavanant, puis avec Michèle Laroque et Pierre Richard, avant de se frotter carrément à l’expérience théâtrale avec Si c’était à refaire, Le Comique et L’Amour sur un plateau. Pierre n’est jamais aussi heureux que lorsqu’il partage (c’est d’ailleurs également le cas avec le divertissement télévisé Le Grand Restaurant). Au fil du temps, il s’’est constitué une famille, famille composée à la fois d’artistes de renom et d’inconnus. Ce sont ces derniers qu’il a voulu mettre en avant avec ce spectacle baptisé Sketch Collection qui est, en quelque sorte le tableau d’honneur de l’Atelier qu’il dirige désormais depuis deux ans avec autant de bonhommie que de rigueur.

Ce qui est présenté à la Gaîté Montparnasse le dimanche et le lundi est donc le florilège de ce travail collectif. On y privilégie l’écriture et le jeu choral. Chaque sketch présenté est à lui seul une petite pièce. Tout au long de la soirée, on va de surprise en surprise, de bonheur en bonheur. Pierre Palmade ne s’y est pas trompé. En présentant ainsi la quintessence des saynètes écrites et interprétées par sa troupe, il nous propose tout un éventail d’univers, toute une variété de formes d’humour. C’est vraiment un spectacle complet et très varié. C’est sympa de ne pas le garder pour lui et d’en faire profiter au public. Comme il n’a conservé que le meilleur, on a vraiment droit à du haut de gamme.

Lundi soir, j’ai vu défiler quinze comédiens sur scène pour dix-sept sketchs. Le plus souvent, ils se produisent en duo, mais il leur arrive aussi à jouer à trois ou à quatre. Pour le dernier sketch, véritable bouquet final de feu d’artifice, ils sont carrément tous les quinze (entre parenthèses, ce délire burlesque et farfelu qui a pour cadre le bureau Ovale de la Maison Blanche m’a fait mourir de rire. C’est un peu Le Docteur Folamour à la sauce Blake Edwards). Il y a certes quelques comédiens qui ont déjà une formidable dimension comique, mais ce serait aller à l’encontre du postulat de ce spectacle que de les mettre plus en évidence que d'autres. D’autant que personne ne tire la couverture à soi, chacun œuvrant pour le collectif… J’ai manqué certaines répliques parce qu’elles étaient couvertes par les rires, entre autre par celui particulièrement tonitruant du spectateur placé derrière moi, Raphaël Mezrahi. Comme je vous l’ai dit il y a tous les styles d’humour sauf le pipi-caca, le trash ou le vulgaire. Il y a, à l’image de Pierre, un vrai parti-pris d’élégance et de finesse.

Il m’avait été donné d’assister il y a plus d’un an à une soirée spéciale « Atelier Pierre Palmade » à la Grande Comédie, là où, je crois, Pierre fait travailler ses jeunes protégé(e)s et, alors que c’était déjà très bien, j’ai pu mesurer les énormes progrès accomplis tant ils tendent aujourd’hui vers l’excellence.
Les dimanches après-midi d’hiver sont souvent gris et moroses, les lundis soirs, il y a relâche presque partout, Castle, Camping Paradis ou Doc Martin à la télé, vous n’avez donc aucune excuse censée pour ne pas aller vous offrir une roborative pinte de rire(s) du côté de la Gaîté Montparnasse. Vous ne le regretterez assurément pas.

Cendrillon

2011-11-15T13:19:00.004+01:00

Théâtre Mogador
25, rue de Mogador
75009 Paris
Tel : 0820 88 87 86
Métro : Trinité / Saint-Lazare / Auber

Spectacle écrit par Gérald Sibleyras et Etienne de Balasy
Mis en scène par Agnès Boury
Avec Aurore Delplace, Stéphane Neville, Anjaya, Marie Facundo, Isabel Emilia Cramaro, Thomas Maurion, Caroline Roëlandss…

Mon avis : Quelle belle et bonne surprise que ce spectacle ! Je m’y suis rendu sans grand enthousiasme pour accompagner ma petite voisine âgée de 4 ans. Je faisais ma B.A., quoi. Dans le public fleurissaient les gamines en panoplies de princesses ou en robes roses. C’était charmant…

Cendrillon, tout le monde connaît l’histoire. Restait à voir comment elle allait être traitée. Et bien chapeau aux auteurs et à la mise en scène ! Ce spectacle musical, loin d’être mièvre, est certes destiné aux enfants, mais on peut y prendre du plaisir quel que ce soit son âge. Ça m’a vraiment beaucoup, beaucoup plu. Jolis décors tournants, magnifiques costumes, rien à dire au niveau de l’esthétique. C’est de la belle ouvrage. Déjà, le premier tableau nous révèle le parti pris qualitatif de la production. Il s’agit d’une danse celtique façon « Lords of the Dance » où le rideau, à demi-levé, ne laisse apparaître que les gambettes des danseurs. C’est du meilleur effet. J’avais déjà vu une scène similaire au Crazy Horse, mais c’était plus langoureux et ça ne s’adressait pas au même public…
Passé ce préambule, place à l’histoire et à ses héros.
Cendrillon est absolument ravissante. Elle possède la fraîcheur blonde et le sourire étincelant d’Olivia Newton-John dans Grease. On ne peut donc que l’aimer. Et tous les autres personnages sont au diapason. C’est-à-dire parfaits… Je me demandais surtout sous quelle forme apparaîtraient les fameuses souris amies de Cendrillon. Une ingénieuse idée les a métamorphosées en domestiques (3 femmes, 3 hommes) revêtus d’une livrée couleur souris grise. Ces six danseurs se livrent à des chorégraphies pleines d’entrain (j’ai beaucoup aimé la séance de jonglerie avec les paquets cadeaux) et composent même des tableaux à la fois drôles et poétiques (je pense plus particulièrement à l’inventivité de celui qui a pour cadre la savane). Autre astuce efficace de la part des auteurs, la création d’un nouveau personnage, Tonino, un jeune orphelin aimant et facétieux élevé avec Cendrillon qui va se révéler comme un indispensable complice et apporter une note de fantaisie lorsqu’il s’agira de dédramatiser quelques scènes.
Quoi d’autre encore ? Une fort jolie scène toute en ombres chinoises ; une projection en dessin animé pour amener de maline façon la scène du carrosse ; une truculente scène de bal dans laquelle les impétrantes ne reculent pas devant le ridicule pour se faire repérer par le Prince… C’est vraiment fort bien trouvé. Et puis il y a l’apparition de Cendrillon dans la salle de bal, un moment très attendu qui provoque spontanément un flot de murmures admiratifs.

Ceci nous amène plus directement aux comédiens et comédiennes qui endossent les rôles principaux. Celui qui tient le double rôle du père de Cendrillon et du chambellan est d’abord touchant d’émotion avant de se muer en un personnage haut en couleurs, maniaque et maniéré. Rachel, la gouvernante de Cendrillon, est l’âme de la maison. Elle est pleine de tendresse et de bonté. La marâtre et ses deux pestes de filles sont détestables à souhait même si les deux péronnelles sont bien plus bêtes que méchantes. Leurs chamailleries et pitreries incessantes ont pour effet d’amuser les enfants plus que de les inquiéter. Seule la mère s’en tient à composer un être totalement mauvais… Le prince charmant est… charmant. Il possède une voix chaude à faire fondre toutes les gamines romantiques et les midinettes.

Cendrillon est donc un spectacle musical très beau et très réussi auquel on peut sans problème assister en famille. N’hésitez pas, vous ne serez pas déçus.

Gaspard Proust tapine Salle Gaveau

2011-11-15T11:21:00.005+01:00

Salle Gaveau
45-47, rue de La Boétie
75008 Paris
Tel : 01 49 53 05 07
Métro : Miromesnil

One man show écrit par Gaspard Proust

Mon avis : Comme à chacun de ses spectacles – c’est la troisième fois que je vais le voir – Gaspard Proust effectue la même entrée en scène. Il arrive nonchalamment du fond de la salle, tel un touriste, se hisse sur le plateau, dépose sa parka sur le fauteuil qui représente le seul élément du décor et se tourne enfin vers le public. Par rapport à ses précédents spectacles, la phrase d’intro est nouvelle : « Allez… Au tapin ! » marmonne-t-il pour se donner un semblant de cœur à l’ouvrage. Tout Gaspard Proust est dans cette posture. Son nouveau one man show est en effet baptisé « Gaspard Proust tapine Salle Gaveau ». Aurait-il la sensation de se prostituer ? Il voudrait le faire croire, mais de la péripatéticienne, il ne peut revendiquer que l’aspect « langue de pute », car il balance le bougre. Et pas qu’un peu !
Son introduction est très hard. Il n’y a pas de round d’observation. Il y va direct. Son personnage est désormais bien rôdé. Affichant le désabusement affecté de l’aquaboniste de Jacques Dutronc, il se montre aussi cynique qu’arrogant et ne dédaigne pas aiguillonner ses propos d’une pointe de cynisme. Sa façon de faire est très simple : il agit comme quelqu’un qui penserait tout haut et sortirait tout ce qui lui passe par la tête. Parfaitement impassible, il énonce ses sarcasmes comme autant de bulles de BD assassines. Cet homme n’épargne rien, il tire tous azimuts. Personne n’échappe à ses commentaires perfides et insidieux, les classes sociales comme les classes d’âge. Allègrement, sans complaisance aucune, il piétine toutes les valeurs et les idées reçues. Ames sensibles et esprits conformistes s’abstenir. Ce Gaspard est un rat dégoût, un plaisir d’odieux. Quand on va le voir, on sait très précisément à quoi s’attendre. Depuis quelques mois, le bouche à oreille a fait son oeuvre. Il faut aimer être choqué. Cet individu repousse les limites des frontières de la bienséance jusqu’à un no man’s land ou aucun humoriste n’a osé s’aventurer avant lui. C’est d’autant plus imparable qu’il est brillant. Il possède un vocabulaire riche, précis et imagé. Et sa plume, trempée dans le vitriol, est d’une qualité rare. La plupart de ses insanités sont étourdissantes. Le pire, c’est que, dans la majorité des cas, ce qu’il évoque, ce ne sont que des évidences. Il faut de grâce cesser de l’affubler de comparaisons avec d’autres artistes dont les plus fréquemment cités sont Desproges et Guillon. Non, lui il fait du Proust. Point ! Si Coluche s’interrogeait sur ce qui pouvait être « plus blanc que blanc », lui il s’ingénie à inventorier ce qui serait plus noir que noir.
Sans parti pris, il s’en prend aux hommes politiques de droite comme de gauche, il ironise sur les trois religions monothéistes et sur le bouddhisme, et se complaît à terminer son show « en beauté » avec un chapitre annoncé sur les femmes. On voit parfaitement qu’il jouit intérieurement à jouer ainsi les misogynes. En plus, il a l’outrecuidance d’affirmer sans frémir : « Moi, ce qui va me tuer, c’est mon romantisme »... Il y a franchement de quoi s’esclaffer et de s’ébaubir devant tant de mauvaise foi.

Gaspard Proust, on aime ou on n’aime pas. Il ne peut y avoir de milieu. Soit on adhère et on accepte en se délectant d’en prendre plein les trompes d’Eustache avec ses rodomontades et ses inconvenances. Soit on s’effarouche, on s’indigne, on s’insurge et on reste chez soi ou on va voir Mamma Mia !... A ce propos, je me demande ce qui a pu amener Guy Bedos à quitter la salle à la moitié du spectacle… Etonnant, non ?

Gaspard Proust sera de retour Salle Gaveau du 13 au 17 décembre.

Les ToiZéMoi fêtent leur divorce

2011-11-11T13:06:00.004+01:00

Théâtre des Variétés
7, boulevard Montmartre
75002 Paris
Tel : 01 42 33 09 92
Métro : Grands Boulevards

One-couple show écrit par Marie Blanche et Alain Chapuis
Mise en scène de Jacques Décombe
Musique d’Alexandre Sabbah
Avec Marie Blanche et Alain Chapuis

Le sujet : Camille et Simon ont la joie de vous faire part de leur divorce. Ce soir, ils donnent une réception avec traiteur, orchestre et confettis pour célébrer… leur séparation ! Leurs parents, leurs amis sont là pour immortaliser ce grand jour… A travers l’histoire de Camille et Simon touchés par la « septénite », la fameuse crise des sept ans, Marie et Alain nous font vivre les petites lâchetés et les gros malentendus des couples modernes.

Mon avis : Quelle incongruité que ces deux là, Marie Blanche et Alain Chapuis, alias les ToiZéMoi, ne soient pas plus connus du grand public. Je les avais découverts en 2004 au Théâtre de Dix Heures, revus dans leur deuxième spectacle, Noces de Plomb et, à chaque fois, je me suis vraiment régalé devant leur inventivité, leur fantaisie, leur joie de vivre et, il faut le dire, leur talent de comédiens protéiformes. Pour moi, leur duo est du niveau de celui créé naguère par Pierre Palmade et Michèle Laroque, mais en moins vachard et cynique.
Certains pisse-froid vont encore me reprocher mon enthousiasme et pourtant, il existe et il est loin d’être béat. Je ne suis pas si bon public que d’aucuns le prétendent. Est-ce de ma faute si, conséquence plutôt heureuse d’une loi des séries, j’ai vu en un mois des comédies d’une grande qualité : Les Conjoints, Mon meilleur copain, Les Bonobos, Les Bodin’s et hier soir, les ToiZéMoi. Je ne pratique pas l’angélisme. Quand je m’amuse, je le dis, je le clame. J'estime sans arrogance aucune que c'est une mission d'utilité publique. En plus, limite introverti, je ne suis pas en public un garçon des plus exubérants. Hier, j’avoue, il m’est souvent arrivé de ne plus me contrôler et de glousser de plaisir. Assez parlé de moi, je m’efface devant Marie et Alain et, surtout, devant leurs personnages…

Or donc, Camille et Simon, qui ne font rien comme tout le monde, ont décidé après sept ans de vie commune (pas si commune que cela d’ailleurs, nous le vérifierons par la suite), sept ans de « recherche de l’harmonie conjugale », de se désunir devant nous pour le meilleur et pour le rire. Alors, pour fêter l’événement, ils ont convié la famille, les amis et des proches… Fidèles à leur schéma habituel, ils vont interpréter, en plus de leurs propres rôles, une douzaine de personnages. Oui, douze, je les ai comptés. Une sacrée performance. Ces intervenants ne sont évidemment pas choisis au hasard. Ils sont tous particulièrement gratinés. Vont ainsi défiler pour notre bonheur l’aumônier qui les avait mariés, flanqué de sa complice Sœur Marie Cropette, Jean-Norbert le maître-queux un tantinet « précieux » qui officie en cuisine, Jennifer, la filleule qui, avec l’ingénuité de ses 6 ans ½ va leur déclamer un poème, Marie-Claire, l’amie psy qui va s’efforcer d’analyser leur couple, puis son collègue Jean-Luc, québécois libidineux qui ne cherche qu’à tenter sa chance, Geoffroy, le copain bobo de l’Aquagym, flanqué de son épouse, Ghislaine, d’une vulgarité telle qu’elle mériterait que l’on invente pour elle le féminin de beauf, la jeune femme qui, suite à un quiproquo, transforme un entretien d’embauche en proposition de débauche, Malika, la femme de ménage rebeu érudite mais qui prend l’accent pour ne pas créer d’embarras, Jean-Jacques, le ch’ti copain de régiment qui dispute à sa femme Carole la palme de la connerie… Sans compter que le sémillant et frétillant Jean-Norbert, de plus en plus taché et de plus en plus pompette, va faire irruption encore deux fois, ça en fait du monde !

Camille et Simon abordent cette soirée de fête en parfaite symbiose. L’harmonie qu’ils n’ont pas trouvée durant sept ans, ils vont la connaître l’espace de cette soirée. Jusque dans leurs vêtements d’ailleurs. Camille porte une robe noire à parements rouges et Simon un costume noir avec une cravate rouge. C’est classe et très joli à voir. Après s’être adressés à nous, public, comme si nous étions les invités privilégiés de leur fiesta, ils vont donc faire appel à ces fameux témoins précités. Aussitôt, la pièce va passer en mode majeur et adopter un rythme effréné. Ce sont vraiment deux super comédiens, capables des pires clowneries (n’est-ce pas Alain ?) comme des scènes d’un humour plus subtil, plus raffiné. Ils savent aussi être coquins sans être jamais vulgaires. Ce spectacle est très écrit, intelligent, émaillé de très bons jeux de mots et de grands moments de comédie (par exemple cette parodie de Rabbi Jacob à laquelle se livre Simon). Il émane surtout d’eux une formidable complicité. Ils cherchent à tout moment à se surprendre, réussissant parfois à en perdre le fil de leur texte suite à une improvisation inattendue. Sont-elles feintes ou écrites ? On ne sait pas et on ne veut pas le savoir. En tout cas, elles sont remarquablement jouées. Et, en plus, chose qui ne gâte rien, ils sont tous deux beaux à voir. Ils sont heureux de partager la scène et, c’est évident, ils nous aiment.

Ils réussissent même sous le biais de la comédie à faire passer un message qui doit donner à réfléchir à tout un chacun : dans un couple, il faut se parler ! Le manque de dialogue peut faire naître des incompréhensions rédhibitoires. Ils le découvrent eux-mêmes, devant nous, à leurs dépens. Du coup leur décision de divorce vacille dangereusement car ils se retrouvent face à un être très différent de celui ou celle dont il/elle voulait se séparer. On peut fortement subodorer que le mot « fin » ne sera pas encore écrit cette fois pour les ToiZéMoi car l’amour a ses raisons que l’érosion ignore. Et c’est tant mieux pour nous.
Sincèrement, si vous voulez passer un bon moment, partager une heure et quart de rire avec deux comédiens généreux et talentueux, précipitez-vous au petit théâtre des Variétés.

Les Bodin's "Retour au pays"

2011-11-10T11:01:00.004+01:00

Palais des Glaces
37, rue du Faubourg du Temple
75010 Paris
Tel : 01 42 02 27 17
Métro : République / Goncourt

Une comédie de Vincent Dubois et Jean-Christian Fraiscinet
Décors de Luc Boissinot
Costumes de Marylène Richard
Avec Vincent Dubois et Jean-Christian Fraiscinet

L’histoire : Maria Bodin, vieille paysanne coriace de 87 ans, perd la boule. Placée contre son gré en maison de retraite, elle décide de léguer sa ferme à son fils Christian, exilé à Paris depuis plusieurs années avec femme et enfants. Christian entrevoit l’opportunité d’un retour au pays. Mais cet héritage inattendu, n’est-il pas un cadeau empoisonné ?...

Mon avis : L’an prochain les Bodin’s fêteront leurs 18 ans d’existence. L’âge de la majorité. Mais on peut dire que depuis 4-5 ans, ils sont devenus des comédiens majeurs, présentant des spectacles et des films dont le succès va sans cesse croissant. Car, sans tambour ni trompette, la « Bodin’smania » a réellement pris forme. Maria (Vincent) et Christian (Jean-Christian) ont leur fan-club, leurs fidèles, leurs inconditionnels. Et ce n’est que justice.
Retour au pays, leur sixième spectacle, est, à mon goût, leur meilleur, le plus abouti, le plus complet. On peut bien sûr le voir sans connaître les chapitres précédents. Les deux personnages sont si bien ciblés, si parfaitement formatés qu’on n’a aucun mal à s’adapter à eux. Ce qui, à chaque fois, me sidère le plus c’est qu’on a beau savoir que c’est un homme qui se cache sous les oripeaux de Maria, on l’oublie au bout de quelques secondes tant elle est criante de vérité.

Avant même de pénétrer plus avant dans ce nouvel opus, je me dois de souligner les deux éléments qui font que ce spectacle est vraiment chouette : la qualité de l’écriture et le jeu des acteurs. Ces deux là ont vraiment le sens de la formule et de la réplique qui font mouche. Les réparties sont si nombreuses et si savoureuses qu’on aimerait en noter certaines pour les resservir dans les repas de famille. J’en ai d’ailleurs chopé quelques unes au vol, mais il y en a tellement, et de qualité : « C’est pas parce que tu ne les vois pas que t’as pas d’hémorroïdes », « C’est pas parce que j’ai un pied dans la tombe que je vais me laisser piétiner l’autre », « C’est pas parce qu’on n’a plus de dents qu’on n’a pas les crocs », « Les vieux, c’est comme les bouledogues, tant que ça bouffe pas, ça bave »… Etc, etc… Des comme ça, il y en a des dizaines. Maria, qui s’est entichée d’informatique dans sa maison de retraite, se met en tête d’expliquer à son benêt de fils ce qu’est le mot « buzz », et elle part dans une métaphore étourdissante qui provoque une salve d’applaudissements entièrement justifiée.

Donc, vous l’aurez compris, Retour au pays vaut autant pour le fond que pour la forme. La forme ? Ils l’ont les deux gaillards, et pas qu’un peu. Le spectacle va crescendo pour finir dans un véritable feu d’artifices avec une séquence burlesque digne des Marx Brothers réglée comme du papier à musique. Il est très bien construit, alternant des tableaux de durée inégale nécessaires à la trame de l’intrigue (car il y en a une), les moments de délire (les plus nombreux) et les moments d’émotion. Quant au fond, pour parodier le laboureur de la fable, ce n’est pas ce qui manque le moins. En effet, si la gaudriole ne cesse de déferler en vagues incessantes, elle s’apaise parfois pour laisser perler l’écume de la tendresse et des sentiments. Certes, c’est toujours un peu bourru, mais chez les Bodin’s, on est pudique. Les mains sont plus enclines aux torgnoles qu’aux caresses et les vacheries sortent plus naturellement que les mots doux. C’est pourquoi, lorsque ça arrive, l’émotion nous étreint d’autant plus fort. La scène du cimetière par exemple… L’avant-dernière scène, celle de l’inauguration de la ferme-auberge est pour moi la plus belle. C’est du concentré de Bodin’s. Il y a tout dedans : la roublardise de la mère, la bonhommie du fils, son désarroi… Et puis tout bascule, les masques tombent, les vérités fusent, la méchanceté s’estompe pour laisser filtrer une ébauche d’affection retenue qui ouvre une nouvelle porte…
Autre éléments qualitatif de la forme, la bande son. C’est une valeur ajoutée. Tant pour ses voix off (Ah, la scène du notaire… Quel régal !) que pour ses bruits extérieurs.

A travers ce nouveau spectacle, on s’aperçoit que les personnages ont considérablement évolué. Maria est certes toujours aussi sournoise, atrabilaire, calculatrice, papelarde, matoise, vicieuse, agressive, autoritaire, égoïste, envahissante, jalouse, mais en connaissant pendant un an la vie en maison de retraite, elle s’est ouverte au monde. Elle a appris l’anglais, l’informatique, Internet, elle s’est rapprochée de sa nièce Julie et, malgré tout et sans doute malgré elle, elle s’est un peu humanisée. Toutefois, même lorsqu’elle joue la généreuse, sa mauvaise foi chronique n’est jamais bien loin… Quant à Christian, toujours aussi intimidé voire terrorisé par sa génitrice, il commence à se montrer un peu plus finaud. Oh pas beaucoup, mais suffisamment en tout cas pour troubler son interlocutrice et la faire réfléchir. Parce qu’elle est drôlement intelligente la Maria !
Comme l’intégralité de la salle, je me suis beaucoup amusé tout au long de ce spectacle à l’humour fin et sain. On s’attache à ces deux êtres simples et si proches de nous. Comme comédiens, ils sont vraiment très forts. La moindre mimique, le moindre regard, le moindre geste, tout est peaufiné. Quand Christian est au comble de l’embarras, il a deux tics : soit il remet machinalement en place d'un geste gauche une mèche qui n’existe pas, soit il joue compulsivement avec la fermeture-éclair de son pantalon à l’improbable couleur orangée. C’est plein de subtilité et c’est pour ça qu’on y croit et que ça marche.
Bref, les Bodin’s sont aujourd’hui devenus culte.
Finalement, je n’ai que deux petits hiatus à formuler. Il y a deux scènes qui, pour moi dénotent. D’abord celle du surf, mais surtout celle du karaoké qui dérape en dance floor. On voit bien qu’ils ont voulu se faire plaisir. D’ailleurs la majeure partie du public adhère. Mais avec mon côté chiant de cartésien, je ne les ai pas trouvées crédibles et elles n’apportent rien en soi à l’histoire. Elles sont drôles à voir, mais trop décalées par rapport à l’esprit plus concentré et plus rigoureux du reste. Mais comme le reste représente 95% du spectacle, on ne va tout de même pas faire la fine bouche.

Princes et Princesses

2011-11-07T11:44:00.005+01:00

Théâtre Marigny
Carré Marigny
75008 Paris
Tel : 0 892 222 333
Métro : Champs Elysées-Clémenceau

D’après les contes de Michel Ocelot
Mise en scène de Legrand Bemba-Débert
Collaboration artistique de Marc Hollogne

Le sujet : Pour la première fois sur scène, découvrez l’adaptation scéniques des contes Princes et Princesses de Michel Ocelot.
Dans quatre merveilleux contes, au cours d’un voyage à travers le monde digne des contes des Mille et Une nuits, vous rencontrez des fées, des princes et des princesses, mais aussi des aigles et des voleurs…

Mon avis : Voici un spectacle pour enfants qui, en raison de son traitement original et particulier, ne ressemble à aucun autre. Dès les premières images, on l’impression d’entrer dans une immense BD animée. Sur un décor stylisé aux couleurs vives et chaudes, vont évoluer pendant une heure des personnages réels mais en ombres chinoises. Un effet qui amène du charme, de l’onirisme, de la poésie et de l’étrangeté.
Le premier tableau nous emmène en Afrique. Le plus beau garçon du village, berger de son état, vit une jolie histoire d’amour partagée avec une jeune femme. Il joue du djembé, et elle danse. Ils sont insouciants et heureux. Mais voilà-t-y pas qu’une fée s’entiche du « Pâris » local et se met à lui faire un gringue effréné en lui promettant monts et merveilles. Mais à chacune de ses relances, elle se prend un râteau de la part du jeune homme, sincèrement épris de sa belle. A bout d’arguments, la fée s’énerve et lui jette un sort. Puisque c’est comme ça, et bien elle va l’endormir pour cent ans. Ainsi, un siècle plus tard, sa copine ne sera plus là pour lui mettre des bâtons dans les roues ou alors elle sera si décatie que notre éphèbe, une fois réveillé, n’en voudra plus… L’amour sera-t-il plus fort que les sortilèges ?...
Parti d’Afrique, notre voyage enchanté et enchanteur fait ensuite escale au Japon pour un conte noir et drôle, réplique nippone de l’arroseur arrosé dans lequel une vieille dame prouve à un voleur qui veut la détrousser qu’elle a quand même bon dos… Ce conte va d’ailleurs servir de fil rouge pour les tableaux suivants puisque la vieille dame, tout en cheminant, va nous raconter deux autres histoires. La première a pour cadre l’Egypte et la seconde la Perse…

Chacun de ces quatre contes est porteur d’un message que les enfants n’ont aucun mal à décrypter. C’est un peu à chaque fois la lutte du bien et du mal avec happy end systématique. Mais outre la mise en avant des beaux sentiments, ce qui rend certainement ce spectacle si plaisant, c’est son esthétique, la beauté de son graphisme et ses couleurs. Petits et grands y trouvent leur compte (leur conte aussi). Ça fait parfois frémir, mais ça ne fait jamais peur et, grâce à la malicieuse vieille dame, il y a souvent une agréable pincée d’humour.
ET puis, surtout, la facture de ce spectacle est vraiment originale…

Jackpot

2011-11-06T17:22:00.006+01:00

Théâtre Mélo d’Amélie
4, rue Marie Stuart
75002 Paris
Tel : 01 40 26 11 11
Métro : Etienne Marcel / Les Halles

Une comédie de Clément Naslin et Rémi Viallet
Mise en scène par Xavier Letourneur
Avec Morgane Bontemps (Isabelle), Loïc Legendre (Eric), Clément Naslin (Alain)

L’histoire : Ils ont coché les numéros ensemble, ils ont gagné 30 millions d’euros ! Il devait valider la grille seul, mais il a oublié de le faire… Osera-t-il leur annoncer ? Surtout quand la machine à rêves s’emballe et que certains ont déjà acheté une voiture de luxe, réglé leurs comptes avec leur banquier et insulté leur patron…

Mon avis : Ce n’est pas une pièce, c’est un trampoline ! Niveau rebondissements, c’est une vraie compil’. Difficile d’en caser autant. Il y en a même encore un ultime à la dernière seconde… En tout cas, c’est une foutue prouesse de la part des deux auteurs que d’avoir réussi à développer en une heure et quart un sujet aussi mince et à nous tenir en haleine. Tout au long de cette pièce, on ne cesse de se demander ce qu’ils vont encore sortir de leur chapeau et quels avatars ils vont faire subir à leur fameux bulletin gagnant. Ce foutu bout de papier est finalement le personnage central de ce vaudeville socialo-humain.
Bien sûr que le sujet est rebattu. Mais ça fait plus d’un siècle que l’on chante des chansons d’amour et on continue à en écrire. Ici, c’est l’appât du gain… Gagner un pactole au loto, tout le monde en rêve. Et tout le monde s’imagine ce qu’il ferait avec beaucoup d’argent. Alain, Eric et Isabelle sont comme nous. Ils sont notre reflet. Est-ce que, dans leur situation, on se comporterait de plus noble façon ? Peut-être… Du moins, j’ose l’espérer. Mais comme ici nous sommes dans une comédie, on va y aller à fond. A fonds perdus même ; ou gagnés ?... On n’arrive jamais à le savoir tant ces trois énergumènes ont l’esprit tordu.

Alors que la pièce commence dans la loto-dérision, elle fonce vitesse grand V vers la loto-destruction sans passer par la case loto-censure. Tous les coups sont permis, surtout les plus bas. Ils ne sont pas jolis-jolis ces trois zigotos, mais hélas, ils nous ressemblent. On devrait s’indigner (c’est à la mode), alors qu’on rit.
J’ai beaucoup, aimé les vingt premières minutes. Les deux garçons s’en donnent à cœur joie avec énormément de finesse et de générosité. Le contraste entre eux provoque déjà un effet comique. L’irruption d’Isabelle, très attendue, est à la hauteur de nos espérances… Du moins pendant les premières minutes. Et puis, progressivement, on connaît quelques dérapages. Eric, et surtout Isabelle commencent à en faire un peu trop. On dirait une sorte d’Armelle sur-vitaminée. C’est dommage car elle jouerait un ton en dessous qu’elle n’en serait que plus crédible et, surtout, plus machiavélique, plus redoutable. Pourtant, pour avoir vu auparavant Morgane Bontemps dans deux autres pièces, je la sais capable de jouer tout-à-fait juste. Là, sincèrement, elle en fait des tonnes. Trop ! Du coup ça sonne faux. C’est dommage, car elle a un physique, une présence. C’est un personnage… C’est là mon seul gros bémol.
Loïc Legendre fait son boulot. Il est très à l’aise dans ce genre de rôle même si je l’avais préféré dans le registre plus second degré du Temps du gourdin. Là, il n’y a pas à finasser, il faut y aller plein pot… Quant à Clément Naslin, impeccable de bout en bout, il n’a fait que confirmer tout le bien que je pensais de lui depuis Un conseil très municipal. Avec sa bonne bouille et son sens précis du rythme et de la mimique, il possède une vraie nature comique. J’ai bien aimé sa façon de prendre une voix de fausset lorsqu’il profère un énorme mensonge.

Cette pièce en dents de scie oscille sans cesse entre grosses ficelles et trouvailles ingénieuses, situations exagérées et moments de grâce. Mais surtout, lorsqu’on gratte un peu, on réalise que cette comédie véhicule quelques vérités sur l’âme humaine. En effet, sous l'angle de la farce sont abordés les travers et les turpitudes que l’argent (surtout beaucoup d’argent) entraîne. L’amitié, l’amour, les valeurs de base, le respect de l’autre… tout cela est balayé par l’attrait du fric. S’y substitue la trahison, le mensonge, la vénalité, la lâcheté, le vice. Comme dans un Tex Avery, les trois personnages ont des euros dans la prunelle de leurs yeux. Ça leur fait perdre toute dignité. Cette dimension-là est loin d’être négligeable et elle apporte une plus-value à cette pièce trépidante et somme toute distrayante.

Sophie Mounicot "Consensuelle !"

2011-11-03T12:18:00.005+01:00

Théâtre du Gymnase
38, boulevard Bonne Nouvelle
75010 Paris
Tel : 01 42 46 79 79
Métro : Bonne Nouvelle

Ecrit par Gérald Sibleyras
Mis en scène par Isabelle Malin

Le thème : Sophie Mounicot est consensuelle… Ecologiste, progressiste, humaniste, généreuse, elle aime tout le monde avec une sincérité bouleversante. Le temps est enfin venu où elle va pouvoir déballer sur scène son trop-plein d’amour dans un grand spectacle œcuménique et fraternel. Son amour du prochain n’épargnera personne.

Mon avis : Trois ans après son précédent one woman show, C’est mon tour, Sophie Mounicot est de retour au théâtre du Gymnase avec un nouveau spectacle dont le titre annonce le propos sans détour : Consensuelle !...
C’est décidé, totalement assumé, elle se range du côté du plus grand nombre et se prend à vouloir aimer tout le monde. Ou presque. Car c’est plus délicat lorsqu’il s’agit des Nazis… Adepte de la pensée unique, elle chausse ses œillères et ne regarde que dans une seule direction, là où il n’y a pas de remous, de polémique, d’affrontement. Sophie (« sagesse » en grec) se fond avec détermination dans la majorité silencieuse. Son horizon, sa ligne bleue des Vosges, c’est quasiment le doux pays de Oui-Oui. La personnalité préférée des Français, c’est Yannick Noah ? Alors elle est yannickophile convaincue. Elle ne se pose pas de questions. L’écologie est à la mode ? Soit, elle sera une Ecolo Pratiquante Intégriste. Pas de problème, elle va dans le sens du vent…

Mais – car il y a un gros mais – derrière cette acceptation de façade, se cache en réalité une sacrée dose d’hypocrisie et de mauvaise foi. Sinon, il n’y aurait pas de spectacle. Et c’est presque en se tapant sur les doigts qu’elle susurre quelques vacheries, assène un certain nombre de vérités, distille force pointes assassines. Certes le ton est à la limite du fielleux. Elle dit les choses en faisant mine de ne pas les dire, se pose et nous pose des questions existentielles sur un ton quasiment jésuitique. Mounicot excelle dans ce double langage pernicieux. C’est un peu son fonds de commerce. Elle adore jouer avec la duplicité. Elle est une anti-héroïne professionnelle, une loseuse chronique. Elle dissimule son amertume d’une prétendue vie plate et monotone derrière un pseudo détachement qui ne trompe personne.
Dans « Consensuelle », il y a aussi « sensuelle ». Pourtant, elle s’ingénie à gommer tout excès de féminité. Elle se complaît à camper un personnage à la hussarde. Sauf quand elle danse, moment de grâce dans lequel elle est la séduction incarnée. C’est tout Mounicot, ça. En permanence dans la dualité. Ce n’est pas parce qu’on joue les faux-culs qu’on ne sait pas tortiller du popotin. C’est même loin d’être incompatible.

Vous l’aurez compris, ce nouveau one woman show de Sophie Mounicot n’a de consensuel que son titre. Pour elle, il doit être plus difficile à jouer que le précédent où le propos était plus direct, plus premier degré. Ici, elle nous la fait sournoise. Sans compter que, dans cette cuisine particulière, elle ne dédaigne pas utiliser des ingrédients comme l’absurde, la cruauté et l’humour noir. Elle se régale à passer du coq à l’âne (Johnny et Laeicia ?), des primaires (quelques vannes politiques) aux primates (les bonobos). Elle se livre même à plusieurs cascades hyper périlleuses, ou pour se servir un verre d’eau ou pour escalader un tabouret haut perché. Et son chapitre sur l’art et la culture est un pur moment de comédie… Sophie Mounicot est un personnage. Elle ne ressemble à aucune autre femme humoriste, et dans son registre et dans sa façon brute de décoffrage de se mouvoir sur scène. Elle ne compose pas, elle est elle-même, allant jusqu’à s’amuser de ses trous de mémoire passagers ou quand sa langue se met à savonner.

Intouchables

2011-11-01T10:34:00.006+01:00

Un film écrit et réalisé par Eric Toledano et Olivier Nakache
Avec François Cluzet (Philippe), Omar Sy (Driss), Anne Le Ny (Yvonne), Audrey Fleurot (Magalie), Alba Gaïa Bellugi (Elisa)…
Sortie le 2 novembre 2011

L’histoire : A la suite d’un accident de parapente, Philippe, riche aristocrate, engage comme aide à domicile Driss, un jeune de banlieue tout juste sorti de prison. Bref, la personne la moins adaptée pour le job. Ensemble ils vont faire cohabiter Vivaldi et Earth Wind and Fire, le verbe et la vanne, les costumes et les pantalons de survêtement… Deux univers vont se télescoper, s’apprivoiser, pour donner naissance à une amitié aussi dingue, drôle et forte qu’inattendue, une relation unique qui fera des étincelles et qui les rendra… intouchables.

Mon avis : Voici incontestablement LA comédie de l’année. Elle est d’autant plus percutante qu’elle est inspirée de faits réels.

Fidèle à mes principes, je n’avais rien lu du scénario et je ne savais pas à quoi m’attendre. Dès les premières images, inattendues, surprenantes, je me suis laissé embarquer, allant de surprise en surprise, de plaisir en plaisir, d’émotion en émotion. Intouchables est un film essentiellement humain. Dans l’absolu – et c’est ce qui en fait sa force – tout oppose Philippe et Driss. Ils sont issus de deux milieux sociaux, de deux cultures, de deux éducations diamétralement opposés. La seule chose qui les rapproche, c’est leur handicap : physique pour le premier (il est tétraplégique), social pour le second (il vient d’une cité de banlieue, il sort de prison). Le tout est de savoir comment ces deux là vont cohabiter, apprendre à se connaître, à se respecter l’un l’autre, à s’apprécier puis à s’aimer.
Le sujet est grave. Il est difficile de rire du handicap et pourtant, pas une seconde, on est dans le pathos ou dans la parodie. On est en permanence dans la chair, dans l’humain. En réunissant deux extrêmes, ce film est une formidable leçon de vie et d’optimisme. Bien sûr, il est sans doute plus « confortable » de vivre son handicap quand on est dans l’opulence. Mais comme le scénario s’est appuyé sur la réalité, on le prend tel quel, sans pinailler ou ratiociner. On n’a qu’à se laisser porter par l’évolution et par le jeu des acteurs.

Les acteurs, justement, parlons-en. Quel duo ! Il y a belle lurette que François Cluzet nous avait habitués aux performances de haut vol. Mais là, il ajoute la difficulté à la difficulté. Cet homme n’existe qu’avec sa tête. Tout le reste de son corps (ou presque) est définitivement mort. Cluzet est impressionnant de force. Il existe. Il ne survit pas, il vit. Il réussit à ce qu’on ne s’apitoie pratiquement jamais sur son état.
En face de lui, il fallait donc quelqu’un qui bouge pour deux. Cela faisait déjà deux ou trois films où Omar Sy nous avait révélé l’étendue de son registre. Cet homme là n’est pas que drôle. C’est un être plein de sensibilité et d’amour. Mais il cachait cette pudeur derrière l’humour. Pourtant, ceux qui le connaissent savaient qu’il y avait aussi un gros cœur dans cette grande carcasse. Omar va donc être pour beaucoup une révélation. C’est vrai qu’il est tout simplement formidable dans le rôle de Driss. Il est toujours juste, crédible, simple. Il n’en rajoute jamais. Il n’est pas là pour faire un effet. Il est lui-même. Dans ce film, il est solaire. En cassant les codes, en sortant des lignes, il apporte une sacrée bouffée d’oxygène à son employeur. Il lui redonne un goût à l’existence. Il lui fait découvrir et aimer l’irrévérence, il lui offre inconsciemment une nouvelle forme de liberté.

Au côté des deux principaux protagonistes de cette comédie, il faut souligner la qualité de toute la distribution jusqu’au plus petit rôle et, plus particulièrement deux femmes épatantes, Anne Le Ny et Audrey Fleurot. Cette dernière, révélation de la série de France 3, Un Village français, est en train de se tailler une place de choix dans notre univers télévisuel et cinématographique.

Ce film, parfaitement maîtrisé, est un pur bonheur. Véritable ode à la vie, il nous fait aimer son prochain ou, tout du moins, s’intéresser à lui. Ce qui n’est déjà pas si mal par les temps qui courent.
Le grand succès public, inévitable, qui l’attend en fait d’ores et déjà un des grands favoris dans la course aux Césars, et dans la catégorie Meilleur film, et dans celle des Meilleurs comédiens. Cluzet et Sy mériteraient de partager la récompense ex aequo tant ces deux Intouchables sont indissociables.

Pascal Légitimus "Alone Man Show"

2011-10-31T11:13:00.005+01:00

Le Palace
8, rue du Faubourg Montmartre
75009 Paris
Tel : 0892 68 36 22
Métro : Grands Boulevards

One man show écrit par Pascal Légitimus
Coloré par Gil Galliot, Rémy Caccia et Arnaud Gidoin
Mis en scène par Gil Galliot

Mon avis : Pascal Légitimus a attendu d’avoir pratiquement trente ans de carrière pour procéder enfin à son « comique out ». Habitué jusque là à se produire en quintette (Smaïn, Brussel, Campan, Bourdon), puis en trio (Les Inconnus) ou en duo (Mathilda May), pour la première fois, il ose se présenter sur scène tout seul. Il s’est estimé suffisamment mature pour nous parler de lui. De lui, Pascal Légitimus. De son moi intime. Pudique et discret, il fallait qu’il ressente un besoin vraiment impérieux pour avoir le courage de se mettre ainsi l’âme et le cœur à nu, d’évoquer ses origines, de révéler surtout son métissage si original. Pascal est né d’une maman arménienne et d’un papa antillais. Il est issu de deux cultures tellement différentes qu’il lui a fallu beaucoup de temps pour en maîtriser parfaitement les paramètres. Ce spectacle, il le portait en lui depuis des années, mais il était si personnel que s’offrir ainsi en pâture au public lui semblait vraiment par trop impudique. Car Pascal, excessivement réservé, s’est toujours caché derrière l’humour. On ne savait rien de lui, ou presque rien.
Il fait donc enfin sauter le couvercle. Depuis le 13 octobre, il se raconte, le cœur (croisé) sur la main, offert à tous. Pour lui, l’heure du crème a sonné. Il a atteint l’âge de la métisagesse. Il a désormais suffisamment de recul.

Le Alone Man Show de Pascal Légitimus n’est pas à proprement parler un spectacle comique. L’humour y est certes en permanence tel un fil rouge (on ne peut pas forcer sa nature), mais il se partage avec énormément d’émotion. Il part habilement du général (l’emploi des Noirs aux débuts du cinéma, le Black Power aux Etats-Unis, les Jackson Five) pour évoluer progressivement au plus particulier (ses 14 ans et sa coupe afro, ses premières auditions, le Petit Théâtre de Bouvard, les films et la musique qui ont compté pour lui…). Mais surtout, il s’attarde sur son écartèlement entre deux cultures, deux religions, deux gastronomies, deux modes de vie. Pour cela, il fait appel à une excellente astuce de mise en scène en utilisant un ameublement approprié : une chaise bicolore, une armoire blanche pour symboliser la branche maternelle, une marron pour la branche paternelle. Ce qui lui permet d’aller directement au sujet sans avoir à s’embarquer dans de longues périphrases explicatives.
Pascal est issu de deux peuples qui ont beaucoup souffert. L’esclavage pour l’un, le génocide pour l’autre. C’est là que l’humour, la distance et l’auto-dérision sont salvateurs.
Dans ce spectacle qu’il aurait pu sous-titrer « le Caucase de l’Oncle Tom », j’ai particulièrement aimé (en vrac) : les jeux de lumière, sa façon de bouger et de danser si personnelle, ses mimiques impayables (quel comédien !), son personnage de beauf sans gêne et envahissant, sa parodie remarquablement écrite de la tirade des nez de Cyrano de Bergerac et son évocation de sa tante, un personnage haut en couleurs aux aphorismes irrésistibles…

Pour Pascal, on le sent, cet Alone Man Show était un passage obligé. C’est une parenthèse nécessaire, plus pour sa vie d’homme que pour sa carrière, son côté cœur. Après, côté jardin, il va se sentir totalement libéré pour reprendre le cours de ses activités qui l’ont rendu célèbre avec, entre autre, la reformation tant espérée du trio des Inconnus. Mais au moins ce spectacle lui aura-t-il permis de rendre hommage avec beaucoup de sensibilité à ses géniteurs et de se raconter sans détours en toute authenticité. Le clown blanc nous propose son négatif à la fois drôle et émouvant. Un sacré exercice de style !

Julie Victor

2011-10-28T11:09:00.005+01:00

Théâtre de Dix Heures
36, boulevard de Clichy
75018 Paris
Tel : 01 46 06 10 17
Métro : Pigalle

One Musical Show conçu et écrit par Julie Victor et Etienne de Balasy
Mis en scène par Etienne de Balasy
Avec Jérémy Jouniaux (piano), Dominique Mabille (guitare-basse)

Mon avis : J’ai découvert un authentique phénomène… A peine les deux musiciens installés, une voix incroyable sort du fond de la salle en entonnant ce monument de la chanson qu’est Smile (musique de Charlie Chaplin, créée par Nat King Cole et reprise par plus de 40 artistes dont Judy Garland, Diana Ross, Barbra Streisand, Stevie Wonder et Michael Jackson…) Je n’avais pas encore vu Julie Victor et j’entendais Liza Minnelli. Le même timbre, la même puissance modulée et maîtrisée… Et puis elle grimpe sur la scène. Elle est revêtue d’une légère robe noire échancrée en bas, en haut et dans le dos. Visage expressif, regard pétillant, elle investit la scène comme un hussard un champ de bataille. L’émotion suscitée par son interprétation de Smile n’est pas encore retombée qu’elle s’ingénie à en rompre le charme en prenant l’accent québécois pour parodier une Céline Dion plus vraie que nature. Julie-la-Rousse annonce la couleur, ou plutôt sa palette de couleurs : son spectacle ne va pas être linéaire, il va nous faire aller de surprise en surprise, d'univers en univers. Très joueuse, coquine et sensuelle, elle taquine ses musiciens, ironise sur Susan Boyle, explique les difficultés à être une débutante dans ce métier avant de se livrer à une surprenante interprétation de jazz allemand. Agressive et martiale au début, sa prestation opère un crochet brutal vers la fête de la bière avant de se muer en tyrolienne… Julie fait absolument ce qu’elle veut avec sa voix. Et comme elle est en sus une excellente comédienne, le spectacle est total.

Le fil rouge de ce spectacle musical c’est tout simplement sa vie. De son enfance en basse Normandie à son arrivée à Paris. Elle évoque son passage au Cours Florent, ses nombreuses participations à différentes comédies musicales, opérettes et pièces de théâtre, ses expériences dans le monde la pub. Bref, elle a du métier la donzelle. Mais elle n’en fait pas tout un fromage (un camembert pour rester dans sa région d’origine). Au contraire, elle a une très réconfortante propension à se moquer d’elle-même. Sa chanson égo-maniaque et totalement narcissique en est le parfait exemple. Julie ne connaît pas des fins de « moi » difficiles. Elle s’aime et elle a bien raison. Polyglotte, elle prend tous les accents possibles et imaginables, égrène quelques savoureux aphorismes, imite Luchini. D’ailleurs, il faut souligner la qualité d’écriture de ses intermèdes.
Jusqu'à présent nous avons fait connaissance avec la Victor rieuse. Or, elle sait aussi émouvoir. Sa chanson sur l’enfance, empreinte d’une douce nostalgie est bien touchante. Elle s'y livre à un exercice pas évident qui lui permet aussi de montrer toute l’étendue de son talent vocal. Car, comme je l’ai exprimé plus haut, Julie Victor sait tout chanter. Elle passe du jazz au lyrique, du scat à l’opérette et s’autorise même une brève incursion dans le chant sacré (Ave Maria) et le baroque avec une maestria ébouriffante. Et, en plus, cerise sur le livarot, elle bouge sacrément bien. Artiste complète, elle est autant à l’aise avec son corps qu’avec sa voix. Elle est aussi crédible en clown qu’en tragédienne. Et puis, en bonne Normande, elle n’oublie jamais d’être un peu vache. En particulier à propos de certaines de ses consoeurs prétendument chanteuses.

Pendant une heure, épaulée par ses deux complices et partenaires musiciens, Julie Victor nous enchante avec un spectacle polymorphe et éclectique, drôle et émouvant et sacrément professionnel (on sent qu'il y a des heures de travail derrière tout cela. Le seul talent n'y suffit pas). Quand elle y met la touche finale après un joli hommage à son « pays » André Bourvil en interprétant La Tendresse, on ressent comme un sentiment de frustration. On aurait aimé l’entendre dans plus de chansons. Elle a un tel registre ! Personnellement, j’en aurais encore bien pris pour une demi-heure de plus…

Paul Personne "A l'Ouest"

2011-10-27T15:20:00.004+01:00

A l’Ouest

Comme les pastilles Kiss Cool, Paul Personne est un adepte du double effet. Toujours comme la fameuse pastille, il est aussi une garantie de fraîcheur.
Il y avait les pôles Nord et Sud, il nous fait découvrir le Paul Ouest en nous offrant, à trois mois et demi d’écart, un allègre aller-retour dans ces contrées où le blues-rock est roi. Une première excursion en mai nous avait d’emblée remis d’aplomb avec cette musique vivifiante dont il est notre meilleur ambassadeur.
Paul est une tierce Personne : il joue de la guitare comme un natif du Mississippi, il possède la voix chaude et rauque idoine et – élément que l’on ne souligne pas assez – il est un excellent auteur… Paul Personne est un artiste trop rare. C'est peut-être ce qui lui donne encore plus de valeur.

La face A de A l’Ouest est une belle de mai, une belle œuvre de neuf titres dont deux sont des instrumentaux. C’est varié, éclectique, tonique, énergique et, bien sûr, bluesy. J’ai particulièrement apprécié J’ai rêvé, Dancin’ et surtout Le monde est si grand pour son gimmick à la Santana, Jerky pour le message écolo qui y est finement distillé et Bonne soirée pour son harmonica et son ambiance qui sent bon la veillée au coin du feu.

La face B nous a été livrée en septembre. Même topo, dix titres dont deux instrumentaux. Elle est encore meilleure que la première copie. Elle ouvre sur le titre sans doute le plus « variétoche » de l’album, le très mélodique M.M.I. au refrain redoutablement efficace avec ses sonorités en « aille ». C’est un véritable tube, alerte et entraînant. Et la suite est à l’encan. Longue absence, la deuxième chanson est un régal de blues mélancolique aux guitares lourdes de peine. Avec ces deux titres, le ton est donné et la suite est d’un très haut niveau. Comme son nom l’indique Le bout d’ la route avance tout le temps, nous entraîne dans un rythme échevelé que rien ne semble pouvoir arrêter ; les chevaux sont lâchés… Heureusement, on récupère avec le nostalgique et languissant La roue du temps, au texte qu’il faut prendre le temps d’écouter (superbe interprétation). Puis vient le léger Sweety, doux comme un bonbon acidulé. Le climat feutré et la voix pleine de douceur en font une imparable chanson d’amour propice à l’abandon. C’est toi qui choisis est également une chanson très forte, entêtante à souhait. Elle vaut surtout pour son texte universel, tellement évident, sur le thème du choix et du destin. Elle a, par moment, des passages qui font violemment penser au père Bashung. Magnifique ! Et que dire de l’intro de J’ai essayé ? Encore un titre parfaitement réussi qui rejoint Le bout d’ la route pour son swing et son rythme incessant. Impossible de l’écouter sans bouger les pieds et de hocher la tête. J’ai pourtant essayé, mais en vain. C’est trop chouette… Quelles guitares ! La dernière chanson, Disparue, est un archétype du blues avec son ambiance plaintive, qui suinte la souffrance provoquée par la trahison de l’autre. Où es-tu partie faire un tour ? C’est le leitmotiv le plus courant du blues. Cette longue mélopée quasiment parlée avec une voix qui sort d’un cœur écorché. C'est un constat énoncé sans rancoeur et sans haine. On le sent même prêt au pardon. Ça prend aux tripes.
Quant aux deux instrumentaux qui concluent cet album, ils sont tout simplement remarquables.
Cette face B, je vous l’assure, vaut un triple A.

Les Bonobos

2011-10-20T14:07:00.005+01:00

Théâtre du Palais-Royal
38, rue de Montpensier
75001 Paris
Tel : 01 42 97 59 76
Métro : Palais-Royal

Une comédie de Laurent Baffie
Mise en scène de Laurent Baffie
Décors de Stéphanie Jarre
Avec Laurent Baffie/Alain Bouzigues (en alternance) (Ben), Marc Fayet (Alex), Caroline Anglade (Angélique), Jean-Noël Brouté (Dani), Camille Chamoux (Léa), Karine Dubernet (Julie)

Le propos : C’est l’histoire de trois potes qui se connaissent depuis l’enfance : Alex l’aveugle, Dani le sourd et benjamin le muet.
Même si nos trois personnages ressemblent beaucoup aux trois singes de la Sagesse, leur irrésistible envie de copuler les range définitivement dans la catégorie des bonobos ! Mais comment faire pour avoir une sexualité non tarifée quand on est handicapé ? La solution est simple, il suffit de ne plus être handicapé…

Mon avis : Le Baffie Bouzouk* a encore frappé ! Mine-de-rien, il est tout doucement en train de se constituer une véritable dramaturgie avec des pièces originales, décalées, insolentes et formidablement drôles. Après Sexe, magouilles et culture générale et l’inénarrable Toc toc, il revient avec une nouvelle histoire née de son esprit aussi fécond que tordu : Les Bonobos.
Laurent (Outang ?) est, on le sait, un passionné de tout ce qui touche la faune. C’est un zoophile quasiment incollable. Mais cette fois, c’est dans la symbolique qu’il est allé chercher son sujet. Tout le monde connaît cette statuette réunissant trois singes assis : le premier se cache la bouche, le deuxième les yeux et le troisième les oreilles. Ne rien dire, ne rien voir, ne rien entendre, c’est la marque de la sagesse. Gandhi, qui avait faite sienne cette maxime, ne se séparait jamais d’une petite reproduction de ces trois fameux primates.

Or donc, nous voici en présence de Ben-le-muet, Alex-l’aveugle et Dani-le-sourd. Ils se sont liés d’amitié depuis tout jeunes, quand ils fréquentaient un établissement pour handicapés. Eux, accéder à la sagesse n’est pas leur préoccupation première. Leur obsession est uniquement organique : ils veulent baiser. Bien sûr, ils peuvent assouvir leur libido quand ça leur chante, mais uniquement auprès de professionnelles dûment tarifées. Et ça commence à leur coûter bonbon à nos Bonobos. Très complices et solidaires, ils décident de tenter leur chance sur la toile en provoquant une espèce de speed dating. Mais ils sont convaincus que leur handicap va être un frein dans leur démarche de séduction. Alex a une idée qui, pour saugrenue qu’elle soit, va peut-être leur permettre de gommer leur foutu handicap le temps d’un rendez-vous. Et, ensemble, ils vont imaginer pour chacun d’eux un stratagème particulièrement ingénieux, des astuces que je vous laisse le bonheur de découvrir…
Evidemment, ce qui paraît imparable sur le papier n’a plus les mêmes applications sur le terrain. Ce qui donne lieu à des situations cocasses générant une avalanche de gags et de quiproquos.

Après le premier tableau qui est donc celui de l’exposition (on apprend qui est qui et comment chacun va devoir faire comme s’il n’avait aucun problème), vont s’enchaîner une succession de tableaux les mettant en scène avec les trois jeunes femmes qui ont répondu à leur annonce… Dès lors tout part en vrille. On pouffe toutes les vingt secondes. Certaines répliques nous échappent parce que la précédente a provoqué l’hilarité générale. Moi qui éclate rarement de rire, je me suis surpris à glousser de contentement et à essuyer une larme incontrôlable. Derrière moi, un type beaucoup plus démonstratif balançait de grands coups de pied dans mon fauteuil et tapait des mains de joie comme un enfant en s’esclaffant bruyamment. Il lui arrivait même de répéter tout haut certaines blagues qu’il trouvait encore plus savoureuses que d’autres… Tout ça pour vous dire que personne ne peut résister à cette excellente comédie, très intelligente, qui repose à la fois sur l’humour de situation et sur des dialogues pleins de spiritualité. Et, il le faut le souligner, sur un casting impeccable.

Les trois mecs comme les trois filles jouent leur partition avec une justesse qui ne les rend jamais ridicules. Car il y a beaucoup d’humanité dans cette histoire. Ce sont six personnages en quête d’amour. Et toute la tendresse de Laurent Baffie (tendresse qu’il s’acharne à essayer de dissimuler depuis des décennies) transpire de ces relations un peu bancales. Le sentiment de solitude est atténué par la volonté de faire rire, mais il est présent tout au long de la pièce. Les mecs se la jouent gloriole, les filles y mettent plus de sensibilité, mais la recherche est la même.
Baffie, Fayet, Brouté forment un très crédible trio de copains. Leur amitié est profonde, tangible. Elle leur permet de se faire des crasses inhérentes à leur handicap qui ne nous paraissent jamais déplacées. Ils sont les premiers à en rire. Là aussi réside le talent de l’auteur qui sait amuser avec des infirmités qui, a priori, ne prêtent pas le flanc à la plaisanterie. C’est même vachement sain.
Quant aux filles, elles sont franchement épatantes. Elles sont très différentes, autant physiquement que psychologiquement. Les trois sont touchantes et drôles. On ne peut pas les dissocier car chacune dans son registre et à sa manière va contribuer à nous amener au bouquet final… Il ne faut surtout pas partir avant la fin !
Les décors, signés Stéphanie Jarre, jouent, à leur façon, un rôle dans la pièce. Comme nous changeons plusieurs fois d’appartement et de lieu de rendez-vous, la décoration est très révélatrice de la personnalité de son occupant. Les petits détails abondent et il y a quelques trouvailles, particulièrement savoureuses, qui elles aussi provoquent le rire. Il faut avoir les yeux partout dans cette pièce. Et sur les personnages et sur ce qui les entoure.

Je ne me sens pas le droit d’en déflorer plus sur Les Bonobos. Le plaisir de la découverte est trop agréable. Cette pièce devrait s’installer un moment au Palais-Royal. Elle est appelée à faire un énorme succès et, paradoxalement, grâce au… bouche à oreille. On ne peut rester muet, sourd et aveugle devant une comédie de cette qualité, et la sagesse est de la recommander à tous vos amis.

• Bachi-bouzouk veut dire « mauvaise tête » en turc. Ça lui va bien au rebelle du PAF, à celui qui ne veut rentrer dans aucune case et qui, en revanche, les collectionne, les têtes de Turc…°

Harlem Swing

2011-10-19T16:16:00.005+01:00

Folies Bergère
32, rue Richer
75009 Paris
Tel : 01 44 79 98 98
Métro : Grands Boulevards

Musique de Fats Waller
Mise en scène de Richard E. Maltby Jr
Chorégraphies d’Arthur Faria

L’histoire : Harlem Swing se déroule dans un club de jazz mythique au cœur du Harlem des années 20, les Années Folles. Deux hommes et trois femmes flirtent, chantent et dansent jusqu’à l’aube sur les rythmes délirants du légendaire Fats Waller…
Ce spectacle, né à Broadway sous le titre Ain’t Misbehavin’, a remporté une quantité de récompenses dont trois Tony Awards à New York. Il a été la première comédie musicale à venir de Broadway à Paris en 1980. Il est repris aujourd’hui à Paris avec son équipe artistique originale.

Mon avis : Sous-titré « The Fats Waller Musical Show », ce spectacle rend un vibrant hommage à ce pianiste truculent, bon vivant et prolifique pianiste et compositeur de jazz. La scène nous restitue le fameux Cotton Club, salle de concert et dancing de Harlem qui connut son heure de gloire pendant la Prohibition dans les années 20…
Trois femmes plutôt bien en chair et deux hommes, dont un assez corpulent, se rencontrent dans ce club réservé aux Noirs. Ils sont tous très élégants… Ce qui se dégage de ce spectacle, c’est sa bonne humeur et sa joie de vivre, à l’image des musiques de Fats Waller, mâtinées de swing et de ragtime. Les chansons s’enchaînent les unes après les autres, en solo, en duo, en trio… Quand un ou une chante, les quatre autres font les chœurs. Les chorégraphies semblent totalement improvisées en fonction du rythme. Tap dance, shimmy, chicken scratch, charleston, lindy hop, black bottom, on revisite toutes les danses des années 20. Chacun des artistes avec son registre et sa tessiture propres fait pratiquement ce qu’il veut avec sa voix. Et toujours avec énormément d’humour et de fantaisie. Leur complicité est communicative. Au passage, on reconnaît ça et là de véritables standards qui sont aujourd'hui gravés dans la mémoire collective.
A la moitié de la première partie, un rideau s’efface et un orchestre de cinq musiciens (batterie, contrebasse, trompette, trombone, saxo) vient rejoindre le pianiste qui est là depuis le début… On assiste alors à une sorte de casting, une succession d’auditions comme la télé réalité nous a désormais habitués. Ces messieurs-dames prennent des poses, adoptent une gestuelle burlesque, esquissent des claquettes… Bref, chaque numéro, parfaitement huilé, s’inscrit dans un tableau racontant une histoire façon mini-comédie musicale.
La deuxième partie ne fait que monter en puissance et en drôlerie pour finir dans une apothéose endiablée absolument irrésistible.

Yves Jamait "Saison 4"

2011-10-17T16:07:00.004+01:00

Saison 4

Très sincèrement, il y a belle lurette qu’un album de chanson française ne m’avait pas autant enthousiasmé, et dans son entièreté. Saison 4, le quatrième opus d’Yves Jamait est un véritable enchantement. Treize titres, treize tranches de vie relatées avec une écriture riche et flamboyante. Ce garçon est un authentique poète, un peintre de la chanson. Sa plume est comme un pinceau. Elle dessine des tableaux figuratifs avec, parfois, une touche d’impressionnisme.
Saison 4 est un album plein de nostalgie, de réalisme, mais aussi d’humour et d’ironie, avec une bonne dose de recul et d’autodérision. De sa voix d’écorché vif, aux cordes érodées par les alcools forts, Jamait chante la vie, la vie dans tous ses états. Après s’être longtemps fixé à hauteur du foie, il semble enfin avoir levé les yeux du côté de son cœur. Trop de pudeur sans doute. Mais aujourd’hui (le 28 octobre précisément), Yves Jamait atteint la cinquantaine. On ne va lui balancer le couplet de « la maturité », Jamait est à jamais un grand enfant, une sorte de poulbot bourguignon qui ne grandira plus. Dans sa tête, il joue toujours au petit train, il regarde les oiseaux voler et les filles qui passent en écoutant la radio qui chante.
Treize titres, treize petits cailloux joliment travaillés et polis semés sur le chemin. Chacun d’eux a hérité de son écrin personnel avec des arrangements spécifiques, originaux et particulièrement efficaces.

Je vais vous laisser les découvrir et bien en profiter. Mais, auparavant, comme les « Marionnettes » de Christophe, je vais vous les présenter succinctement :
1/ Pauv’ Pom’
Chanson lucide et réaliste dans laquelle Jamait s’auto-flagelle avec entrain et s’amuse avec les clichés sur le temps qui passe, genre « C’était bien mieux avant ». Un titre qui swingue avec une belle véhémence. Chanson assez pessimiste où il ne fait pas de quartier à la pauv’ pom’ qu’il est : la vie est pleine de pépins, et tout finit en compote…
2/ La radio qui chante
Et la fille qui chante avec lui, c’est Zaz. Zaz, c’est sa petite soeur. Ils se sont piqués avec la même aiguille de phonographe trempée dans le jazz manouche. Quel duo, quelle énergie ! Et puis il y a une sacrément belle partie de guitare.
3/ Gare au train
Jeu de mot ferroviaire… Cette chanson très rythmée est emplie d’une poésie bucolico-nostalgique. C’est un album d’images consacré aux souvenirs d’enfance.
4/ Je t’oublie
Complainte elle aussi remarquablement imagée à l’écriture particulièrement ciselée.
5/ C’est beau les filles
Profession de foi avec, néanmoins, une vraie fixette sur la bouche et son ambivalence car la bouche peut à la fois donner des baisers et proférer des mots qui font mal.
6/ La cinquantaine
Pour Jamait, c’est l’heure du bilan. Deux fois et demi 20 ans, c’est symbolique, ça compte dans une vie d’homme. Lui, le temps qui passe lui donne envie de tisser, mais de tisser de joie le fil du temps qui court… tapissée par les arpèges d’un accordéon, l’ambiance est feutrée et douce. En tout cas, il en ressort un sacré besoin d’amour…
7/ J’ me casse
Celle-ci m’a beaucoup amusé parce qu’on y sent une onde de mauvaise foi typiquement masculine. Sur un ton primesautier et une musique ska il aborde les problèmes de la vie de couple, l’incommunicabilité et l’indifférence de l’autre. Alors, il joue au bravache avec cette superbe phrase si pleine de candeur : « Si tu me laisses tomber, j’ me casse ! ».
8/ Même sans toi
Quand je parlais dans l’introduction de tableau figuratif, en voici un charmant. Il y a de superbes images, la nature, la mer, les oiseaux, y sont omniprésents. C’est également plein d’émotion et de tendresse… Il est tout de même paradoxal que ce garçon parle autant de la mer que la côte où il a vu le jour, c’est la Côte d’Or. Il a dû « dijoncter »…
9/ Regarde-moi
La fin d’un amour. Peut-être la conclusion de J’ me casse. Il reconnaît avoir longtemps, sinon toujours, vécu à contretemps. Il nous distille toutefois une information qui pèse de tout son poids : la différence d’âge. Cette confession n’est pas sans rappeler Il suffirait de presque rien de Serge Reggiani.
10/ Arrête !
Puisqu’on est dans les comparaisons, cette chanson fait irrésistiblement penser au Jeff de Brel. Conversations d’ivrognes dans une atmosphère tzigane où les violons lèvent magistralement le coude. Là on n’est pas dans la picole buissonnière d’Un singe en hiver, on est carrément dans le pathétique, quand l’alcool devient misérable et mauvais.
11/ La dernière au bar
Chanson qui dépote et qui parle de derniers pots avec l’énergie du désespoir. Cet adieu au bar, c’est La dernière séance d’Eddy Mitchell, à part qu’on y boit pas de la menthe à l’eau. C’est un bel hommage à tous les compagnons de beuverie sur le point de perdre leur port d’attache.
12/ Rien de vous
Alors celle-là, c’est aux Passantes de Tonton Georges qu’elle m’a fait penser. Une intro guillerette et on entre de plain-pied dans le fantasme. Ce genre de fantasme que tous les mecs vivent et ont vécu : ces filles qu’on croise, qu’on suit des yeux, que l’on invite quelques minutes à un séjour dans notre esprit. C’est plein de légèreté, c’est un rêve pur et innocent qui ne fait de mal à personne.
13/ Trier des cailloux
J’enfonce le clou des comparaisons. Renaud a écrit Le Marchand de cailloux… C’est la chanson d’un papa aussi aimant que fuyant qui va essayer de tenir ses promesses auprès de sa fille. Pour Renaud, c’était Lola, pour Yves Jamait, c’est Faustine. La rivière n’a pas fini de couler et de charrier ses cailloux…

Au fait, je ne sais si je vous l’ai assez dit : je les ai aimées TOUTES, sans exception et sans réserve, les treize chansons de la Saison 4 d’Yves Jamait. Je lui tire ma casquette. Chapeau l’artiste !

De filles en aiguilles

2011-10-16T15:00:00.006+01:00

Théâtre de la Michodière
4bis, rue de la Michodière
75002 Paris
Tel : 01 47 42 95 22
Métro : Quatre-Septembre

Une pièce de Robin Hawdon
Adaptée par Stewart Vaughan et Jean-Christophe Barc
Mise en scène par Jacques Decombe
Décor de Nils Zachariasen
Avec Alexandre Brasseur (Big Mac), Delphine Depardieu (Elodie), Sébastien Almar (Cédric/Eric), Martial Courcier (Dozer), Inès Guiollot (Tania), Pascal Provost (Frédéric), René Remblier (Mick le Marteau)

L’histoire : L’argent n’a pas d’odeur et l’amour est aveugle dans cette nouvelle comédie qui nous entraîne dans les dessous, pas si chics, d’un Paris secret où l’on n’est sûr de rien ni de personne…
Quatre jeunes gens vont user de subterfuges, de trahisons et de fausses identités pour échapper à l’engrenage qu’ils ont déclenché. Une course contre la montre dans laquelle les situations les plus inattendues s’enchaînent de fil en aiguille.

Mon avis : Je n’ai pas réussi à dénicher le titre original de cette pièce écrite par Robin Hawdon. A mon avis il ne doit pas ressembler peu ou prou à celui dont on l’a affublé en français. Il est sympa ce titre, le jeu de mot est bien, mais il n’a quasiment aucun rapport avec l’intrigue de la pièce qui va se dérouler sous nos yeux. Ce n’est pas bien grave, en fait, et on n’y penserait même pas si cette comédie s’était avérée réjouissante.
Je suis plutôt bon public et je sais quel investissement et quel travail cela représente de monter une pièce. Le B.A. BA c’est tout de même d’avoir une bonne histoire. Ici, et ce n’est certainement pas la faute aux adaptateurs qui ont fait avec les moyens du bord. N’est pas Ray Cooney qui veut. Malgré toute ma bonne volonté, je n’ai jamais pu rentrer dans cette histoire poussive et fumeuse. Les comédiens se démènent, font ce qu’ils peuvent, mais quand il n’y a pas la matière ça tombe à plat. Les dialogues sont aussi simplistes que les ficelles sont grosses. C’est bourré de clichés, truffé par de gags et de jeux de mots éculés. On ne nous épargne rien, jusques à, y compris, une chorégraphie improbable. Même le rebondissement final nous donne une douloureuse sensation de déjà-vu. Bref, c’est beaucoup trop parodique pour s’intéresser aux personnages.

Pourtant il y avait de quoi faire une pièce marrante avec tous les éléments mis en place. Il y a tous les ingrédients pour faire une bonne mayonnaise, mais elle ne prend pas. Les filles sont certes piquantes, mais les fameuses aiguilles, elles, sont sacrément émoussées.
Les comédiens, comme je l’ai dit précédemment, s’en sortent tant bien que mal. Pascal Provost est celui qui s’en tire le mieux, faisant preuve d’une jolie présence comique. Même si ce qu’il est amené à jouer tient parfois plus de la farce que du vaudeville... Quant à Alexandre Brasseur, il semble être gêné aux entournures dans son costume de mac. Il est en permanence dans la caricature. On dirait un truand d’opérette. On a l’impression qu’il n’a jamais trouvé le ton juste et la posture idoine. Il est en décalage ; ça donne l'effet d'un musicien qui joue une partition différente de celle des autres instrumentistes d’un orchestre.
Je ne vais quand même pas faire mon grincheux. Il y a dans la salle des gens qui rient, sporadiquement, mais qui rient.
Le théâtre de la Michodière, qui s’est fait une spécialité des comédies folles, déjantées, rythmées, nous a habitués à mieux.

Mon meilleur copain

2011-10-13T16:00:00.005+01:00

Théâtre des Nouveautés
24, boulevard Poissonnière
75009 Paris
Tel : 01 47 70 52 77
Métro : Grands Boulevards

Une comédie d’Eric Assous
Mise en scène par Jean-Luc Moreau
Décor de Charlie Mangel
Lumières de Jacques Rouveyrollis
Avec Dany Brillant (Bernard), Roland Marchisio (Philippe), Murielle Huet des Aunay (Nelly), Juliette Meyniac (Alice), Aude Thirion (Soraya)

L’histoire : Bernard et Philippe sont les meilleurs amis du monde. Bernard est marié, mais il est infidèle. Sa femme risquant de découvrir ses écarts, Bernard demande à Philippe de la couvrir. C’est le début d’un engrenage infernal pour le pauvre Philippe, car Bernard a l’amitié abusive…

Mon avis : Voici une très agréable comédie, construite sur le mode du vaudeville, et qui fonctionne remarquablement bien. L’intrigue est aussi éculée que convenue, mais par la magie des situations et le talent des comédiens, elle nous permet de passer une soirée de franche rigolade dans le théâtre des Nouveautés (théâtre qui, au passage, commence à proposer des pièces comiques d’un excellent niveau comme, par exemple, Le Gai mariage). Le coup est classique : Bernard, coureur impénitent, a une liaison avec Soraya, une jeune collègue, employée dans la boîte de son beau-père. Flambeur dans l’âme, il gagne très bien sa vie et il n’hésite pas à la faire savoir. Il ne se rend même pas compte combien il peut être blessant vis-à-vis de son « meilleur copain », Philippe, un brave garçon débonnaire et arrangeant. Bonne pâte, Philippe a invité inopinément Bernard et son épouse Nelly et il n’a prévenu sa femme, Alice, qu’au dernier moment. Rien n’est prêt pour les hôtes, il va falloir improviser.
Bernard – plus macho que lui tu meurs – a laissé à Nelly le soin de garer le 4x4, ce qui lui permet d’avoir une conversation seul à seul avec son pote. S’en suivent des confidences croisées entre mecs à propos de leur comportement au lit (c’est, à mon goût, le seul moment sans grand intérêt de la pièce parce qu’il n’apporte pas grand-chose et qu’il est un peu redondant)… Heureusement, avec, d’une part, l’arrivée de Nelly et, d’autre part, celle d’un message de « détresse » de Soraya, la pièce va prendre son vrai rythme et une vitesse de croisière digne d’un hors-bord.

Encore une fois on est en présence de l’alchimie propre aux binômes. Philippe d’un côté, Bernard de l’autre. Et les trois femmes qui vont s’agiter au milieu et réagir en fonction des événements que leur impose l’imagination débordante de Bernard et la façon de s’y adapter avec plus ou moins de facilité de Philippe.
Comme d’habitude, Roland Marchisio excelle dans ce type de personnage foncièrement bon et dénué de vice qui se retrouve pris dans un engrenage infernal qui met son propre couple en péril. Accablé, pris en otage par la machination perverse de son ami, il subit avec une résignation pathétique cet orage qui lui tombe sur la tête. Avec sa tête de chien battu, il nous fait de la peine. Mais heureusement, un chien, lorsqu’il est acculé, ça peut mordre aussi. Il suffit de trouver l’ouverture. Car Philippe, jouet impuissant de la perfidie de Bernard, n’est jamais dupe de rien. Son opposition, tant physique que morale, avec Dany Brillant est un superbe ressort de comédie. Si Philippe ne semblait pas aussi débonnaire, Bernard ne pourrait pas abuser de lui et repousser très, très loin les limites de ce que l’amitié peur accorder.

Dany Brillant… C’est sa première expérience théâtrale et il nous campe Bernard avec une aisance de vieux briscard. Sur l’échelle de Richter de la mauvaise foi, il serait côté 9. C’est un faux-cul majuscule, un type puant de suffisance et de prétention, un goujat de la pire espèce. Il ramène tout à lui. Et il se fout complètement des dégâts co-latéraux qu’il provoque chez les autres. Dans cet exercice haut en couleurs, Dany Brillant s’avère remarquable. Même quand il est dans l’outrance, il est crédible. Des zigotos comme Bernard, on en a rencontré. Ils sont irritants au possible et ils n’en ont même pas conscience. Autant Philippe est réservé, autant Bernard est agité, envahissant. Dany Brillant est LA révélation de cette pièce, sa bonne surprise. On ne s’attendait pas qu’il soit aussi facile. Il peut envisager une jolie carrière sur les planches…

Les trois femmes sont elles aussi totalement dissemblables. Murielle Huet des Aunay, dans le rôle de Nelly, est parfaite. C’est un animal à sang froid. Elle est autoritaire, dirigiste, cassante, impitoyable. On comprend pourquoi Bernard va tout faire pour échapper à ses représailles… Juliette Meyniac apporte à son personnage d’Alice sa fragilité. C’est une femme vulnérable. Et on n’aime pas la voir souffrir inutilement à cause de ce mufle inconscient… Et Aude Thrion, elle donne à Soraya une image de Lolita insouciante et pas compliquée.

Honnêtement, j’ai beaucoup aimé cette pièce. J’ai été véritablement bluffé par la prestation impeccable de Dany Brillant… Je ne sais pas comment fait Eric Assous pour nous sortir aussi régulièrement des comédies parfaitement huilées, pas bêtes du tout, avec des dialogues fort bien troussés, de purs divertissements d’où l’on sort systématiquement avec un grand sourire aux lèvres. Il est vraiment le champion toute catégorie des histoires de couples.

Les Conjoints

2011-10-13T13:50:00.005+01:00

Théâtre Tristan Bernard
64, rue du Rocher
75008 Paris
Tel : 01 45 22 08 40
Métro : Villiers

Une comédie d’Eric Assous
Mise en scène par Jean-Luc Moreau
Décor de Charlie Mangel
Avec Jean-Luc Moreau (Bob), Anne Loiret (Delphine), José Paul (Xavier), Anne-Sophie Germanaz (Garance)

L’histoire : Dans un couple, la vérité est toujours mise à rude épreuve tandis que le mensonge ne demande qu’à s’installer. « Les Conjoints » nous rappelle que le bonheur n’est pas un état permanent mais un équilibre précaire. Fertile en rebondissements, l’intrigue, qui mêle le pouvoir ravageur de l’argent et le jeu subtil des sentiments, met en scène deux hommes et deux femmes ballotés entre leur éthique, leurs intérêts et leurs émotions. Tout le monde a quelque chose à revendiquer. Tout le monde a quelque chose à cacher. Tenté par la transgression, mais soucieux du qu’en dira-t-on, chacun se débat avec ses raisons. Bonnes ou mauvais, petites et grandes, morales et obscures…

Mon avis : Une comédie ? Hum ! Pas vraiment, même si on rit beaucoup. Ou alors, il faut l’entendre dans le sens « comédie humaine » dans l’acception balzacienne du terme…
Eric Assous excelle vraiment dans les pièces où il met en scène des problèmes de couples. Il est extrêmement fin dans son étude psychologique et comportementale des mâles et des femelles. Dans chacune de ses pièces on y retrouve les mêmes profils de mecs un peu lâches, beaucoup menteurs, pas vraiment glorieux. Quant aux femmes, même si elles nous paraissent plus droites, plus franches, plus entières, elles ont (heureusement) elles aussi leur part d’ombre. Ici, c’est surtout la vénalité… Car l’argent tient une place prépondérante dans l’intrigue. Il a la capacité de faire infléchir les sentiments a priori les plus sincères.

Dès l’entrée en matière, on voit que Delphine et Xavier ne sont pas sur la même longueur d’onde dans la gestion de leur ami Bob qui vient de quitter son épouse pour une jeunette. Xavier veut se montrer cool et conciliant quand Delphine, par solidarité féminine avec sa copine abandonnée, elle se montre très réticente, voire hostile, à son égard. Elle commence même à pousser ce pauvre Xavier dans ses retranchements à propos de la nouvelle élue de Bob, une certaine Garance. Un questionnaire qui frise carrément l’inquisition. Une situation que l’on tous (je parle des hommes) peu ou prou vécue… Commencent alors les petits chantages et les compromissions. Xavier est sur les sables mouvants et le doute s’insinue dans l’esprit aiguisé et méfiant de Delphine.

Il est vrai que Bob, dès qu’il entre en scène, se révèle particulièrement irritant. Néanmoins, il démolit le réquisitoire de Delphine en lui présentant une défense remarquable. Mine-de-rien, sous couvert de la comédie, des choses profondes sont énoncées. Tout n’est pas noir, tout n’est pas blanc. Le problème avec ce bavard impénitent qu’est Bob, c’est qu’il est très gaffeur. A moins qu’il ne soit QUE calculateur. Le doute est permis. En tout cas, il fait preuve vis-à-vis de son ex et de ses amis d’une belle générosité. Mais sa désinvolture avec un argent tombé du ciel, le rend tout aussi détestable. Surtout aux yeux de cette incorruptible de Delphine. Autant elle est dure et réaliste, autant Xavier s’efforce de se montrer arrangeant avec son pote. Mais Delphine veut aller au clash…

Les trois premières scènes de cette pièce vont crescendo en intensité. On rit souvent certes, mais d’un rire grinçant. Car on rit de choses souvent sérieuses, et parfois graves. Les Conjoints ne donnent pas vraiment dans la franche rigolade. Les dialogues sont remarquablement écrits, ils touchent et frappent juste.
La pièce est construite en huit tableaux. Les trois premiers, le cinquième et le septième concernent le présent. Les quatrième et sixième sont deux flash-back, ce qui est diaboliquement habile et nous aide à encore mieux comprendre les différentes attitudes des quatre protagonistes. Quant au huitième et dernier tableau, qui sert de conclusion (provisoire, certainement), il s’inscrit dans un futur proche.
Pas question de narrer par le menu ce passionnant chassé-croisé auquel se livrent nos héros. Chacun vit et gère sa vie en fonction de sa mentalité. Maintenant, de là à dire que chacun va pouvoir se regarder sereinement devant sa glace, il y a un sacré fossé à franchir.

Jean-Luc Moreau apporte au personnage de Bob toute sa superbe. Il est hâbleur, narcissique, sûr de lui, séducteur pathologique, il n’a pas son pareil pour plaider sa cause et trouver des arguments qui lui paraissent irréfutables. Il est affligé d’une kyrielle de défauts qu’il assume sans vergogne. Il en arrive même parfois à forcer la sympathie.
José Paul donne à Xavier une dimension masculine archétypale. Il est un peu le mec-étalon. Pas dans le sens équin du terme, mais dans sa normalité car il synthétise un peu toutes les faiblesses les plus répandues chez les garçons : la propension à la fuite, la pusillanimité, l’égocentrisme, etc, etc… José Paul joue tout en nuances. Il ne force jamais le trait. C’est peut-être pour ça que l’on se reconnaît si aisément en lui…
Anne Loiret, dans le rôle de Delphine est finalement bien plus complexe qu’il n’y paraît. Fondamentalement, c’est une femme droite, franche et vertueuse. Et donc chiante, surtout pour ce pauvre Xavier lorsqu’elle le prend dans sa toile d’araignée savamment tissée. Limite psychorigide, elle est tout ce que l’on redoute. Et puis, par petites touches, apparaissent quelques fissures dans la fille sûre. Elle a l’air solide comme ça, indomptable, et pourtant…
Anne-Sophie Germanaz, alias Garance, est beaucoup moins ambiguë. Elle représente un autre type de femme, plus jeune, plus futile, plus vénale… Plus paumée aussi. C’est très subtil comme jeu car il repose essentiellement sur l’instinct et le réflexe. Elle n’est pas encore construite, elle n’a pas encore de vécu. Alors, elle improvise au gré de ses humeurs… ou de ses intérêts.

Les Conjoints, pièce qui devrait plutôt s’appeler « Les Disjoints », est donc une comédie douce-amère. Elle joue beaucoup avec les sentiments et les transgressions. Elle est très, très humaine en ce sens où la noblesse y côtoie la bassesse chez la même personne. Elle est tout, sauf manichéenne. On ressent donc tout plein d’indulgence à l’égard de ces quatre personnages qui ont tous un peu de nous en eux à différents moments. C’est une pièce plus sérieuse dans le fond qu’il n’y paraît même si, dans sa forme, c’est une vraie et bonne comédie.

Pierre Desproges : "Chroniques d'une haine ordinaire"

2011-10-07T16:45:00.004+01:00

La Pépinière Théâtre
7, rue Louis-le-Grand
75002 Paris
Tel : 01 42 61 44 16
Métro : Opéra

Texte de Pierre Desproges
Mise en scène de Michel Didym
Scénographie de Laurent Peduzzi
Avec Christine Murillo et Dominique Valadié

Le mot de Michel Didym : C’est à la librairie du Théâtre Ouvert, en feuilletant les éditions Acte Sud Papiers, que j’ai vraiment découvert Pierre Desproges. Je ne l’avais jamais vu à la télévision. J’ai alors aimé furieusement, au-delà de l’homme, de l’acteur, du bouffon tragique : l’auteur. L’interprète fulgurant totalement atypique qu’était Pierre Desproges a fait oublier qu’il était aussi un grand dramaturge. Comme si l’acteur et son génie faisaient écran à l’auteur.
C’est de cette passion pour son écriture qu’est né le spectacle Les animaux ne savent pas qu’ils vont mourir, au Théâtre des Abbesses. La lecture des Inédits laissait apparaître un autre versant de l’auteur, plus ambivalent et sombre, plus complexe et lyrique, qu’on a parfois bêtement taxé de misogynie. C’est cette face méconnue de son écriture qui m’a donné envie de créer ce deuxième spectacle où je fais appel à deux grandes actrices, Christine Murillo et Dominique Valadié, pour modifier l’écoute de cet auteur et ainsi révéler au public l’irrévérence et la violence comique de cette langue exempte de vulgarité.

Mon avis : Que dire sur Pierre Desproges qui n’ait jamais été dit ? Impossible. Il n’y a qu’une chose à faire : déplorer tous les jours qu’il soit parti si tôt et regretter qu’il ne soit plus là pour nous déciller les yeux et nous vivifier les synapses. Heureusement ; il a laissé une œuvre. Et quelle œuvre ! Une œuvre qui le rend immortel. D’autant plus qu’on nous le ressuscite « en petits morceaux » par spectacle interposé. Comme c’est le cas avec Chroniques d’une haine ordinaire, mis en scène par Michel Didym et joué actuellement à la Pépinière Théâtre…

On ne va pas analyser le texte. Ce serait incongru et déplacé. En revanche, on peut longuement s’attarder sur la performance des deux comédiennes qui nous restituent ses mots : Christine Murillo et Dominique Valadié. Deux femmes qui tombent… on ne peut plus juste. Dominique Valadié particulièrement puisqu’elle fut sa partenaire dans l’inoubliable Minute nécessaire de Monsieur Cyclopède de 1982 à 1984. C’est dire si elle connaissait l’oiseau.

Ces dames se lancent soit dans des conversations à bâtons rompus, soit dans de brillants soliloques autour de différents thèmes de portée hautement philosophique comme le bonheur, l’amour, l’hétérosexualité, l’homosexualité, Robinson Crusoé, le trac, l’inculture des jeunes, le grave problème du choix… Ça passe sans transition de la réflexion la plus savante voire carrément métaphysique au jeu de mot le plus volontairement affligeant, de la formule la plus étincelante à l’absurde le plus déjanté, sans oublier de nombreuses fulgurances teintées de l’humour le plus noir. On se délecte littéralement. C’est simple, on n’entend pas toujours certaines citations dans leur intégralité car elles sont fréquemment couvertes par les rires qui fusent d’un peu partout dans la salle. Il faut dire qu’on n’était plus habitués à entendre des choses à la fois aussi drôles et profondes. Et puis quel richesse de vocabulaire. C’est un véritable délice.

Desproges, ça s’écoute, ça se sirote, ça se déguste. Difficile de trouver meilleur commentaire pour le définir que ce commentaire de Michel Didym : « Ce qui est beau, c’est qu’il y a tellement d’irrévérence chez Desproges, que tu sens un amour fou de l’humanité ! Il ose taper dur. Il a une liberté de propos et de ton qu’on a du mal à retrouver aujourd’hui. C’est radical, mais il y a une magnifique langue. On s’en rend compte en travaillant. Et il nous fait beaucoup rire ce qui n’est quand même pas rien »…
Et si on laissait les mots de la fin à ses formidables interprètes au jeu subtil et varié, habiles à passer de l’arythmie engendreuse d’effets au récitatif avec ton neutre et détaché. Dominique Valadié est consciente de l’exercice périlleux que cela représente : « C’est très difficile à apprendre… Les phrases sont alambiquées et puis c’est un vocabulaire dont on n’a pas l’habitude. Il y a du faux lyrisme, c’est compliqué à dire… La langue est intéressante parce qu’il est fuyant, one ne peut pas le toucher, on le ressent dans la langue… Ce sont des textes qui sont offensifs, ils sont faits pour faire réagir, par le rire. Mais c’est un type très difficile à accrocher… Il est très secret, je trouve ». Cette complexité desprogienne, on la retrouve évidemment dans les propos de Christine Murillo : « Au lieu de phrases normales, les phrases sont très longues avec beaucoup d’adverbes et quelque chose qui paraissait très quotidien devient très… Enfin, vous verrez bien ! »…
Vous avez compris ? Courez à la Pépinière Opéra, vous y vivrez un moment de grâce unique et total.

Le Quatuor "Danseurs de cordes"

2011-10-05T13:45:00.004+01:00

Théâtre de Paris
15, rue Blanche
75009 Paris
Tel : 01 48 74 25 37
Métro : Trinité / Blanche / Saint-Lazare

Un spectacle conçu par Jean-Claude Camors et Alain Sachs
En collaboration avec Pierre Ganem, Laurent Vercambre et Jean-Yves Lacombe
Mis en scène par Alain Sachs
Direction musicale de Cécile Girard
Avec Jean-Claude Camors (violon), Laurent Vercambre (violon), Pierre Ganem (alto), Jean-Yves Lacombe (violoncelle)

Le mot de Dominique Dumond (producteur) : En novembre 2010, le Quatuor et Alain Sachs nous ont dévoilé leur nouvelle création. Ce rendez-vous pris avec le public pour la cinquième fois depuis 1993 reste un véritable événement. A chaque fois ces nouveaux spectacles nous ont comblé de bonheur et de surprise en repoussant les limites de l’inventivité et de l’ingéniosité. Une fois encore, l’aventure continue dans cette droite ligne en mêlant maturité artistique et éternelle jeunesse.
Dans ce nouvel opus, tout en restant fidèles à l’esthétique et à la diversité des émotions suscitées jusqu’à ce jour, et qui font à la fois leur rareté et leur marque de fabrique, les artistes n’ont de cesse de poursuivre toujours plus loin leur imaginaire et l’exploration de nouvelles formes. De surprenantes trouvailles émaillent cette nouvelle célébration des noces de la musique et de l’humour.

Mon avis : Les Quatre fantastiques sont de retour ! Nos Fab Four, toujours aussi forts, nous proposent un « spectacle 100% nouveau », ce qui n’est pas une mince affaire quand on connaît l’étendue de leurs connaissances musicales et leur éclectisme. Danseurs de cordes est dans la droite ligne de leurs quatre spectacles précédents. C’est-à-dire un foisonnant mélange de performances musicales entourées d’un lot de fantaisie et d’une kyrielle de gags.
Leur décor est on ne peu plus minimaliste : quatre chaises et un portique sur lequel sont accrochées quatre redingotes. Et pis, c’est tout. Ainsi ne risque-t-on pas d’avoir l’esprit distrait par autre chose que leurs numéros.

Après une entame a cappella, ils commencent à saupoudrer leurs exécutions de situations farfelues. Il y en a un qui se fait de suite remarquer avec son jeu complètement cintré. Le même se permettra d’ailleurs quelques minutes plus tard à scier devant tout le monde… Et puis ils nous embarquent pour une sorte de tour du monde qui prend son envol au 18è siècle en Italie à travers une savoureuse saynète familiale mettant en scène Farinelli et sa famille. Après un crochet par le Vatican, nous franchissons un siècle avec un hommage à un de leurs maîtres, Paganini, et à son mouvement perpétuel… Une fois qu’ils ont prouvé qu’ils étaient d’authentiques archet-types, ils nous offrent une brillante démonstration de chant canon, un exercice dans lequel ils excellent. Comme de nombreux Italiens de cette époque, ils franchissent alors l’océan, et nous voici aux States à grand renfort de square dance et de country music avec feu de camp et clin d’œil à Johnny Cash. Empruntant ensuite le chemin des gammes, ils réintègrent l’Europe via la Russie avant de gagner l’Armorique et de nous enchanter avec un chapitre celtico-bigouden avec, s’il vous plaît, bombarde et cornemuse… Ce périple se termine par l’Allemagne avec un Beethoven affligé de surdité, et l’Autriche. Bonne idée que de terminer ce voyage en nous offrant des viennoiseries…

Personnellement, j’ai trouvé que ce nouveau spectacle était plus musical encore que les précédents. Parfois, c’est tellement joli et mélodieux que l’on en serait presque frustré lorsqu’ils s’arrêtent pour passer à autre chose.
Autre chose ? C’est la parenthèse pop-rock (John Lennon, Ian Dury, Les Eagles, Police…) à laquelle succède une plage consacrée à la chanson populaire et à la chanson de charme. Quand ils décident de crooner, ça croone grave. Les spectatrices en sont toutes tourneboulées… Puis, c’est plus fort qu’eux, ils ne peuvent s’empêcher de sacrifier au burlesque avec un numéro que l’on pourrait baptiser « quand le micro s’affale ». Et ils terminent avec un sketch absolument désopilant que l’on pourrait nommer « Le lutrin de 22 heures 15 »…

Comme d’habitude le Quatuor nous entraîne dans son univers musical plein de poésie et de drôlerie. On imagine les heures de travail que ça représente pour en arriver à une telle qualité (Alain Sachs parle de deux années). Ce spectacle est construit de façon progressive. Ça commence piano pour aller crescendo et finir fortissimo. C’est qu’ils ne sont plus tout jeunes ces grands gamins (ils fêtent leurs 30 ans de carrière). Ils démarrent un peu comme des diesels mais une fois qu’ils sont chauds, plus rien ne les arrête. En revanche, ils ont gagné en expérience et en virtuosité. Un spectacle du Quatuor, c’est un régal pour les oreilles et pour les yeux.

Hollywood

2011-10-03T16:01:00.005+01:00

Théâtre Antoine
14, boulevard de Strasbourg
75010 Paris
Tel : 01 42 08 77 71
Métro : Strasbourg Saint-Denis

Une comédie de Ron Hutchinson
Adaptée par Martine Dolléans
Mise en scène par Daniel Colas
Décor de Jean Haas
Costumes de Jean-Daniel Vuillermoz
Avec Daniel Russo (David 0. Selznick), Thierry Frémont (Ben Hecht), Samuel Le Bihan (Victor Fleming), Françoise Pinkwasser (Miss Poppenghul)

L’histoire : Cette histoire est tirée d’un fait réel… Hollywood, 1939. Le tournage du plus grand film d’amour de tous les temps, Autant en emporte le vent. Le studio est en crise, le tournage du film est stoppé : en effet, le scénario, beaucoup trop long, doit être réécrit en urgence.
Le producteur David 0. Selznick engage un scénariste célèbre, Ben Hecht, et un nouveau réalisateur, Victor Fleming. L’enjeu est de taille : ramener une interminable saga à un format normal pour un film de cinéma. Le temps est compté. Mais Ben Hecht n’a pas lu le livre… Une seule solution, lui jouer toutes les scènes du film en accéléré.
A trois, enfermés dans un bureau pendant cinq jours, sans prendre aucun repos, ils vont réaliser une forme de miracle : accoucher ensemble du plus grand film d’’amour de tous les temps !

Mon avis : Voici un spectacle qui mérite l’adjectif « hollywoodien ». Hollywoodien dans le sens de la démesure, des moyens mis en œuvre, de la bande son, des costumes et, surtout, des têtes d’affiche.
Je suis passé par toute une succession de sensations. Après coup, j’ai eu l’impression de m’être laissé embarquer dans une sorte de grand scenic railway. Confortablement installé dans mon wagonnet immatriculé « OR 34 », je me suis laissé embarquer pour un voyage qui allait se révéler incroyablement trépidant et agité. Les premières minutes du parcours sont bien sages. On nous expose la situation. Le célèbre producteur David O. Selznick (Les quatre filles du docteur March, King Kong, Anna Karénine, Une Etoile est née, Rebecca, Le Troisième homme, Duel au soleil, L’Adieu aux armes…) est pris à la gorge. Il vient de virer tous les gens qui travaillaient sur l’adaptation cinématographique du best seller de Margaret Mitchell, Autant en emporte le vent. En toute urgence, il convoque un nouveau scénariste, Ben Hecht (Scarface, La Chevauchée fantastique, Les Hauts de Hurlevent, Gilda, Les Enchaînés, La Corde, L’Inconnu du Nord-Express, Trapèze, l’Adieu aux armes…) et pour remplacer George Cukor, le scénariste Victor Fleming (Lord Jim, La belle de Saïgon, L’Ile au trésor, Capitaines courageux, Le Magicien d’Oz, Docteur Jekyll et mister Hyde…)… Un sacré trio.
Le problème, c’est que Ben Hecht n’a lu que la première ligne du roman et Victor Fleming n’en a qu’une très vague idée. Totalement habité par son projet Selznyck va, non seulement réussir à les intéresser à son aventure, mais aussi, pour qu’ils sachent de quoi ils vont parler, leur jouer les scènes du film…

On va avoir affaire à trois egos disproportionnés, à trois caractères totalement dissemblables. David O. Selznick est d’évidence un brave homme. Daniel Russo a mis en lui toute sa bonhommie. Son enthousiasme se fait communicatif : « On va écrire contre la montre ». On ne peut que le trouver sympathique et attachant… Ben Hecht (Thierry Frémont), c’est autre chose. Sûr de lui et de son talent, il est là pour le fric. Mais de là à écrire un film en cinq jours, il y a un fossé que même un pont de dollars ne peuvent l’aider à franchir. Il est sarcastique et moqueur. Pourtant, une fois qu’il aura accepté le marché, il va se révéler être un sacré bosseur et, surtout, un homme engagé, doté de vraies valeurs ; il aimerait entre autres réussir à faire passer dans le scénario un message antiracisme… Quant à Victor Fleming (Samuel Le Bihan), c’est un drôle de zigoto. Cet ancien chauffeur devenu scénariste, est resté assez primaire. Grossier et misogyne, il n’est très loin du beauf…
Tout de suite, une véritable animosité naît entre Hecht et Fleming. Comme deux sales gosses, ils se lancent dans un duel de vacheries, de coups bas. Ils se balancent quelques vérités au visage.

Passée cette exposition, mon wagonnet a commencé à tressauter et à prendre de la vitesse. Mais, séduit et amusé par des dialogues vifs et savoureux, je n’y prêtais pas vraiment garde. Tout autour de moi, les rires fusaient, spontanés et joyeux… Sous la pression de Ben Hecht qui a besoin de biscuits pour son scénario, Selznick et Fleming se mettent à camper les personnages principaux… Tout doucement la machine s’emballe et glisse subrepticement dans le burlesque. Mon wagonnet est de plus en plus secoué. Comme eux, d’ailleurs.
L’horloge tourne. Les jours passent. La fatigue commence à se faire sentir. Les nerfs prennent le dessus. On est pris par le rythme et la vivacité des échanges. Un rythme tellement échevelé qu’on est essoufflé pour eux. On baigne en pleine folie. Mon wagonnet arrive dans une zone de grande turbulence. J’aborde une série incontrôlable de grands huit. Je lâche prise. Je me laisse emporter. Tant pis pour mon esprit cartésien, il a profité de ce que j’avais la tête en bas pour jouer les filles de l’air. J’arrive à toute vitesse dans une espèce de no man’s land où le loufoque est roi. Je suis emporté par la bourrasque. C’est un Atlanta à la pudeur, la déraison du plus fort. La démence ambiante passe comme une Scarlett à la poste… On est dans un grand n’importe quoi, on surfe sur d’irrésistibles vagues de rires.

Hollywood est un incroyable moment de comédie servi par un trio de comédiens absolument inénarrables. Russo nous livre un grand numéro. Capitaine courageux, on ne sait pas comment il réussit à garder le cap. Il a une sorte de foi du charbonnier chevillée au corps et à l’âme… Frémont, une fois de plus, tutoie le génie. Ce garçon sait tout jouer. Même dans les situations les plus ahurissantes, il reste crédible… J’émets un peu plus de réserves pour Le Bihan. Pas pour le comédien, surtout pas, mais pour le personnage qu’on lui fait jouer car on lui en fait faire un peu trop dans le registre du cartoon. Ça, c’était quand j’avais encore mon esprit cartésien… En revanche, j’ai eu beaucoup de mal avec le personnage de la secrétaire. Drôles au début ses « Oui, monsieur Selznick », sont si souvent répétés et systématiques qu’ils en finissent par devenir pénibles. On pourrait les réduire de moitié. Ainsi garderaient-ils leur effet. Et j’ai trouvé aussi un peu tirée à l’extrême la scène des baffes. Pas facile de bien doser le comique de répétition…
Enfin, il faut saluer la beauté des décors, l’élégance des costumes (à part la robe orange de miss Poppenghul affreusement halloweenesque), et la qualité des musiques qui rythment les changements de scènes. En résumé, si vous voulez passer un véritable moment de pur divertissement et une rencontre avec des comédiens formidables, offrez-vous un petit tour dans un des wagonnets du théâtre Antoine et laissez-vous emporter par le vent… de folie.

Guy Carlier "Ici et maintenant"

2011-10-03T13:45:00.004+01:00

Studio des Champs-Elysées
15, avenue Montaigne
75008 Paris
Tel : 01 53 23 99 19
Métro : Alma-Marceau

Textes de Guy Carlier et François Rollin
Mise en scène de François Rollin

Le propos de François Rollin : « Si on me demande de définir Guy Carlier en un mot… je commence par me débattre en arguant que ce genre d’exercice est toujours réducteur… et puis, si on insiste, je lâche le mot « charismatique ». Le charisme, nous dit le dictionnaire, c’est la « qualité d’une personne qui séduit, influence, voire fascine les autres par ses discours ». Exactement ce que fait Guy sur les planches, comme il le faisait à la radio ou à la télévision…

Mon avis : Si j’étais flémmard, je me contenterais d’acquiescer au propos de François Rollin car sa parole professorale fait autorité. En matière de one-man show, il sait de quoi il parle… En même temps, je me dis que le mot « charismatique », pour adéquat et justifié qu’il soit, s’avère quelque peu réducteur lorsqu’on assiste au soliloque de Guy Carlier.
Personnellement, j’y ajouterais « tendre », « nostalgique » et « enfantin ». Attention, pas dans le sens de puéril, mais dans le sens noble du terme car Guy a toujours gardé intactes ses facultés d’admiration et d’émerveillement. L’homme que l’on voit sur scène n’est que le fidèle prolongement du gamin d’Argenteuil. Comme un petit garçon, il rêve, il exagère, il se moque, il est cruel, il est fragile, il agace, il émeut…
Son one-man show, je l’aurais appelé « Ici, hier et maintenant »… En raison justement de cette grande part de douce nostalgie qui l’habite. Ne vous attendez surtout pas à vous retrouver au Studio Méchant Déguisé. Si vous êtes attiré uniquement par le côté acéré et vipérin de la langue de Guy Carlier, vous risquez d’être déçu.

Quand on connaît Guy Carlier, on sait qu’il est avant tout une montagne d’amour et de tendresse. Ce qu’on ne peut voir à la radio, c’est la gentillesse de son regard. Bien sûr, on est allé le chercher et on l’a payé pour qu’il profère sur les ondes son lot de vacheries, mais ce n’est qu’un jeu de sa part. Guy a la langue et la plume bien plus agiles que le corps. Comme le gosse cité plus haut, il adore dire des gros mots, balancer des vannes, se moquer de son prochain, se payer quelques têtes de Turc… Il est comme tout le monde, le talent d’écriture en plus. Et il se révèle être un sacré conteur.

Après un prologue sarcastique de François Rollin, Guy effectue son entrée, ou plutôt sa « cascade » pour venir sur le devant de la scène. Dès ses premiers propos, on devine quel va être le ton de son spectacle. Guy ne joue pas les faux modestes. Il l’est réellement. Même s’il est très fier des cadeaux que le destin lui a faits il s’en émerveille sans s’en rengorger… Il ne hausse pas le ton. Avec sa voix douce et modulée, il s’adresse à chacun de nous comme si nous étions son confident. Car c’est sa vie qu’il nous raconte le Guy. Son spectacle est totalement autobiographique. Après s’être débarrassé avec beaucoup d’autodérision des inévitables réflexions que suscite son physique, il se lance dans son stand-up. Et il se raconte : ses premiers émois amoureux, les boums, la colo, le bal… puis ses premières expériences radiophoniques, son séjour en clinique diététique, son passage à la télévision. Dans tout ce qu’il narre, il passe habilement d’une plage joliment poétique à une digression scato. Quand il parle cul, il parle cul. Mais, dans sa bouche, ce n’est jamais cru ou vulgaire. Il a le cul sain.
Pour la partie proprement vannes, il s’amuse à nous faire un peu languir. Il en distille ça et là quelques unes pour nous exciter l’appétit. Il ne commence ses attaques a nominem que lorsqu’il aborde le chapitre TF1 et, plus particulièrement, celui qu’il appelle « la bétaillère ». Via ses fiches actualisées, il évoque le cheptel politique, passe des veaux de la Une aux vaches sacrées, aux soi-disant intouchables, et rend hommage à quelques personnages qu’il admire tout particulièrement.

En fait, il est comme nous Guy Carlier. Il a ses têtes. Il caresse et il donne un coup de gueule…
De toute façon, il y a belle lurette que je suis devenu un « carlieriste ». Je suis convaincu que cet homme préfère de loin le rêve à la réalité. Ses rêves, il les a pratiquement tous accomplis. Sa réalité, elle ne lui convient pas parfaitement. Alors son cerveau se met en position de fœtus et il se retrouve en culotte courte en compagnie de ses idoles, les footballeurs, les rockeurs et les musiciens. Zidane, Johnny et Miles Davis. Avec eux il se sent bien.

Guy Carlier nous offre un grand moment de partage. Son spectacle est une sorte de sacrifice humain dans lequel il se donne tout entier avec une honnêteté sans faille. Après, à nous de faire ce que l’on en veut. Nietzsche a écrit : « Ce qui ne nous tue pas nous rend plus fort ». Et Johnny l’a chanté par la grâce de la plume de Guy. Or, il peut sans vergogne le prendre à son propre compte cet adage car, aujourd’hui, après avoir cherché inconsciemment à se tuer lui-même, il est devenu vachement fort…

Le coup de la cigogne

2011-10-03T09:54:00.004+01:00

Théâtre Saint-Georges
51, rue saint-Georges
75009 Paris
Tel : 01 48 78 63 47
Métro : Saint-Georges

Une comédie de Jean-Claude Islert
Mise en scène par Jean-Luc Moreau
Décor de Charlie Mangel
Lumières de Jacques Rouveyrollis
Avec Jean-Marie Bigard (Jacques Germont), Elisa Servier (Maud Germont), Lamine Lezghad (Gaspard), Lola Marois (Clotilde Germont), Ariane Mourier (Christine)

L’histoire : Jacques Germont a 55 ans. D’un caractère volontiers râleur et souvent de mauvaise foi, il vient d’insulter son supérieur beaucoup plus jeune que lui et risque la préretraite. Lorsqu’il rentre chez lui, sa femme, Maud, lui révèle qu’elle est enceinte. Jacques s’effondre. Comment a-t-elle fait ? Il ne peut se résoudre à être père et va employer tous les arguments possibles pour tenter de faire comprendre à Maud que ce serait de la folie. Il ne se sent pas capable d’être un vieux papa retraité…

Mon avis : Voici tout-à-fait le genre de pièce de boulevard sauvée par le talent et l’abattage de ses acteurs. On ne peut pas dire que l’histoire est très originale et l’intrigue truffée de rebondissements. Mais, heureusement, les comédiens se montrent tellement généreux que l’on passe cette soirée sans réel déplaisir.
La fameuse cigogne avait dû égarer son GPS pour se présenter avec autant de retard dans le foyer des Germont. Dame, lui, il a 55 ans et elle, elle en a 48. Il était donc grand temps que le volatile assure sa livraison ! Pourtant, elle arrive à point nommé. Comme elle, le couple bat un peu de l’aile. La faute à un Germont qui fait le Jacques. En effet, il a tendance à délaisser son épouse au profit de Christine, une jeune collègue de bureau… En fait, Maud (madame Germont) est plutôt satisfaite de cette grossesse inopinée. Elle va peut-être lui permettre de ramener son Jacques dans le droit chemin… En plus leur fille, Clotilde, en mal d’enfant, est emballée par cette maternité prochaine. Elle va pouvoir pouponner par maman interposée.
Ce problème pourrait sans doute s’arranger si Jacques n’était pas en pleine période de stress. Avec son foutu caractère, il risque d’être mis en préretraite parce qu’il a insulté son jeune patron. Pourtant il est un excellent élément, et il a même créé un nouveau logiciel de jeu qui pourrait dynamiser sa boîte. Très énervé, il se demande comment il va annoncer sa mésaventure à Maud…
J’ai d’ailleurs beaucoup aimé la première scène du couple où chacun a un secret à révéler à l’autre.

Dans le rôle de Jacques, Jean-Marie Bigard est parfait. Râleur invétéré, bougon, il s’avère aussi être un champion tout terrain de la mauvaise foi. Mais il est surtout un très mauvais menteur… Il est très bon quand il joue l’incrédulité. Avec ses intonations si personnelles, sa gestuelle si particulière acquise au cours des années de one-man show, Bigard est taillé pour le boulevard (il s’était déjà montré plus qu’excellent dans Clérambard, une pièce remarquable que le public hélas n’a pas eu le temps d’apprécier à sa juste valeur). Par moment, je me demande comment Elisa Servier fait pour se contenir face à ses pitreries.
Elisa Servier. Parlons-en. C’est une Rolls pour ce genre de comédie. Elle est sur son terrain de prédilection. Toujours pondérée, pragmatique, tolérante et compréhensive, elle est l’élément stable et solide sue lequel l’action rebondit.

Autour d’eux, il faut mettre en exergue la prestation de Lamine Lezghad. Cet humoriste, rompu lui aussi à l’exercice du one-man show, a tout pour réussir sur les planches. Il possède un charisme indéniable et fait preuve dans cette pièce d’une jolie présence en campant un petit arriviste gommeux qui se la pète un tantinet. Il s’en sort particulièrement bien dans un morceau de bravoure où un terme sur trois est en anglais. Voici un garçon à suivre… Côté filles, Lola Marois accomplit une prestation solide, pleine de fraîcheur et d’enthousiasme, et Ariane Mourier est très convaincante dans son intervention. Sa confrontation avec sa rivale est finalement empreinte de beaucoup d'humanité. des deux côtés, d'ailleurs...

Nonobstant une réserve très personnelle qui concerne le passage où Jean-Marie Bigard effectue un transfert et joue lui-même à la parturiente – ça fait vraiment trop farce – je pense que cette comédie sympathique va trouver son public sans trop de problème car on se laisse facilement emporter par la belle énergie déployée par ce quintette de comédiens absolument réjouissants.

François-Xavier demaison s'évade

2011-10-01T12:54:00.004+01:00

Gaîté Montparnasse
26, rue de la Gaîté
75014 Paris
Tel : 01 43 22 16 18
Métro : Edgar Quinet / Gaîté

Spectacle écrit par François-Xavier Demaison, Samuel Le Bihan, Mickaël Quiroga, Eric Théobald
Mis en scène par Eric Théobald

Le pitch : Après Demaison s’envole, retrouvez François-Xavier Demaison dans son nouveau spectacle Demaison s’évade. Il se promène de personnage en personnages en posant un regard acerbe et insolent sur le monde d’aujourd’hui. Il nous embarque pour un voyage initiatique entre le passé et le présent. Entre les bulles de champagne et les bulles spéculatives, trouvera-t-il des bulles d’oxygène ? Mais, surtout, Bitou le castor échappera-t-il au fameux serial killer québécois Arthur Hache ?...

Mon avis : En quatre années, François-Xavier Demaison a beaucoup changé. On peut dire qu’il s’est construit. Il s’est d’abord construit une solide filmographie avec une quinzaine de longs métrages plutôt estimables dont une prestation tout-à-fait ahurissante dans le personnage de Coluche. Ensuite, il s’est construit un personnage. Après s’être « envolé » en 2007, il a pris de la hauteur, de l’assurance et donc de l’envergure. Son nouveau one-man show, Demaison s’évade, en est la résultante.

Bien dans sa tête et bien dans son corps, il nous propose un spectacle varié, rythmé, dynamique, qui repose sur une galerie de portraits… Et il attaque fort en campant la propriétaire française d’une maison d’hôtes dans une palmeraie marocaine. Avec un naturel teinté de snobisme, elle profère quelques abominations dont elle ne se rend même pas compte de ce qu’elles contiennent comme propos racistes, comme mépris vis-à-vis des autochtones. Et ce n’est pas son pauvre mari handicapé qui pourra la contredire. Ce sketch à l’humour grinçant lui permet en outre de se livrer à une suave chorégraphie berbère. Le ton est donné, François-Xavier a choisi pour armes le cynisme, la sournoiserie, la mauvaise foi et l’humour noir… Il enchaîne aussitôt avec un tout autre propos en abordant la vie de couple où il développe entre autres les méfaits du portable… Le troisième sketch, avec la crise pour thème central, démontre l’étendue de ses progrès. Il se révèle excellent mime… Très à l’aise avec son corps, il occupe la scène avec maestria, joue avec nous.
Les sketches se succèdent à toute allure. Avec une grande virtuosité et un visage très expressif, il aligne les personnages, passant d’un sexe à l’autre, d’une génération à l’autre (ah le papy qui parle djeun !), il maîtrise tous les accents, italien québécois. Son sens très aigu de l’observation l’entraîne à dénoncer différents comportements, le plus souvent nos turpitudes, nos travers ou nos tics. Il est très juste lorsqu’il se mue en maître d’hôtel compassé et onctueux dans un restaurant étoilé. C’est tellement vrai.

Demaison s’évade… C’est encore plus évident quand, après nous avoir servi un chapitre sur la prison, il s’écrie : « Je suis libre » ! Il nous met dans sa poche et nous emmène avec lui dans son échappée belle. Finalement, l’évasion vaut autant pour nous que pour lui… J’avais aimé moyen son tout premier spectacle. Je l’avais jugé trop inégal. Ici, il atteint un très bon niveau avec une réelle constance. Et puis, il est tellement sympathique et généreux.

Le Paradis sur terre

2011-09-27T14:11:00.004+01:00

Théâtre Edouard VII
10, place Edouard VII
75009 Paris
Tel : 01 47 42 59 92
Métro : Opéra / Madeleine / Auber

Une pièce de Tennessee Williams
Adaptée par Jean-Michel Déprats
Mise en scène par Bernard Murat
Décors de Nicolas Sire
Avec Johnny Hallyday, Audrey Dana, Julien Cottereau

L’histoire : Mississippi, années 60. Le cyclone menace. Dans une ferme du delta, deux demi-frères s’’affrontent. Ils se disputent la maison… et la femme. Tout autour, les eaux montent…

Mon avis : Avant d’aborder la prestation des comédiens proprement dite, parlons de la scénographie très originale qui sert de générique. On est au cinéma… Un homme, grand et brun, rentre chez lui à pied. En route, il croise un couple de fermier à bord d’une camionnette. Ils fuient le delta parce que l’inondation menace. Lui, il n’en a cure. Ce ne sera pas la première fois qu’il fera face aux éléments. Il tient à sa maison, pas question pour lui de l’abandonner, c’est son seul bien… Il pénètre chez lui. Et le film s’efface pour laisser place au théâtre…
Un jeune couple fraîchement marié – elle porte encore sa robe de cérémonie – entre à son tour dans un salon qu’en gloussant elle trouve très « raffiné ». Son compagnon ne semble pas partager son enthousiasme. Le garçon s’affale dans un canapé, apparemment épuisé. Il subit avec une totale indifférence l’extrême exaltation de sa jeune épouse. Elle, amoureuse et débordante de sensualité, cherche à le provoquer, à l’exciter. Mais il reste de marbre. Jusqu’à ce qu’un bruit parvienne de la cuisine interrompe le babil et les câlins de la jeune femme…
Et là, il faut parler du décor. Le salon pivote sur lui-même pour faire place à la cuisine. C’est aussi ingénieux qu’efficace. Car ces deux pièces, surmontées d’une chambre à coucher en mezzanine, vont aussi avoir leur rôle à jouer…

Le Paradis sur terre va voir s’affronter trois personnages totalement dissemblables dans un huis-clos violent et étouffant. Plusieurs menaces pèsent sur leurs têtes : l’inondation bien sûr, imminente, et la mort, car Loth, le jeune marié, est miné par la tuberculose. Il y a donc un sentiment d’urgence. Tiraillée entre les deux hommes, comment la jeune femme va-t-elle s’en sortir ?

Venons-en maintenant à ce qui fait que cette pièce bénéficie d’une attraction toute particulière : la présence de Johnny Hallyday pour la première fois sur les planches d’un théâtre… Et bien sans complaisance aucune, il tire formidablement son épingle du jeu. Il est en tout point impeccable et… crédible. Le seul reproche que je lui ferai c’est, parfois, de crier un peu trop fort (mais c’est peut-être là le vouloir du metteur en scène). Je crois qu’il serait encore plus menaçant s’il ne s’emportait pas. En dehors de cette infime remarque, il n’y a qu’à saluer une performance vraiment remarquable. Pour interpréter Chicken le Métis, Johnny s’est teint en brun. Ce qui lui permet aussi de s’éloigner de son image blonde de rock star. Très vite, j’ai oublié le chanteur pour ne plus voir qu’un acteur. Et un bon ! Il est sobre, il est juste, autant dans le ton que dans le geste. Il s’est véritablement approprié le personnage de Chicken. Dans sa violence (il se dégage de lui une force animale impressionnante et sans doute très attirante aussi pour une jeune femme), mais aussi dans la vulnérabilité que le sang noir qui circule dans ses veines lui a communiquée. Rejeté par la société, il n’a d’existence propre que dans SA maison. Une maison qui ne lui appartient hélas pas tout-à-fait. C’est là le nœud gordien de l’intrigue. Johnny a là un rôle à sa (dé)mesure. Sur une scène, il est sur son terrain de jeu de prédilection. C’est là qu’il se sent le mieux. Il est chez lui. Le voir ainsi évoluer aussi à l’aise, est une des très bonnes surprises de ce drame tennessien. On peut regretter qu’il ait pris quelques années car il serait fantastique dans la reprise de son spectacle musical Hamlet. Il en a aujourd’hui l’envergure et le potentiel…

En même temps, Johnny ne serait pas si bon s’il ne bénéficiait pas de la présence d’une comédienne proprement époustouflante en la personne d’Audrey Dana ! Quelle générosité ! Quel abattage ! Quelle prise de risques ! Elle est en permanence border line. Son personnage est un robinet à paroles. C’est comme ça qu’elle existe ; en parlant. Quitte à dire n’importe quoi et surtout des bêtises. Naturellement provocante dans ses tenues affriolantes, avec juste un poil de vulgarité, elle fait inévitablement penser aux starlettes des années 60… Plus encore que Johnny, elle est la vedette de cette pièce. Si elle n’est pas nommée pour les Molières, je n’y comprendrais plus rien.

Quant à Julien Cottereau, il est le parfait opposé de Johnny. Il campe un fi-fils à sa maman maniéré, souffreteux, fragile, et en même temps manipulateur. Il exerce sur sa jeune épouse un chantage éhonté. L’opposition entre les deux demi-frères est spectaculaire.

Avec le choix de ces trois comédiens, on ne peut que souligner la perfection du casting. Après l’avoir vue, on a du mal à imaginer cette pièce avec quelqu’un d’autre. On vit donc une fois encore – merci à cette belle rentrée – un grand moment de théâtre.

Maintenant, on ne peut passer sous silence la présence dans le public de dizaines de fans venus applaudir leur idole. A un moment, Johnny se met à fredonner une petite ritournelle en empoignant une guitare. C’est immédiatement l’hystérie. Certains font l’amalgame entre le personnage de Chicken et l’interprète de Toute la musique que j’aime. C’est une sacrée faute de goût. J’en ai vu aussi qui, malgré l’interdiction formulée avant le lever de rideau, qui ne pouvaient s’empêcher de sortir leur appareil photo pour immortaliser Leur Johnny dans ce nouvel exercice. En même temps, même si c’est parfois un peu irritant, il y a ce côté définitivement sympathique du lien qui unit Johnny à ses fidèles. Ils se méritent l’un et les autres car ils ne trichent pas. Ni lui, ni eux...

L'Ouest solitaire

2011-09-27T11:27:00.004+01:00

Théâtre Marigny
Salle Popesco
Carré Marigny
75008 Paris
Tel : 0 892 222 333
Métro : Champs-Elysées Clémenceau

Une pièce de Martin Mc Donagh
Adaptée et mise en scène par Ladislas Chollat
Avec Bruno Solo (Valene), Dominique Pinon (Coleman), Pierre Berriau (le père Welsh), Elsa Rozenknop (Girleen)
Décors d’Emmanuelle Roy
Costumes de Christiane Chollat et Doby Broda

L’histoire : A Lennane, petit village perdu au Nord-ouest de l’Irlande, les deux frères Connor, Coleman et Valene, viennent d’enterrer leur père avec qui ils vivaient jusqu’alors. Sans réelles activités, si ce n’est celles de regarder la télé ou de feuilleter des magazines, sans aucune relation sentimentale ou familiale, ils se retrouvent face-à-face dans leur modeste maison pour gérer le quotidien.
Pour une raison encore mystérieuse au début de la pièce, à l’un, tout a été légué, à l’autre, rien.
La haine que les deux frères ressentent l’un pour l’autre depuis l’enfance éclate avec une telle force que le prêtre du village, le père Welsh, a bien du mal à empêcher le pire…

Mon avis : Voici une pièce particulièrement éprouvante dans laquelle, paradoxalement, on rit très fréquemment. Certes, ce n’est pas du grand rire frais à se taper sur les cuisses. Nous ne sommes pas dans la gaudriole. Cette balade irlandaise aux accents tragi-comiques nous confronte à travers ses quatre protagonistes à la vie étriquée et un peu sordide d’un véritable quart monde. Les deux frères Connor ne s’embarrassent pas de fioritures. Quand ils s’expriment, ils utilisent un langage direct, abrupt, cru et, involontairement, très imagé. Nourries sur le terreau de l’animosité, voire de la haine, les répliques sont assassines. Les insultes fusent. Et comme ils sont particulièrement limités, ce sont toujours les mêmes injures qui giclent. Leur préférée étant « espèce d’enculé de pédé de puceau ». Difficile d’être plus exhaustif !

Bien qu’adultes, Coleman et Valene sont restés deux sales gosses frustres er primaires. L’aîné, Coleman, est particulièrement teigneux et sournois. Il n’a que des défauts. On ne sent pas chez lui une once de générosité ou de commisération. Il n’aime que lui ; il ment comme il respire, cherche en permanence à faire le mal. Et lorsqu’il ne trouve plus d’argument, il n’a d’échappatoire que dans la violence… Valene est un peu plus ambigu. Il est affublé d’une bigoterie bizarre, quasi mystique, qui le pousse à collectionner les figurines saintes. Son plus gros vice, c’est la radinerie. Tout ce qu’il possède, il le marque d’un grand « V » au feutre indélébile. Indélébile comme l’est sa méfiance vis-à-vis de son propre-à-rien de frère.
On assiste à une espèce de combat de chiens avec, pour arbitre, le père Welsh, un prêtre doux, empli de doutes et totalement dépassé par la mentalité de ses ouailles, par autant de misère, par autant de méchanceté chronique.
Du début à la fin, j’ai été pris aux tripes par cet affrontement étouffant. Il faut dire que la prestation de Dominique Pinon et Bruno Solo vaut le déplacement. Pinon est complètement habité par son personnage. Il a adopté une voix éraillée, vulgaire, une gestuelle peu ragoûtante. C’est un vrai affreux. Une fois encore il est magistral… Bruno Solo, lui, compose donc un personnage plus nuancé. On ne dira pas plus sympathique car lui aussi ne vaut pas tripette. Il a un vrai mauvais fond. Il est calculateur, rancunier et vindicatif. Mais il est juste un degré en dessous de son frangin sur l’échelle de la méchanceté pure.

Coleman et Valene sont deux très beaux rôles pour des comédiens. Forts et éprouvants. Très physiques… Dans la salle retentissent ça et là des petits rires brefs et nerveux. Parfois on entend même un petit cri d’horreur à peine étouffé.
Pierre Berriau, dans le rôle du prêtre, joue sur le registre de la fragilité, de la sensibilité. Sa foi, qui est indéniable, est considérablement ébranlée par une sauvagerie ambiante qu’il ne comprend pas et rejette. Sa grande mansuétude est petit-à-petit érodée par la férocité aveugle de ces deux crétins. Il est tellement obnubilé par sa tentative de sauvetage de ces deux âmes perdues qu’il néglige l’appel au secours, l’appel à l’amour de Girleen. Sous son apparence dévergondée, derrière une vulgarité qui est en fait de l’autodéfense, se cache une fille perdue. Il en faudrait peu pour qu’elle soit sauvée. Mais dans cet ouest-là, dans ce no man’s land déshérité, le destin ne fait pas de cadeau.
Dans cette pièce, la tension ne cesse de monter. On se demande jusqu’où ces deux énergumènes vont aller pour résoudre leurs différends. Leur profonde amoralité est une sorte de cancer qui les ronge, qui s’offre une apparente rémission vers la fin de la pièce… Et puis… Et puis je ne vous en dirai pas plus.

Par la grâce de deux comédiens totalement investis, on vit un grand moment de théâtre dans la très agréable salle Popesco du théâtre Marigny ; agréable en raison de la proximité que l’on a avec les acteurs. Ils nous cueillent à bout portant… Bien sûr, mieux vaut aimer un certain humour noir et désespéré pour jouir pleinement de cette tragédie. Personnellement, je vous la recommande vivement.

André le Magnifique

2011-09-23T12:33:00.003+01:00

Théâtre Michel
38, rue des Mathurins
75008 Paris
Tel : 01 42 65 35 02
Métro : Havre-Caumartin / Auber

Une comédie écrite par Isabelle Candelier, Loïc Houdré, Patrick Ligardes, Denis Podalydès, Michel Vuillermoz avec la complicité de Rémi De Vos.
Mise en scène par Didier Caron
Décors de Sébastien Barbaud
Costumes de Nathalie Cognoquatorze plus tard
Avec Didier Caron (André), Didier Constant (Alexis), Jean Fornerod (Norbert), Marie-Hélène Lentini (Janine), Xavier Letourneur (Jean-Pascal Faix)

L’histoire : Pour sauver leur petit théâtre de la destruction, le maire d’un village du Gers et sa femme décident de monter une pièce retraçant l’épopée héroïque du Chevalier Saint-Germaine. Ils engagent alors un comédien professionnel en provenance de Paris pour interpréter le rôle du Chevalier, aux côtés de comédiens amateurs qui sont les employés municipaux…

Mon avis : Attention succès ! Cette pièce créée en 1997 a remporté l’année suivante 5 Molières ‘Meilleur spectacle, Meilleure pièce, Meilleur auteur, Révélation féminine, Révélation masculine) et 2 nominations.
Très bonne idée donc que de la reprendre quatorze ans plus tard avec une toute nouvelle distribution car, de nouveau, la magie opère. Voir et entendre une salle secouée de rires incoercibles est un pur bonheur. Et si cette bouffonnerie hilarante fonctionne, elle le doit au quintette de comédiens qui assurent la relève de leurs glorieux aînés. Ils sont impayables ces cinq là. C’est plus leur jeu que l’histoire qui nous fascine. Chacun dans son registre exécute un numéro de haute voltige. Analysons-les dans l’ordre de leur entrée en scène.

Didier Caron, non content d’assurer la mise en scène, endosse le rôle délicat d’André. Pour le concrétiser il s’est construit de A à Z un personnage. Il marche les pieds en dedans, il est emprunté avec ses bras (il les croise souvent en signe de perplexité), il est hésitant, lunaire, il souffre d’un décroché de mâchoire chronique, mais en même temps c’est quelqu’un de scrupuleux, de foncièrement honnête et qui est plein de bon sens. Il ne faut pas chercher à lui en raconter ou à le mépriser… Dans sa candeur fragile, dans sa totale sincérité, il fait parfois penser à Bourvil.

Didier Constant apporte au personnage d’Alexis, le maire du village et auteur de la pièce, tout son sérieux. C’est un brave homme, profondément humain, tout entier investi dans sa mission. Par la force des choses, il est l’homme orchestre de cette opération sauvetage. Il est aussi très touchant. D’abord lorsqu’il entend les mots qu’il a écrits proférés par un acteur professionnel. Ensuite, quand il croit que son amour est menacé. Il déclenche en nous un réel sentiment de sympathie.

Jean Fornerod est Norbert. Des Norbert comme celui-ci on a tous rencontrés. C’est un employé municipal un peu simple, un homme à tout faire dévoué et plein de bonne volonté, en quête permanente de reconnaissance, mais qui est habité par une susceptibilité maladive. Par son souci d’exister, avec ses initiatives plus ou moins judicieuses, il est aussi énervant qu’attachant.

Xavier Letourneur ne joue pas Jean-Pascal Faix. Il EST Jean-Pascal Faix tant il est impressionnant de véracité (et de voracité). Quelle prestation ! C’est le cabot dans toute sa splendeur. Il est pédant, prétentieux, grandiloquent à en devenir insupportable. Tel un paon, il se gonfle d’importance. Il sait qu’il a une certaine prestance qui en impose à ces « ploucs ». Et puis il a cette voix, organe tumultueux et rugissant qui impressionne ces braves gens. Alors, sans scrupules, il va user et abuser de son aura… Néanmoins, quand il s’aperçoit qu’il a été trop loin, qu’il s’est montré trop odieux, il va parfois faire preuve d’une certaine fragilité.

Seule femme de la pièce, Marie-Hélène Lentini tient un rôle clé. Non seulement Janine est l’épouse du maire, mais elle est aussi la partenaire de Jean-Pascal Faix. Elle a un personnage tout en finesse. Même s’il lui arrive d’être troublée par la cour éhontée que lui fait son creux chevalier, elle garde les pieds sur terre. Avec sa tirade, dont je vous laisse le plaisir de la découverte, elle s’est vue offrir un sacré morceau de bravoure qui frise l’anthologie. On peut parler de véritable performance.

Cette pièce a des accents et des répliques dignes d’un Marcel Pagnol du Sud-ouest. Il y a et l’ezagération et la tendre humanité, le burlesque, le loufoque, et les sentiments. On peut aussi citer quelques effets spéciaux propres aux grosses productions, à savoir des changements de décors à vue et la présence sur scène d’animaux domestiques (une vache) ou sauvages (un ours). C’est dire le budget ! En tout cas, on se paye une sacrée tranche de rire, d’un rire frais et spontané de gamin qui fait vachement du bien. Mais quels comédiens !!!!... Et si les Molières 2012 remettaient ça ? Ce serait magnifique pour André...

Simplement complexe

2011-09-23T10:28:00.003+01:00

Comédie de Paris
42, rue Fontaine
75009 Paris
Tel : 01 42 81 00 11
Métro : Blanche

Une comédie de Philippe Elno
Mise en scène par Pierre-François Martin-Laval
Avec Philippe Elno (Christophe), Denis Maréchal (Norbert), Fabienne Galula (Natacha)

Synopsis : Christophe a une vie palpitante… sur internet ! Il y a même rencontré l’amour. Seulement voilà, le « net » est en panne. Et Norbert, technicien chez simplecom.com, ne peut rien faire pour rétablir le contact. Emu par la détresse de son client, il va tout mettre en œuvre pour sortir du virtuel une histoire qui peut vivre et tenter d’aider le destin d’une rencontre sans point com…

Mon avis : J’avais déjà beaucoup aimé L’Abribus la précédente comédie écrite et interprétée par Philippe Elno. Cet homme a un univers très personnel, plein de tendresse, de poésie, de cocasserie aussi et surtout.
Pour moi, Philippe Elno est le fils caché que Pierre Richard aurait eu avec Pierre Etaix. Simplement complexe, c’est Le Distrait qui joue au Soupirant… Mais les temps ont changé. Les fantasmes, le romantisme s’expriment aujourd’hui sur le net. On communique, on se répand, on ose et on tombe amoureux sans se connaître du tout. Chacun peut se construire son double idéal et s’offrir des vies palpitantes par procuration.

C’est le cas de Christophe. A peine sorti de son divorce et installé dans sa nouvelle garçonnière mansardée, qu’il tente de reprendre le lien qu’il a tissé sur la toile avec Natacha. Las, son serveur, Simplecom.com, n’a pas enregistré son changement d’adresse. Et le pauvre est déconnecté de son irréalité. Après avoir tenté en vain de résoudre son problème par téléphone, c’est l’irruption de Norbert, un technicien en chair et en os qui va bouleverser ses plans les plus intimes.
Cette comédie ne cesse de monter en puissance au fur et à mesure que le plateau se peuple. C’est facile, on peut la diviser en trois parties : 1/ Christophe se débat dans un entretien kafkaïen avec les gens de Simplecom.com. 2/ Norbert tape l’incruste, se prend d’affection pour son client et prend carrément les choses en main. 3/ Natacha fait son apparition…
La situation est banale, toute simple. Christophe, Norbert et Natacha sont des gens comme nous, emberlificotés dans leur quotidien, dans leur petite vie chafouine. Ils sont tous les trois un peu paumés. Leur association va alors décanter la crise qu’ils vivaient sans trop en avoir conscience. Chacun va être un révélateur pour l’autre. Il y a beaucoup d’humanité dans cette pièce. On s’attache à nos trois antihéros, si gauches, si peu armés, si fragiles. Christophe le doux rêveur, et le pragmatique Norbert, vont se sentir soudain plus forts grâce à l’autre. Le duo fonctionne admirablement.

S’il fonctionne si bien, c’est par la grâce des comédiens. Pour jouer des gens aussi quelconques, il faut à la fois faire preuve de beaucoup de recul et de subtilité. Ils ne tombent jamais dans la caricature. Confondants de naturel, ils existent réellement. On s’attache tout de suite à eux tant ils sont sympathiques et touchants.
Philippe Elno et Denis Maréchal se livrent à un superbe numéro de duettistes qui n’est pas sans rappeler les meilleurs tandems du grand écran. Sauf que là, ce sont deux losers qui unissent leur vulnérabilité. Ils sont justes, ils n’en rajoutent pas pour faire des effets. Tout repose sur l’efficacité d’un texte truffé de bonnes répliques… Et puis il y a Fabienne Galula. Avec sa voix pointue, son manque d’assurance, ses gestes empruntés, sa candeur et son franc-parler involontaire, elle se met illico au diapason de ses deux partenaires. Et on se sent bien en compagnie de ces trois paumés en mal d’amour. Nous sommes entre gens normaux.
Simplement complexe est une des belles et bonnes surprises de cette rentrée pourtant très chargée. C’est frais, c’est poétique, c’est naturellement drôle. On sort avec la banane de la Comédie de Paris.
Enfin, si cette comédie est particulièrement réussie, la mise en scène de Pierre-François Martin-Laval (le PEF des Robins des Bois) y est pour beaucoup. Il faut dire que son univers est très proche de celui de Philippe Elno. Ces deux là parlent le même langage et cela se ressent.

Le Songe d'une nuit d'été

2011-09-22T15:20:00.004+01:00

Théâtre de la Porte Saint-Martin
18, boulevard Saint-Martin
75010 Paris
Tel : 01 42 08 00 32
Métro : Strasbourg Saint-Denis

Une pièce de William Shakespeare
Mise en scène par Nicolas Briançon
Décors de Bernard Fau
Costumes de Michel Dussarat
Avec Lorànt Deutsch (Puck), Mélanie Doutey (Titania), Yves Pignot (Bottom), Marie-Julie Baup (Héléna), Davy Sardou (Démétrius), Nicolas Briançon (Obéron), Laurent Benoit, Ofélie Crispin, Dominique Daguier, Thibault Lacour, Léon Lesacq, Maxime Lombard, Thierry Lopez, Jacques Marchand, Elsa Mollien, Carole Mongin, Maurine Nicot, Jessy Ugolin, Anouk Viale, Floriane Vincent.

L’histoire : Lysandre veut épouser Hermia ; Hermia veut épouser Lysandre… Donc tout va bien. Et bien non… car Egée, le père d’Hermia, la destine à Démétrius, dont Héléna est amoureuse.
Pour échapper à Egée, Lysandre et Hermia s’enfuient dans la forêt, poursuivis par Démétrius, lui-même poursuivi par Héléna. Pendant ce temps, dans la forêt, Oberon, roi des Elfes, a ordonné à son fidèle Puck de verser une potion magique sur les paupières de sa maîtresse Titania pour la punir de sa désobéissance. Mais Puck se trompe et verse cette potion sur les paupières des jeunes amants… Ceux qui s’aimaient se détestent… Et vice-versa… Ajoutons à cela une bande de comédiens amateurs venus répéter leur pièce dans la forêt. S’en suit la confusion la plus totale. Puck va tout faire pour réparer son erreur et pour que tout rentre dans l’ordre.

Mon avis : Et bien, mon sentiment est partagé.
J’ai eu un petit problème. Autant mes yeux furent enchantés, autant mes oreilles ne le furent point… Je m’explique.
On va donc préalablement aborder ce souci et ensuite on ne parlera que de ce qui est franchement positif et emballant dans cette pièce… Paradoxalement, j’ai souffert avec le texte de Sir William. Trop riche, trop dense, trop foisonnant, trop allégorique, trop métaphorique. Les éléments, la faune, la flore, tout y est trop abondamment traité. Au détriment, bien sûr de l’action. Il y a quelques monologues – bien sûr superbement écrits et remarquablement dits – qui cassent le rythme. Niveau analyse de texte, c’est super, mais à cette époque où la zapette est reine, on aime bien aller à l’essentiel. Face à cette logorrhée, on a tendance à décrocher pour n’en retenir que la mélodie sans trop écouter les paroles. Mais, rassurez-vous, cela ne nuit aucunement à la compréhension. Même si l’histoire, faisant la part belle à la magie et au surnaturel, est quelque peu abracadabrantesque, on la suit sans effort et avec un certain amusement… Un critique pisse-froid reprochait à Mozart d’utiliser trop de notes, ici on peut faire grief à Shakespeare d’utiliser trop de mots…
Ce sera là ma seule critique négative à l’encontre de ce spectacle qui, sur le plan justement purement spectaculaire, m’a emmené au ciel.

Nicolas Briançon nous offre un formidable « wood movie ».
Dans une forêt joliment stylisée vont s’ébattre pour notre plus grand plaisir une vingtaine de personnages. L’action se passe à une époque franchement connotée : les années 70. Et là, il faut saluer bien bas l’esthétique des costumes recréés par Môssieu Michel Dussarat. C’est Courrèges qui a rencontré le Grand Magic Circus. D’ailleurs la mise en scène si follement créatrice et imaginative de Nicolas Briançon, Jérôme Savary ne l’eût point désavouée. Comme je l’ai signalé en préambule, on en prend plein les mirettes. Elle était vraiment superbe cette mode des Seventies. Surtout pour les femmes. Il y a également un clin d’œil assumé (l’affiche l’annonce) du côté de Chapeau melon et bottes de cuir. Quant à Obéron, que joue Nicolas Briançon lui-même, il a un petit côté Orange Mécanique qui donne le frisson… Sincèrement, les costumes sont très, très beaux.

Le premier tableau, dans une homogénéité de noir et blanc est aussi superbe qu’inattendu. On comprend plus tard qu’on a affaire à des fées.
L’histoire, que l’auteur a voulue confuse, se complète de façon gigogne par une pièce dans la pièce avec la présence d’une troupe de comédiens (très) amateurs. Leur première apparition, rideau baissé, est un grand moment de drôlerie car ces cinq gaillards sont particulièrement hauts en couleurs. Yves Pignot, dans le rôle de Bottom est à lui seul un spectacle. Quel prodigieux cabot ! Quelle présence et quelle autodérision. Du grand art.
Il y a une autre comédienne qui, à mon goût, tire magnifiquement son épingle du jeu. C’est Marie-Julie Baup, dans le rôle d’Héléna. Chacune de ses apparitions est un enchantement. Elle apporte un petit plus indéniable. Son naturel est confondant, son jeu très moderne.
Mais tous les protagonistes de ce Songe sont en tous points excellents.
Lorànt Deutsch, lutin bondissant et facétieux, est un Puck parfait. Mélanie Doutey est belle, fraîche et mutine à souhait. J’ai beaucoup apprécié le jeu très convaincant des acteurs qui incarnent Lysandre, Hermia et Démétrius (Davy Sardou). Nicolas Briançon, le prince noir de la Nuit, est aussi énigmatique que majestueux.

Le Songe d’une nuit d’été est un spectacle total, un judicieux mélange des genres. Le texte un peu vieillot est littéralement boosté par le rythme et la musique. Ça nous aide à le digérer. On passe du disco de Barry White à une délectable berceuse (Lulluby) interprétée en live, et on assiste même à un ballet digne de la grande époque des Folies Bergère. Les comédiens s’en donnent à cœur joie. C’est un maelström de trouvailles, un foisonnement d’idées. Un très grand et très beau show qui se termine en une énorme face jubilatoire.

Didier Bénureau "Indigne"

2011-09-19T11:57:00.006+01:00

Le Splendid
48, rue du Faubourg Saint-Martin
75010 Paris
Tel : 01 42 08 21 93
Métro : Strasbourg Saint-Denis

One-man show imaginé par Didier Bénureau
Textes de Didier Bénureau, Eric Bidaud, Dominique Champetier, Anne Gavard
Mise en scène de Dominique Champetier

Avant-propos : « J’étais énervé… C’est le spectacle d’un type énervé. Par tout : moi, l’actualité, la vie, les gens, tout ! Donc, quand on est énervé, on dit des choses qu’il ne faut pas dire. Quand on est énervé, on ne réfléchit pas. D’ailleurs, quand je réfléchis, il n’en sort jamais rien de bon. Il vaut mieux que je dise n’importe quoi ; bizarrement, c’est mieux.
Je me demande s’il n’y aurait pas en moi un petit homme colérique, plus malin que moi, plus méchant, plus grossier, plus tordu que moi, qui dirait des choses indignes et qui me forcerait à jouer ces choses indignes… Voilà. En fait, c’est ça. Moi je n’y suis pour rien. C’est pas moi, c’est lui. Ça ne peut pas être moi qui ai écrit des trucs pareils… »

Mon avis : Attention, cet homme est fou. Complètement barge. Irrémédiablement barré. Il nous entraîne dans son monde à lui, un univers peuplé de personnages lamentables, affligés de toutes sortes de vices et de turpitudes. Inutile n’énoncer toute une litanie de tares et de défauts car ils sont tous réunis dans ce spectacle réellement « indigne ». Pour ça, il porte bien son titre. Affreux, sales et méchants, les personnages que Bénureau incarne on les dirait tout droit sortis d’une BD de Reiser ou de Vuillemin. C’est dire s’il va loin. Très loin même. Il nous entraîne au-delà des limites de la bienséance ; il piétine et bafoue le politiquement correct avec une jubilation perverse. Il est fielleux, teigneux, ignoble, sadique, cynique, vicieux, et j’en passe. Ce type est carrément immonde. Et pourtant…
Pourtant, avec sa bonne bouille lunaire, son physique de moinillon jovial, il peut tout se permettre… On est effarouché, parfois révolté, on s’offusque… Et on aime ça. On a tous en nous un sale gosse qui raffole des horreurs. Et Bénureau nous en offre tout un florilège.
Bénureau ? Et si ce n'était pas lui ? On a l'impression que le Bénureau qui surgit sur la scène est un autre. On dirait le grand frère de la gamine de L'Exorciste. Cet homme-là est habité par le Malin. Sa voix change, prend des intonations inquiétantes, part dans les aigus, se fait vomissante... Et son corps aussi semble échapper à tout contrôle. Il se contorsionne, bondit, chaloupe... Ce dédoublement de la personnalité est véritablement impressionnant.

En pleine forme physique – il ouvre son show avec une chorégraphie carrément jacksonienne – il va, pendant une heure et demie, nous entraîner dans sa galerie de monstres. Le robinet à insanités est grand ouvert…
Ses trois premiers sketches sont directement inspirés par l’actualité. Il campe d’abord un ambassadeur français en Tunisie plus raciste que lui tu meurs, puis un chanteur lyrique légèrement abîmé par un séjour à Fukushima, avant d’aborder le thème de la Crise avec un mépris pour les pauvres pour lequel le qualificatif « indécent » est un doux euphémisme… Or, on ne peut toutefois s’empêcher d’y noter un fonds de vérité bien inquiétant.
Il enchaîne avec un sketch sur le fantasme particulièrement gonflé et osé. Mais, fraternité masculine oblige, aucun homme dans la salle ne pourrait se permettre de lui lancer la première pierre… Après un vibrant éloge d’une boucherie délicate et romantique, il s’amuse à brosser le portrait de l’homme et de la femme de droite et à analyser ce qui les oppose à la famille de gauche… Ensuite il campe un gamin qui s’exprime formidablement bien, qui a un avis sur le terrorisme et qui prend la défense de Julien Coupat, avant d’enchaîner avec un sordide écrivain cocaïnomane, et de terminer avec une femme de député alcoolique particulièrement croustillante et pathétique…
Entre temps, il s’est adonné à une autre de ses passions, la chanson. Il en interprète deux. Mais il est tout à fait inutile de lui réclamer son tube, Moralès, il restera sourd à vos demandes. Pour lui, la page est tournée (surtout que la majorité des gens dans la salle se trompaient en hurlant « Gonzalès » au lieu de Moralès, ce qui est une grave faute de goût)

Didier Bénureau est avant tout un sacré comédien. Dans ce spectacle entièrement nouveau, il nous impressionne par son incroyable éventail de jeu, par sa gestuelle unique, ses grimaces, ses silences, ses regards entendus. Il est vraiment unique dans ce registre. Bien sûr, il faut aimer l’humour noir, la gaudriole, l’irrévérence… Si tous les personnages de Bénureau sont délicieusement « indignes », sa performance d’acteur est, elle, parfaitement digne de respect.

L'Intrus

2011-09-18T16:05:00.003+01:00

Comédie des Champs Elysées
15, avenue Montaigne
75008 Paris
Tel : 01 53 23 99 19
Métro : Alma-Marceau

Une pièce d’Antoine Rault
Mise en scène par Christophe Lidon
Décor de Catherine Bluwal
Costumes de Claire Belloc
Avec Claude Rich, Nicolas Vaude, Jean-Claude Bouillon, Delphine Rich, Chloé Berthier

L’histoire : Henri, savant spécialiste du cerveau, croit devenir fou quand il découvre à côté de lui dans son lit un étrange jeune homme qui lui propose un pacte diabolique : une dernière jeunesse et quelques instants de bonheur en échange de sa vie…

Mon avis : Il n’y a que le théâtre qui peut nous procurer des sensations aussi intenses. Lorsqu’il y a une parfaite alchimie entre un texte intelligent, une histoire aussi audacieuse qu’intemporelle, une mise en scène ingénieuse et des comédiens au sommet de leur art, on ressent un plaisir rare.
Dans L’Intrus, tous ces ingrédients sont réunis. L’histoire d’abord… S’amuser sans vergogne à parodier Faust, s’en servir comme d’un trampoline pour donner à l’action de multiples rebonds inattendus, lui donner légèreté et apesanteur et moderniser ce thème né au 16è siècle et devenu un grand classique, c’est à un exercice de style très brillant que s’est livré là Antoine Rault. Dire que c’est très « malin » peut être lu ici dans les deux acceptions du terme, l’adjectif et le substantif. L’aspect relativement abstrait du pacte passé avec le diable est habilement gommé par la menace bien concrète qu’est la maladie d’Alzheimer qui s’introduit sournoisement dans les synapses d’un savant qui a consacré sa vie à étudier… le cerveau. C’est-t-y pas un peu tordu, ça ?
Nous suivons en permanence les questions que se pose Henri (Claude Rich), cet éminent professeur. Ses doutes, ses assurances, ses regrets… Nous sommes dans sa tête et on comprend aisément qu’il soit totalement déboussolé par l’irruption de cet Intrus dans son intimité. D’abord étranger et mystérieux, il devient de plus en plus proche de lui jusqu’à en devenir le double parfait. A la fois le jeune homme qu’il a été et sa propre conscience. C’est de la haute voltige spirituelle.

Remarquable astuce de mise en scène, la présence de miroirs amène un surcroît de confusion tout en aidant à la compréhension et en apportant parfois une dimension onirique. Dans ce jeu de miroirs, les êtres se reflètent, disparaissent, se dédoublent, le présent et le passé se confondent. On n’est déstabilisé, mais jamais perdu… Il faut également saluer l’idée de la costumière d’avoir su jouer essentiellement avec trois couleurs : le blanc et, surtout, le rouge et le noir, qui symbolisent la mort et l’enfer.

Entre Henri et son double, à la fois Méphisto et Jiminy Cricket, s’installe une relation faite d’affrontements, d’esquives, d’attirance et de répulsion. Leurs conversations – souvent carrément métaphysiques – abordent des thèmes essentiels de l’existence comme Dieu, le Diable, la peur de la mort, ce qu’il y a après. Mais il y a aussi le bilan d’une vie. L’épouse, la fille, les femmes et le travail, le travail, le travail…

Evidemment pour interpréter un jeu aussi subtil, aussi retors, il faut de sacrés comédiens, des comédiens qui sachent osciller entre réalité et rêve, qui sachent rendre concret le fil de leurs réflexions. Ils ne sont que cinq, mais ils sont tous admirables. Comme il doit être agréable de donner la réplique à deux acteurs comme Claude Rich et Nicolas Vaude. Si plus de trente ans les séparent, ils sont de la même veine. On s’apparente assez facilement du personnage de Claude Rich car on comprend sa hantise de vieillir, son angoisse devant la menace de cette épée de Damoclès qu’est la maladie d’Alzheimer, de même que l’on se projette nous aussi à l’heure du bilan de notre vie. S’est-on toujours bien comporté ? A-t-on été ou non un bon mari, un bon père. N’a-t-on pas trop tardé à dire aux gens qu’on les aimait ?... Comme d’habitude, le jeu de Claude Rich est, sans jeu de mot, d’une richesse incommensurable. Quelle finesse de jeu ! Sa voix est une douce musique qui sait faire passer tous les sentiments, tous les états d’âme. Et son œil ! Toujours éclairé d’une lueur de malice.
Quant à Nicolas Vaude, une fois de plus, il est époustouflant. Ce rôle est fait pour lui. Il y est comme un poison dans une fiole. Elfe obscur et virevoltant, manipulateur démoniaque, négociateur cynique, il est réellement… diabolique.
Au côté de ces deux seigneurs de la scène, on ne peut que louer la performance de leurs trois complices, Jean-Claude Bouillon en tête. A eux trois, ils jouent plusieurs personnages et ils y apportent une générosité telle qu’on frise la performance.

Très honnêtement, L’Intrus est une pièce d’une grande intelligence, jamais chiante et prétentieuse. On y rit énormément. Et on s’y intéresse d’autant plus qu’elle aborde des thèmes éternels qui nous concernent bigrement. Un véritable enchantement.

Collaboration

2011-09-14T13:06:00.003+01:00

Théâtre des Variétés
7, boulevard Montmartre
75002 Paris
Tel : 01 42 33 09 92
Métro : Grands Boulevards / Bourse

Une pièce de Ronald Harwood
Texte français de Dominique Hollier
Mise en scène de Georges Werler
Avec Michel Aumont (Richard Strauss), Didier Sandre (Stefan Zweig), Christiane Cohendy (Pauline Strauss), Stéphanie Pasquet (Charlotte Altmann), Patrick Payet, Sébastien Rognoni, Eric Verdin

L’histoire : Deux artistes au sommet de la gloire, deux géants : Richard Strauss et Stefan Zweig ! Le premier, proche du régime nazi et se croyant tout puissant et intouchable, non concerné par la politique. Le second craignant au contraire cette politique et la violence qu’elle allait secréter... Ils s’admiraient. Ils créeront ensemble un opéra bouffe inspiré de Ben Johnson, La Femme silencieuse, immense succès arrêté par le régime nazi dès la seconde représentation, le nom d’un juif étant resté sur l’affiche malgré l’interdiction…

Mon avis : Quelle pièce ! Quelle intensité ! Quelle profondeur ! Et quels acteurs !...
La pièce commence en 1931. Nous sommes à Garmisch, en Bavière, dans l’appartement du célèbre compositeur Richard Strauss. Une sommité, une star. Et qui le sait, et qui s’en rengorge. Bien qu’il se lamente devant la maniaquerie de sa femme Pauline question propreté d’être « plus un « mari » qu’un grand compositeur ». Car c’est un sacré personnage la Pauline, une femme très perspicace et qui n’a pas sa langue dans sa poche. Elle le connaît par cœur son brillant époux et elle ne se prive pas de le taquiner tout en lui apportant un soutien et une aide aussi aimants qu’efficaces. Cette relation, dans laquelle aucun des deux n’est dupe, permet beaucoup d’humour – et d’amour – dans le couple…
Pour son prochain opéra, Richard a pour rêve absolu d’avoir le fameux écrivain Stefan Zweig. Mais il le juge inaccessible. Heureusement, Pauline est là qui sait le pousser à tenter sa chance. Et Zweig accepte. Et Zweig vient leur rendre visite…
C’est la rencontre de deux hommes qui nourrissent un immense respect l’un pour l’autre. Mais qui sont terriblement dissemblables. Zweig, c’est l’élégance faite homme. Une élégance tant physique et vestimentaire que morale. Il est franchement austère et un tantinet misanthrope. Strauss est plus rustre, c’est un faux modeste, un excessif, un ogre. Alors que Zweig, très humble, se montre en permanence dans le doute. Plus il hésite et plus Strauss, toujours sûr et content de lui, se montre exigeant et directif. Mais, heureusement, leur talent respectif les réunit et cimente une réelle amitié…

Le premier tiers de la pièce repose sur cette approche, sur la façon dont ces deux monstres sacrés vont pouvoir cohabiter, se comprendre et travailler ensemble. C’est une sorte de round d’observation très bavard, saupoudré de quelques réflexions savoureuses, mais, avouons-le, dans lequel il ne se passe pas grand chose. Pourtant, ce premier tiers était indispensable pour poser la psychologie des deux principaux protagonistes et de jauger le rôle important que tenait Pauline auprès de son mari. Mais j’ai quand même vu un couple, profitant d’un baisser de rideau, s’éclipser en douce. Ils ont eu franchement tort de ne pas attendre l’année 1933 sur laquelle le rideau se rouvrait…

C’est là que la pièce prend soudain une toute autre dimension. En effet, la grande Histoire y fait soudain irruption à travers l’agression que subit Charlotte, l’assistante de Zweig, molestée dans la rue par deux adolescents. Tout simplement parce qu’elle est juive. Très lucide, l’écrivain sait qu’avec la montée du nazisme, son pays entre de plain-pied dans une nouvelle ère. Il essaie de le faire comprendre aux Strauss, mais ceux-ci sont trop tournés vers eux-mêmes, trop égoïstes, trop gâtés pour se sentir concernés. Devant le désir de Zweig d’ « agir selon une exigence morale », Strauss promet de ne jamais le lâcher quoi qu’il arrive. Hélas, les ukases anti-juifs vont bientôt les rattraper et un immonde chantage oblige Strauss à accepter à contrecœur le poste de Président de la Chambre de Musique du Reich. Il est d’autant plus coincé qu’on lui a fait comprendre qu’en cas de refus sa belle-fille, juive elle aussi, pourrait en pâtir…
En dépit de son statut et de l’admiration que lui porte Hitler, Strauss n’a plus aucune marge de manœuvre. Il a beau clamer que « la musique n’a que faire des régimes politiques », il lui faut subir les diktats du nazisme et… collaborer.
La pièce devient alors l’histoire de ces deux hommes face à la grande Histoire. Pour un Zweig intègre, révolté et… juif, c’est à la limite plus facile. Il se sait exposé, il vomit ce régime et ses exactions, il peut au moins se résoudre à l’exil. Mais Strauss est immergé dans le système. Même s’il n’y a que « composer » qui compte pour lui, il est piégé. Ce qu’on lui impose devient kafkaïen. Il a bien quelques sursauts, car c’est foncièrement un honnête homme, mais il est impuissant.
Cette fois, nous sommes totalement happés par les drames qui se nouent devant nous. On comprend ces deux hommes, on les estime et on les plaint. Ce sont des victimes.
Avec eux, nous allons traverser les années de guerre. 1934, 1935, 1942, 1945… pour nous retrouver enfin à Munich en 1948.

Portée par un formidable duo Aumont-Sandre, remarquablement épaulé par une brillante Christiane Cohendy, cette pièce se révèle très, très forte. D’abord parce que ces personnages ont existé et que l’auteur a su rester fidèle à l’histoire. Ensuite parce qu’elle met en scène deux monstres sacrés, deux immenses talents, un dans la musique, Strauss, l’autre dans la littérature, Zweig. La différence de style de ces deux hommes, tant physique que morale, est la colonne vertébrale de cette tragédie. Car c’en est une, et une terrible. Didier Sandre, tour à tour frémissant et exalté donne à Stefan Zweig un formidable épaisseur. Michel Aumont apporte sa générosité et son tempérament pour nous faire comprendre et finalement aimer un Strauss particulièrement haut en couleurs.
Il faut voir Collaboration. Un titre qui se lit dans deux sens : il y a la collaboration purement professionnelle entre Strauss et Zweig, et il y a la collaboration contrainte et forcée du musicien avec le régime nazi. On sort du théâtre des Variétés ému et bouleversé. Et on se surprend, à travers ces deux destins, à croire encore en l’homme.

Fume cette cigarette

2011-09-12T13:53:00.003+01:00

Théâtre des Mathurins
36, rue des Mathurins
75008 Paris
Tel : 01 42 65 90 00
Métro : Havre-Caumartin / Auber

Une comédie d’Emmanuel Robert-Espalieu
Mise en scène par Edouard Molinaro
Assisté de Joëlle Benchimol
Avec Axelle Laffont et Vincent Desagnat

L’histoire : La vie à deux est-elle le premier degré de l’apprentissage de la démocratie ? Ou, au contraire, la prise de pouvoir par l’un ou par l’autre est-elle la conséquence inévitable de la tendre guerre au sein d’un couple en formation ? Fume cette cigarette s’efforce de ne pas répondre à ces questions…

Mon avis : En fait, il ne m’aura fallu que quelques minutes pour comprendre le sens du titre énigmatique de cette pièce. Bon sang ! Mais c’est bien sûr… Il vient de la passion exacerbée que nourrit le héros à l’égard d’Eddy Mitchell, passion qu’il est tout fier d’annoncer à la jeune femme en la compagnie de laquelle il se retrouve pour la toute première fois au restaurant. Occasion de faire plus ample connaissance…
Très vite les deux caractères se dessinent. Autant IL est gauche, timide, gaffeur, maniaque et… exclusif, autant ELLE est fine, malicieuse, enjouée, provocante… et accro à la cigarette. D’ailleurs la conversation va bientôt se focaliser sur cette addiction. Comme ils n’en sont qu’au tout début de leur histoire, il va s’efforcer de se montrer conciliant même si l’on sent que c’est contre nature. En même temps, sans qu’il s’en rende bien compte, sa maladresse, son ton hésitant, sa façon de s’emberlificoter dans ses explications le rendent touchant aux yeux de la jeune femme. Elle, elle sait ce qu’elle veut. Elle a un petit côté amazone et elle n’est pas très encline à s’embarquer dans une aventure avec un mec qui l’empêcherait de respirer… Or, ce mec lui plaît vraiment. Et elle va tenter le coup. Malgré sa dérive intégriste face à une clope dont elle ne peut se passer…

La comédie est fort bien agencée. A travers une succession de saynètes, on suit leur évolution. Soit on assiste à une sorte de noria dans laquelle ils viennent à tour de rôle nous livrer leurs confidences, soit on est les témoins de leurs conversations au fil de leur vie plus ou moins en commun. Du premier désaccord né lors d’un week-end à Bruges à l’inévitable séparation on subit la lente dégradation de leur couple. Et pourtant, grâce aux quelques séquences où ils apparaissent en solo, on sait qu’ils s’aiment. Qu’ils s’aiment vraiment.
Hélas, il ne peut pas supporter d’avoir une rivale. Un paquet de rivales même… Le suspense de la pièce est donc de savoir si l’amour va être plus fort que la névrose. Si leur liaison va avancer « clopin-clopant » jusqu’à partir en fumée, ou si leurs sentiments vont faire un tabac.

Toute la finesse de Fume cette cigarette repose sur cet antagonisme. Le problème n’est pas de savoir s’ils s’aiment, c’est de savoir s’il va réussir à traverser cet écran de fumée qui l’empêche de voir clair et d’être objectif. Pour jouer un jeu aussi subtil, il faut deux comédiens à la fois dissemblables et complémentaires, et surtout très complices. Et là, l’alchimie fonctionne parfaitement. Ils sont vraiment épatants ces deux là, chacun dans un registre propre. Même si on les connaissait déjà, elle pour ses passages délirants à la télévision, lui pour ses prestations au cinéma ou au côté de Michaël Youn, on peut parler de révélation. Le théâtre, ce n’est pas pareil. On n’y a pas droit à l’erreur. Et on peut affirmer qu’ils sont tous les deux armés pour y faire une bien jolie carrière.
Axelle possède de nombreux atouts. Elle est fraîche, mutine, elle a un sourire absolument craquant et elle est très à l’aise avec son corps, ce qui lui permet d’exprimer une sensualité saine et assumée. C’est une féline, à la fois chatte et panthère. Elle peut tout jouer, la drôlerie comme l’émotion. Elle apporte à son personnage une totale crédibilité.
Vincent joue sur un tout autre registre. Il n’abuse jamais de son charme viril. Il aime mettre en avant une certaine fragilité. Son jeu est très, très fin. Autant Axelle se révèle lumineuse et positive, autant il aime jongler avec ses doutes, avec ses hésitations. Ce qui, j’en suis convaincu, a pour effet de le rendre extrêmement attachant aux yeux des dames. Sa palette de jeu est très large. On le savait très friand de gaudriole (Youn oblige), on le découvre tout-à-fait capable de jouer des personnages complexes. Ce gars-là peut sans problème lorgner du côté des personnages shakespeariens ou dostoïevskiens. Il a sans nul doute un sacré potentiel.

Il faut donc le talent conjugué de ces deux comédiens pour nous faire apprécier cette petite comédie d’apparence banale et anodine qui tourne autour du couple et de ses concessions et qui nous en dit mine de rien beaucoup sur les relations hommes-femmes. On n’y rit jamais aux éclats, mais nous sommes en permanence dans le sourire. Ce qui n’est pas plus mal. Enfin, on ne va pas mégoter sur une mise en scène signée Edouard Molinaro. C’est tout de même un sacré gage de qualité, non ?

Charles Aznavour "En toute intimité"

2011-09-12T12:41:00.003+01:00

L’Olympia
28, boulevard des Capucines
75009 Paris
Tel : 08 92 68 33 68
Métro : Madeleine / Opéra / Auber

A 87 ans, Charles Aznavour foule de nouveau la scène de l’Olympia 55 ans après y avoir effectué ses débuts. Il s’y installe pour un mois, du 7 septembre au 6 octobre avant d’entamer une longue tournée – a priori sa dernière - à travers la France.

Le mercredi 7 septembre, la foule des grands soirs se pressait donc pour assister à ce tout premier rendez-vous. Côté célébrités, il y avait du beau monde : Daniel Auteuil, Stéphane Bern, Jean-Claude Camus, Petula Clark, Annie Cordy, Gilbert Coullier, Mireille Darc, Mireille Dumas, Jean-Pierre Foucault, Laurent Gerra, Robert Hossein, Serge Lama, Michel Leeb, William Leymergie, Daniela Lumbroso, Enrico Macias, Frédéric Mitterrand, Nana Mouskouri, Orlando, Line Renaud… Il y avait de l’hommage et du respect dans l’air…

Son entrée, Charles Aznavour nous l’a jouée facétieuse. Tout de noir vêtu, il s’est illico juché sur un grand tabouret pour interpréter d’affilée deux chansons de son dernier album Aznavour toujours. Entouré de onze musiciens et de deux choristes, il a d’emblée annoncé le ton : l’ambiance générale allait être jazzy. Voulu ou non, le premier titre, très swinguant, a été un peu noyé dans le son. Mais, dès le deuxième, plus lent, on retrouvait avec bonheur cette voix au timbre unique, inaltérable, à la fois mélodieuse et puissante. Et il était toujours sur sa grande chaise… En réalité, il s’agissait d’un leurre. Toujours aussi espiègle, notre sémillant octogénaire reprenait sa verticalité pour nous annoncer qu’il feintait, qu'il voulait nous faire accroire en un quelconque signe de faiblesse. Même s’il était acquis qu’il obtienne son succès « dans un fauteuil », pas question pour lui d’effectuer son tour de chant assis. Et c’était le vrai départ d’un formidable récital qui allait durer deux heures. Paris au mois d’août et Pour faire une jam nous étaient distillés avec une fougue et un entrain véritablement bluffants. Dans une forme sidérante, Aznavour se permettait même de monter régulièrement en puissance pour nous gratifier d’un spectacle total, tout-à-fait exaltant. Quel métier ! Quelle leçon et quel exemple pour les jeunes générations !

Ce qui est étonnant chez lui, c’est cette faculté de toujours renouveler des chansons que l’on connaît par cœur depuis des décennies. Il donne à chaque fois l’impression de les chanter pour la première fois. C’est vraiment un interprète hors pair. Et puis il a en lui un art consommé du geste juste. Ses traits ont vieilli bien sûr, mais la voix est là, le geste est précis, il a du ressort… Charles Aznavour, c’est le music-hall incarné. On le craignait amoindri, voire affaibli, or il a surpris tout le monde par sa vitalité, sa joie et son plaisir d’être sur scène. Tombant la veste pour nous faire découvrir une fort seyante paire de bretelles, il s’est même amusé à esquisser quelques petits pas de danse.
Evidemment, à la fin du show – car c’en fut un, et un sacrément bon - il a fait un succès si fort que les gens l’acclamaient debout… A la sortie, ou autour du bar où une collation était offerte aux invités de marque en présence du « Maître », les commentaires, dénués de toute hypocrisie, étaient unanimes dans l’éloge et l’admiration. Chacun des artistes présents, s’accordant à saluer une prestation frisant la perfection, se sentait dans l’état d’esprit d’un vassal devant son « grand pair ».
Je ne puis donc que vous recommander d’aller assister à ce tour de chant donné « en toute intimité » par un sacré performer (dans le sens anglo-saxon du terme)… Eternel Aznavour, Aznavour toujours…

Pauvre France !

2011-09-01T13:44:00.003+01:00

L’Alhambra
21, rue Yves Toudic
75010 Paris
Tel : 01 40 20 40 25
Métro : République / Jacques Bonsergent

Une comédie de Ron Clark et Sam Bobrick
Adaptée par Jean Cau
Mise en scène par Bernard Ménez et Fabrizio
Avec Bernard Ménez (Victor Tabouré), Karine Lyachenko (Béatrice Tabouré), Fabrizio (José), Xavier Bernard (Michel Tabouré), Elisa Ménez (Martine)

Ma note : 6/10

L’histoire : Victor Tabouré, teinturier à Limoges, est bien malheureux : sa femme, Béatrice, vient de le quitter pour son propre frère… Pour se consoler, il monte à Paris rendre visite à son fils Michel. Il découvre alors avec stupeur que celui-ci vit avec un autre garçon, José, homosexuel extraverti et virevoltant. Dépassé par les événements, Victor va tout faire pour tenter de modifier le comportement de son fils d’abord, de José ensuite…

Mon avis : Quarante ans après sa création, Bernard Ménez reprend le rôle de Victor Tabouré, immortalisé par Jean Lefèbvre au début des années 80. Cette pièce avait marqué également les premiers pas au théâtre de Bernard Giraudeau.
Quatre décennies plus tard, le thème de cette comédie vaudevillesque n’a pas pris une ride. Ce qui pourrait sembler quelque peu paradoxal avec la banalisation de l’homosexualité. On peut donc en définir que la société n’a pas tellement évolué face à cette question lorsqu’on y est soi-même confronté.

Bernard Ménez, en provincial grand teint, naïf et foncièrement réac, est aisément entré dans le costume du sieur Tabouré. Pas besoin d’être or(Le)fèvre en la matière pour décréter que ce rôle lui va comme un gant. Pourtant, à la fin de la représentation, j’ai ressenti la sensation bizarre que notre pseudo teinturier limougeaud avait joué en demi-teinte, qu’il en avait gardé sous la semelle. Il lui manque ce petit grain de folie qui fait basculer une pièce dans une franc délire. Là, on ne reste que dans la drôlerie. Mais peut-être est-ce voulu par le comédien lui-même puisqu’il cosigne la mise en scène. Peut-être a-t-il voulu ne pas tomber dans la pitrerie gratuite pour jouer plus sur la corde sensible…
Bernard Ménez est fort bien entouré. Il n’y a rien à dire sur un casting où chacun est parfaitement à sa place avec, toutefois, une mention particulière pour Fabrizio qui, en dehors de quelques emprunts un peu lourds au Michel Serrault de La cage aux folles, est vraiment très bon, très convaincant. Il se dégage en outre de sa personne un charme indéniable et un sens de l’autodérision qui le rendent sympathique… Mention spéciale aussi à Karine Lyachenko. Dès qu’elle arrive, assez tard dans la pièce, elle apporte aussitôt ce fameux grain de folie qui lui manquait. Totalement farfelue, grâce à son métier, elle évite de tomber dans l’écueil de la grosse farce. Elle fait rebondir le rythme jusque là un peu plan-plan. Ce qui permet à la pièce de finir sur une bonne note… La jeune Elisa Ménez, en dépit d’un petit rôle, tire agréablement son épingle du jeu. Elle offre à son personnage nunuche de Martine une gouaille toute parisienne qui lui sied à merveille. Elle fait déjà preuve d’une jolie présence.

Bref, nonobstant quelques facilités et quelques lourdeurs, la pièce se laisse voir sans déplaisir. D’autant que, ça et là, histoire de faire oublier qu’elle date de 1971, l’idée a été judicieuse de la saupoudrer de petits clins d’œil à l’actualité…

Olivier de Benoist

2011-07-07T13:30:00.004+01:00

L’Européen
5, rue Biot
75017 Paris
Tel : 01 43 87 97 13
Métro : Place de Clichy

One man show écrit et interprété par Olivier de Benoist

Ma note : 7,5/10

Mon avis : L’autre jour…, hier mercredi, en fait, je suis allé voir Olivier de Benoist à l’Européen. Et, en cours de spectacle, j’ai soudain pensé à ce slogan publicitaire qui s’affichait dans les couloirs du métro dans les années 60/70 : Du bon… du beau… du Benoist… La comparaison ne sera que phonétique car le garçon est plus un plat de résistance qu’un apéritif. De résistance aux femmes. Essentiellement. Et il en faut du courage sachant, comme il se plaît à le signaler, qu’elles sont 10% plus nombreuses que nous les hommes. Donc, mathématiquement, dans son public, il y a plus de représentantes du prétendu sexe faible. Ce qui entraîne à son adresse, vu le thème général de son spectacle, à savoir les relations hommes-femmes et son parti pris résolument misogyne, la vindicte de ces dames et demoiselles. Mais personne n’est dupe… D’abord parce certaines vérités vraies sur la GENT féminine sont subtilement relevées et décrites (Là, je lui ferai un petit reproche grammatical : on ne dit pas la gentE féminine, comme il le fait à trois reprises, car il n’y a pas de « E » à ce mot. Ça heurte les oreilles des puristes. Heureusement, comme il y a une majorité de femmes dans le public, cela réduit les chances de cette erreur sémantique d’être relevée !...), ensuite parce qu’il se complaît habilement à ironiser itou sur les mecs. Et puis, surtout, ce doit être excessivement jouissif pour lui que de se faire huer par des donzelles faussement indignées. C’est un jeu. A faux-cul, faux-culs et demi. Le spectacle d’Olivier de Benoist est très interactif.

Ce grand escogriffe hirsute et élégant au timbre de voix très personnel (certaines de ses intonations nous rappellent parfois Roland Magdane) maîtrise parfaitement la scène. Il ne faut pas se fier à son apparence de grand fauve nonchalant. Il peut faire patte et voix de velours un instant pour endormir notre méfiance. Et dès qu’on commence à afficher un sourire débonnaire, il décoche un terrible coup de griffe. Avec les relations hommes-femmes, ODB s’est trouvé un fonds de commerce inépuisable et universel. Gentiment coquin, un tantinet égrillard, doucereusement acide, délicieusement vachard, il possède toute la palette de ce qui fait un humoriste appelé à durer. C’est qu’il a tout pour lui, le bougre : le physique, la voix, l’écriture, le jeu… Il a une vraie présence, quoi !

Justement baptisé Très, très haut débit (surtout dans la première moitié), son spectacle est construit bizarrement. Mais ce n’est pas gênant. La première moitié, donc, est presque exclusivement consacrée à une analyse comparative jubilatoire des sexes (très) opposés. Si l’olivier en tant qu’arbre symbolise la paix, l’Olivier en tant qu’humoriste n’est certainement pas pour la paix… des ménages. Tout est fait pour attirer l’approbation complice de ces messieurs et l’ire de ces dames. Il y a d’excellentes trouvailles comme l’allocution du témoin au mariage de Michel et Guenièvre, le chapitre sur l’île de la Tentation, la lecture des revendications masculines, l’inventaire du sac à main… On se régale quand il franchit le pas de l’humour noir et féroce avec son « tube », le sketch dans lequel son personnage s’évertue à vouloir faire dormir son fils. Et il nous surprend habilement avec quelques tours de magie de bon aloi.
Ensuite, le spectacle semble plus disparate, plus fourre-tout. Il nous offre un simulacre de rappel d’escroc. On croit qu’il en a fini. On se dit que c’était trop court, qu’on en voudrait un peu plus. Or, ce n’était qu’une feinte de corps car il repart de plus belle avec son fameux et excellent sketch dit de « la maison close » inauguré dans l’émission On n’ demande qu’à en rire… De nouveau, il nous leurre avec une fausse fin que l’on croit se terminer en queue de poisson (rouge) quand il nous sort de son sac à malices un joli lot de bonus dans lequel il traite à sa façon de quelques faits d’actualité.

Incontestablement, Olivier de Benoist est un bon, un très bon. Ses nombreux passages sur France 2 n’ont fait qu’accélérer une notoriété aussi justifiée que méritée. Comme je l’ai dit plus haut, ODB a tout pour lui (ô qu’il est beau le débit de l’O… livier). Je pense qu’il va s’installer pour longtemps dans le peloton de tête de nos meilleurs comiques ; et Dieu sait qu’il y a de la concurrence.

Une semaine... pas plus !

2011-06-25T13:34:00.005+01:00

Gaîté Montparnasse
2-, rue de la Gaîté
75014 Paris
Tel : 01 43 22 16 18
Métro : Gaîté / Edgar Quinet

Une comédie de Clément Michel
Mise en scène par Arthur Jugnot et David Roussel
Avec Sébastien Castro (Martin), Maud Le Guénédal (Sophie), Clément Michel (Paul)

Ma note : 8/10

L’histoire : Paul fait croire à Sophie que son meilleur ami Martin, qui vient de perdre sa mère, va venir s’installer quelque temps chez eux. Il veut en réalité la quitter, pensant que ce ménage à trois fera exploser leur couple… Pris au piège, Martin accepte. Mais pour « une semaine… pas plus ! »…

Mon avis : Si vous voulez rire de façon pratiquement ininterrompue pendant une heure et demie, précipitez-vous à la Gaîté Montparnasse, théâtre qui, une fois de plus, mérite bien son nom. Une semaine… pas plus ! est une comédie moderne qui repose sur une situation éternelle que n’aurait pas reniée Sacha Guitry : Par quel stratagème Paul va-t-il réussir à se débarrasser de Sophie, sa copine, avec laquelle il cohabite depuis quatre mois et qu’il ne peut vraiment plus supporter. Au point (au poing ?) d’envisager de la frapper (bien que ça ne se fasse pas) ou d’avoir ce rêve récurrent d’un énorme camion rouge qui viendrait providentiellellement l’éparpiller sur la voie publique… Paul est malin, très malin. Il sait qu’il peut compter sur le soutien inconditionnel de son meilleur ami, Martin, à qui il a déjà fait part de son violent désir de rupture. Le cerveau de Paul est un véritable petit ordinateur démoniaque capable d’inventer en un quart de seconde une machination suffisamment diabolique pour que ce soit Sophie elle-même qui décide de le quitter. Il est lucide, comme la plupart des hommes, il ne possède pas le gène du courage dans les choses du sentiment. Heureusement, c’est Sophie qui va lui souffler une idée : elle a constaté que l’intrusion d’un tiers au sein d’un couple conduit inévitablement au clash. Ça fait tilt dans ce fameux cerveau bouillonnant de Paul. Il va forcer Martin à venir s’installer chez eux. Mais, pour cela, sachant qu’il est tout-à-fait hostile à cette idée, il va le piéger en inventant un horrible mensonge. Coincé, Martin, qui est quelqu’un de foncièrement gentil, va devoir se prêter contre son gré à la stratégie de son pote…

Bien sûr, rien ne va se passer comme Paul l’avait envisagé. C’est là que l’on s’aperçoit que les caractères des trois protagonistes sont parfaitement dessinés. Sur le plan purement psychologique, il n’y a aucune faute. Clément Michel, qui en est à la fois l’auteur et tient le rôle de Paul, ne tombe jamais dans la facilité. Sa comédie, remarquablement écrite, repose sur des ressorts conventionnels, mais d’une redoutable efficacité. Il a l’art d’ajouter du quiproquo au quiproquo et de pratiquer avec virtuosité l’art du double langage. Chose que j’ai rarement vue, il se permet même, vers la fin de la pièce, de faire jouer des répliques en symétrie avec des situations précédentes mais interprétées par un nouveau binôme.C'est vraiment jubilatoire.

Pour mener à bien une pièce aussi rythmée, où la moindre phrase a son importance, il fallait trois comédiens crédibles, aptes à garder imperturbablement leur ligne sans jamais empiéter sur celle des autres ; c’est-à-dire qui, comme des jazzmen, jouent leur partition tout en produisant ensemble un morceau cohérent et harmonieux. Une guitare, un piano, une contrebasse...
La guitare – très électrique -, c’est Clément Michel (Paul). Il a un jeu tout en inventivité et en ruptures. Comme il s’est d’autorité réservé le rôle de chef d’orchestre, il pense conduire le bal. Mais il lui faut sans cesse composer et réagir en fonction des réactions de ses deux partenaires. Il doit tout le temps trouver une nouvelle ligne mélodique (un nouveau mensonge). Au niveau de l’improvisation et dans ses soli de mauvaise foi, c’est un remarquable interprète. C’est un guitar anti-héros qui occupe l’espace avec une incroyable énergie.
Le violoncelle, c’est Maud Le Guénédal (Sophie) ; Non contente d’en arborer les douces courbes rondes, elle en possède la profonde musicalité et, surtout, le calme et la sagesse. Sophie est naturelle, elle est normale. Elle joue sa petite musique sans fausse note en s’adaptant sans cesse à la situation. Même si, le plus souvent, ce n’est pas la musique qu’aurait aimé entendre Paul. Sa gentillesse et sa candeur font qu’elle ne voit le mal nulle part. Au contraire, elle cherche à se mettre à portée de chacun, de pratiquer l’indulgence et la compréhension, des qualités somme toute bien féminines. Il y a beaucoup d’amour en elle, et de compassion. Elle est sympathique et aimable, dans le sens littéral du terme. Elle hérite là d’un très beau rôle de femme car c’est sur ses réactions et ses décisions que dépend le déroulement de la pièce.
Et puis il y a le piano… Au niveau du toucher, de la finesse et des nuances de jeu, il n’y a pas meilleur instrument que Sébastien Castro. Je tiens ce garçon pour un de nos tout meilleurs acteurs comiques. Il ne sur-joue jamais, il est toujours dans le ton. La partition qu’il a à jouer est sans conteste la plus délicate car il doit tout le temps s’adapter aux inventions de son ami, fussent-elles les plus abracadabrantesques. Et elles le sont ! Ce qui fait que, recevant l’information en même temps que nous dans la salle, il a toujours un petit laps d’adaptation le temps qu’elle parvienne au cerveau, qu’il l’absorbe et la régurgite pour s’aligner avec le message envoyé par Paul. C’est de la haute voltige. Sébastien Castro est d’une subtilité rare. Il trouve des mimiques et des expressions vraiment originales. Il est en permanence en porte-à-faux et en déséquilibre instable. Comment fait-il pour ne pas tomber ? C’est là que réside la prouesse de l’auteur qui lui a écrit une composition sur le fil du rasoir. Il en faudrait peu pour que ça tombe dans l’à-peu-près ou la pantomime. Or, cet écueil est toujours évité.

Une semaine… pas plus ! est un vrai régal de comédie alerte, soutenue et intelligente. On y est tout le temps pris de vitesse par les rebondissements. Quant aux quiproquos évoqués plus haut, ils sont à mourir de rire. Et puis il y a ce trio véritablement épatant, complémentaire et généreux. En clin d’œil un peu appuyé sur le succès précédent de Clément Michel, je suis convaincu que cette comédie va faire un « carton ».

Dernier coup de ciseaux

2011-06-22T13:19:00.003+01:00

Théâtre des Mathurins
36, rue des Mathurins
75008 Paris
Tel : 01 42 65 90 00
Métro : Havre-Caumartin / Madeleine / Auber

Une pièce de Paul Pörtner
Conçue par Marilyn Abrams et Bruce Jordan
Adaptée par Sébastien Azzopardi et Sacha Danino
Mise en scène par Sébastien Azzopardi
Avec Domitille Bioret, Romain Canard, Réjane Lefoul, Yan Mercoeur, Bruno Sanchès, Olivier Solivérès

Ma note : 8/10

Le principe : Cette pièce est une comédie policière interactive. Un meurtre est commis chaque soir et c’est au public de résoudre l’enquête… 30 ans de succès aux Etats-Unis, plus de 9 millions de spectateurs à travers le monde ! Un salon de coiffure, un meurtre, un flic, des suspects… La première pièce dont le public est le héros.

Mon avis : Quelle (bonne) surprise ! Fidèle à mon habitude, je n’avais rien lu sur ce qui m’attendait en me rendant au théâtre des Mathurins voir Dernier coup de ciseaux. Voici donc comment j’ai vécu cette soirée.
La pièce commence alors que la salle continue de se remplir. Sur la scène transformée en salon, un coiffeur (Romain) dont le moins qu’on puisse dire c’est qu’il est très maniéré et sa collègue (Réjane), une jeune femme sexy attendent le client. Le premier qui survient est aussitôt pris en charge d’une manière très cavalière par Romain qui se met à la shampouiner vigoureusement.
J’ai commencé à me demander ce que je faisais là tant le tableau était caricatural et outré. Les dialogues étaient primaires, l’humour potache, les comportements excessifs… Jusqu’à l’arrivée des autres clients, deux hommes et une femme. Tout doucement, avec de judicieux clins d’œil à l’actualité et beaucoup de name dropping, les répliques commençaient à s’améliorer et une histoire à prendre forme. On se met à s’intéresser à la première cliente de Réjane, madame Bioret, une bourge hautaine et suffisante et à être intrigué par le manège d’un personnage énigmatique et silencieux dont on saura plus tard qu’il s’appelle Yan Mercoeur. On voit tout de suite que ce n’est pas un client ordinaire. D’autant qu’il se met à montrer une certaine connivence avec Réjane. Pendant ce temps-là, le Romain en fait des tonnes ; il prend des poses, ondule, provoque, s’amuse… Sauf quand la voisine du dessus, une ex-concertiste qui s’avère être également sa propriétaire, se met à jouer du piano fortissimo, ce qui a le don de le mettre hors de lui… Chacun vaque donc à ses activités, ou de coiffeur ou de client, s’absente, passe un coup de fil en douce, se coupe la main… Soudain, la musique s’arrête, un hurlement retentit et Réjane, qui était sortie un instant, revient pour informer tout le monde – et nous avec – qu’elle vient de découvrir le corps de la voisine du dessus. Elle a été assassinée… On a à peine le temps de digérer l’information que deux flics surgissent, le capitaine Solivérès et son adjoint, Bruno Sanchès. Et on reconnaît en eux deux des premiers clients du salon.

A ce moment tout bascule. De passifs, nous sommes appelés à devenir actifs. Solivérès nous enjoint de témoigner de ce qu’on a pu remarquer de particulier dans le comportement de tous les protagonistes de l’affaire. J’ai alors amèrement regretté de ne pas avoir lu le pitch car je me serais encore plus attaché à enregistrer les détails pour y aller de mon grain de sel et de mes fines observations. Mais, heureusement, nombreux étaient les spectateurs avides de contribuer à l’élucidation de meurtre sauvage. Et un jeu de pingpong de s’installer entre la salle et la scène. On se prend tous au jeu. D’autant que les comédiens restent parfaitement dans leur personnage et réagissent en fonction des propos qui sont tenus et quand ils sont concernés. Ils sont tous étonnants tant ils sont investis. Surtout que, la plupart du temps, ils sont dans l’improvisation tout en restant fidèles à leur rôle. C’est de la grande virtuosité.
Relayée par le capitaine, l’enquête évolue sous nos yeux en fonction de nos témoignages et suggestions. Jusqu’au dénouement où il nous faudra voter à main levée pour désigner « notre » coupable parmi les quatre suspects.

Franchement, j’ai passé un excellent moment de détente. On se prend pour des détectives. Et il faut voir comment les policiers et les suspects adaptent leur jeu à la seconde. Ils sont tous vraiment bluffants de conviction… et de talent.
Cette pièce qui ne ressemble à aucune autre du fait de son interactivité devrait être un des grands succès de l’été. C’est un pur divertissement, un exercice de style étonnant accompli par un sextuor de superbes acteurs. On oublie tout, on ne pense qu’à jouer avec eux et à essayer de trouver le ou la coupable. Et on n’arrête pas de rire. Que du plaisir…

Le FIEALD

2011-06-22T10:50:00.005+01:00

Le FIEALD (Festival International d’Expression Artistique Libre et Désordonnée) a été créé il y a vingt ans pour offrir un espace permettant à de jeunes humoristes et comiques de s’exprimer et de montrer leur travail naissant à un vrai public. Cette « scène ouverte » se tient imperturbablement tous les dimanches soirs à 20 heures au théâtre Trévise (*)… N’importe qui peut venir y exercer ses talents dans n’importe quelle discipline artistique, même si c’est l’humour qui y prend la part la plus prépondérante. Chacun dispose de « cinq minutes pour convaincre » devant une salle de connaisseurs aussi prompts à s’enthousiasmer qu’à dézinguer.
Au fil de ces vingt années d’existence, ce plateau a servi de tremplin à de nombreux néophytes qui sont aujourd’hui d’authentiques têtes d’affiche : Christophe Alévêque, Dany Boon, Jamel Debbouze, Elie & Dieudonné, Gad Elmaleh, Eric & Ramzy, Stéphane Guillon, Tex… et bien d’autres.
A chaque fin de saison, le FIEALD présente son « Best of », un florilège de ses meilleurs éléments, ce qui donne lieu à un spectacle complet de plus de deux heures.

J’ai ainsi assisté le dimanche 19 juin au spectacle de fin d’année 2010/2011 et, en toute franchise, j’ai passé une excellente soirée au milieu d’un public de fidèles chaud bouillant. Ce fameux Best of est bien plus qu’une succession d’artistes qui viennent présenter un de leurs meilleurs sketchs ou numéros, c’est un véritable show monté, scénarisé et interprété par toute la promotion. Ce qui fait qu’en plus des prestations des huit artistes mis en exergue, on nous a offert, en Fieald rouge, une quinzaine de sketchs de transition, spécialement créés pour cette soirée dont certains se sont révélés être d’un très, très bon niveau, tant sur le plan de l’originalité et de l’audace que de l’interprétation.
Introduite par un orchestre live, l’entrée en matière collégiale a été vraiment pittoresque et joyeuse. Dans une ambiance de fête, les artistes se sont permis de prendre le mot « découvertes » au pied de la lettre. Symboliquement, quand on enlève le haut, on est plus libre et il n’y a plus de limites. Ce que l’on pourra constater tout au long de ces intermèdes absolument réjouissants.

Le premier des huit sélectionnés, Stéphane Bak (notre photo) est un authentique bourgeon. Agé de 14 ans, il étonne par son aisance, sa précocité et, surtout, par son écriture. Ce collégien du Blanc-Mesnil possède déjà un art consommé de la vanne qui fait mouche. Il parle bien sûr de ce qu’il connaît et des problèmes de son âge : la vie à l’école, les blagues communautaires et son exploitation par son père. Incroyablement à l’aise, ce cousin black de Jamel Debbouze a un gros potentiel. C’est un grand espoir de la scène comique française. Il promet beaucoup. Maintenant, reste à voir comment il va se comporter et évoluer face à une médiatisation qui va devenir de plus en plus grande et pressante. S’il ne se laisse pas étourdir et si les petits cochons ne le mangent pas, il va aller très loin. Bak a réussi son examen. Retenez son nom.

Avant d’évoquer les sept autres artistes, je tiens à revenir sur la qualité des sketchs d’enchaînements. Quels dommage qu’ils ne soient qu’éphémères. La plupart mériteraient une plus grande exposition (je pense à cette parodie très gonflée de formation militaire à l’américaine où une instructrice apprend à trois jeunes recrues le maniement des armes de la séduction ; aux vacances « fidèles » ; à « juste un bisou » avec une hystérique ; à ce remake de polar made in Miami… tous vraiment excellents)

En deux, on a eu droit à une séquence drolatique effectué par des poules musicales presque savantes dirigées par Diane, une « hurluberlute » timide et lunaire qui trouve le moyen de réaliser en même temps quelques figures de gymnastique. C’était frais, inattendu, joli à voir. C’est ce qu’on pourrait appeler un numérovni…
En trois, j’ai bien aimé l’univers de Will Yag. Très expressif, véritable pile électrique, il manie avec talent les histoires courtes et les passages inopinés du coq à l’âne. Son jeu avec le masque, son apologie du mensonge ; sont d’excellentes trouvailles. Un garçon à suivre.
Désopilante également la prestation d’Astier, Tsamère et Joyet formant le joyeux trio Pirouette et Boule de gomme, un groupe musical dont le répertoire se voudrait destiné aux 4/7 ans. Le problème, c’est que les comptines proposées tournent vite à la chanson de corps de garde. D’abord critiques, les deux partenaires de l’auteur-compositeur un tantinet obsédé tombent à leur tour dans la surenchère et se lancent dans une triviale poursuite complètement déjantée. Un très bon moment.
Puis vint Tano… Tano dont j’avais vu l’intégralité du spectacle au Petit Palais des Glaces (où il se produit jusqu’à la fin du mois de juillet), et dont j’avais dit le plus grand bien sur mon Blog à l’époque). Il nous a délivré son « tube », la conférence donnée par un nationaliste corse particulièrement haut en couleurs. On est « maure » de rire. On ne s’en lasse pas.
Avec son physique avenant de play boy, il suffit à Laurent Beretta d’apparaître pour se mettre toute la gent féminine, voire plus, dans la poche. Magicien, il joue avec les apparences, les paradoxes et les illusions. On aimerait le voir dans l’intégralité de son show pour se forger une plus juste opinion de son travail car le tour qu’il nous a présenté, même s’il a été bien amené, était quelque peu frustrant.
Nouvelle femme dans la cour des humoristes, Christine Berrou a laissé entrevoir un indéniable potentiel. Ses textes sont bien écrits, elle a l’art de balancer quelques vannes bien senties et n’a pas peur d’aborder frontalement des sujets aussi délicats à traiter que la religion, la mort et la sodomie. Il faut déjà lui reconnaître ce courage et l’absence de toute mièvrerie. Il lui reste maintenant à muscler tout cela pour franchir un palier.
Le bouquet final a été incarné par un Mathieu Madénian qu’on ne présente plus. Il s’est laissé aller à la facilité en nous présentant un sketch sur les élections qu’il avait déjà donné à la télévision. Mais il n’a plus grand-chose à prouver. Son one man show au Point Virgule est tout-à-fait remarquable. Lui, le fameux palier, il l’a déjà franchi et il le mérite amplement. Maintenant, il ne faut pas qu’il se laisse étourdir par cette belle exposition médiatique. Il est, je pense, suffisamment intelligent pour savoir se protéger.

Je ne saurais donc trop vous encourager à suivre cette magnifique institution qu’est le Fieald et d’aller rôder au Trévise le dimanche soir. Tous ces bénévoles joyeux et enthousiastes vous y donneront du FIEALD à (se) retordre… de rire.

Théâtre Trévise. 14, rue de Trévise 75009 Paris. Contact : 06 64 95 97 25. Tarif : 10 € / 8 € pour les abonnés)

Max Boublil

2011-06-20T17:12:00.004+01:00

Le syndrome de Peter Paon
Max Boublil annonce son grand retour sur la scène de l’Européen du 5 octobre au 30 décembre. Cette fois, c’est lui qui va prendre… prendre un nouveau départ avec un spectacle d’un type qu’il est le seul à présenter : une alternance de sketchs et de chansons. Ses sketchs sont abondamment alimentés par son quotidien et, plus particulièrement, par ses relations avec les meufs. Avec en lui toute la folie des glandeurs, il excelle dans les personnages de miso-mythos. Il fait le paon alors que sa roue est voilée et quand il braille, ses gloussements sont plus proches de la loose que du glorieux « Léon »… Quant à ses chansons, on ne les présente plus.
Un lascar qui se vante d’aimer « les moches » ne peut pas être tout-à-fait mauvais. Entre chaque spectacle il continue de tisser sa toile et de présenter chaque mois une nouveauté de plus ou moins mauvais goût. En tout cas, les internautes en raffolent qui se demandent ce qu’il va bien encore sortir de son clip kangourou. Il en fait un max, le Boublil. Il y a certes parfois à boire et à manger, mais au moins il cherche, il crée. Il a l’air d’un nonchalant qui passe, mais il bosse dur.
Max Boublil va donc nous montrer cet automne à l’Européen s’il a un peu mûri ou s’il est resté à l’état de Peter Paon. On sait que c’est plus fort que lui : il faut qu’il vanne. Mais on pardonne tout à ce sale gosse dès que son visage s’éclaire de son grand sourire craquant.

Couple en délire

2011-06-18T14:28:00.003+01:00

Petit Palais des Glaces
37, rue du Faubourg du Temple
75010 Paris
Tel : 01 48 03 11 36
Métro : République / Goncourt

Ecrit et mis en scène par Véronique Delille et Jean-Philippe Lallemand

Ma note : 7,5/10

Le spectacle : Les tribulations euphoriques d’un couple de choc qui s’est pourtant trouvé mais qui n’en finit pas de chercher…
De la rencontre dans un jardin public à l’accouchement dans le salon, en passant par le premier rendez-vous, ce spectacle mené à cent à l’heure met en scène un jeune couple moderne, Jean-Phi et Véro, avec qui tout prend des proportions démesurées.

Mon avis : A ma gauche, un sexagénaire s’essuie les yeux avec un kleenex, devant moi, une adolescente s’écroule de rire sur l’épaule de son copain, un gamin d’une dizaine d’années se tape sur les cuisses de plaisir, un peu partout dans la salle fusaient des éclats de rire frais et spontanés… Le délire n’est pas que sur scène, il se propage très vite dans le public, un public très mélangé, inter-générationnel. Car tout le monde y trouve son compte dans ce spectacle tonique et tonifiant, énergique et farfelu.
L’entrée en matière nous plonge de suite dans l’esprit du spectacle. Jean-Phi coiffé d’une perruque, se livre à un numéro sur-vitaminé d’air guitar. C’est aussi dynamique qu’incongru, ça n’a rien à voir avec les sketches qui vont suivre, mais le ton est donné. Surgit alors Véro qui lui demande quelques explications, et les voilà partis dans une sorte d’exposé sur ce qui nous attend. Et vu l’introduction, on en salive à l’avance. On va donc avoir droit à six sketchs, six sketchs qui vont s’étaler dans le temps et nous faire vivre l’évolution de ce couple atypique mais complémentaire depuis leur première rencontre jusqu’à la concrétisation vagissante de leur union : la naissance de leur enfant.

Le spectacle proposé par ce couple en délire est très visuel. Il tient en grande partie sur la performance physique, sur le naturel comique, sur l’inventivité explosive de Jean-Phi. J’en ai vu des spectacles, mais lui il possède quelques trouvailles gestuelles qui n’appartiennent qu’à lui. Avec des membres inférieurs et supérieurs jouissant d’une totale indépendance, un visage d’une rare mobilité, un rictus récurrent, il campe un véritable personnage de cartoon. Il a également une façon de triturer et de martyriser sa veste qui est un excellent ressort comique… Mais il ne pourrait donner toute l’étendue de sa folie burlesque si Véro ne lui en laissait pas l’espace. Elle ne prend toute sa valeur qu’en raison du contraste avec une partenaire qui, elle, garde toute sa maîtrise, semble s’étonner autant que nous de ses gamineries, de son inconséquence et de son comportement irresponsable. Car Jean-Phi est un grand enfant. Tout est matière à jeu pour lui. C’est un gaffeur compulsif. Il sort spontanément des horreurs, réalise dans la seconde leur énormité et s’en excuse aussitôt maladroitement. Mais, quand même, il adore vanner. C’est plus fort que lui, c’est son côté sale gosse. Il ne réalise même pas à quel point il se montrer odieux. Il est en outre en permanence en décalage ; il fuit les responsabilités avec une candeur désarmante et, finalement, il est très docile…
Véro est douce, compréhensive, complètement normale. Elle a des besoins normaux, des désirs normaux, des attitudes normales, des réactions normales. Tolérante et compréhensive, au fur et à mesure que le couple évolue, on la voit devenir de plus en plus maternelle vis-à-vis de son garnement de compagnon. Il y a beaucoup de tendresse en elle.

Les sketchs sont bien écrits, bien interprétés, ils sont réellement réjouissants. C’est du Lallemand & Delille, ils ne copient personne, ils ont créé un univers qui n’appartient qu’à eux et, vu leur façon d’être, on imagine qu’ils n’auront aucun mal à puiser dans leur quotidien pour alimenter leurs spectacles à venir.

Nettoyage de printemps

2011-06-18T12:53:00.005+01:00

Théâtre du Gymnase
38, boulevard Bonne Nouvelle
75010 Paris
Tel : 01 42 46 79 79
Métro : Bonne Nouvelle

Une pièce de Jean-Michel Wanger et Olivier-Martial Thieffin
Mise en scène par Pierre Laur
Avec Nelson Monfort (Jacques-Emile Delaville), Virginie Stevenoot (Anabella Delaville), Ludovic Berthillot (Polo), Stéphane Rodin (Sylvain), Victoria Monfort (Sandra)

Ma note : 5,5/10

L’histoire : Pour la sortie de son dernier livre, un philosophe très médiatique reçoit chez lui une équipe de télévision. Mais de la préparation jusqu’à l’interview, rien ne se passe comme prévu entre le philosophe, sa femme, le présentateur, le caméraman et l’assistante qui, elle, n’est pas là par hasard. Tout ceci se termine par un chaos général dont le philosophe ne sort pas indemne.

Mon avis : Et bien, me voici bien circonspect. J’ai reçu cette pièce avec un mélange de plusieurs sentiments contradictoires.
Parlons d’abord de ce qui m’a plu. J’ai trouvé la performance de Nelson Monfort vraiment encourageante. Pas évident pour une icône de la télévision et des Guignols comme lui de franchir le pas de la comédie. Certes je l’avais déjà vu pousser la chansonnette à l’Olympia avec une interprétation très acceptable de Yesterday entre autres, mais là l’exercice est totalement différent. D’autant qu’il a un texte très dense et très riche en mots peu courants et en en citations latines. Ceci dit, avec le personnage compassé, sûr de lui, limite pédant de Jacques-Emile Delaville, il a hérité d’un rôle taillé sur mesure. Il lui apporte en bonus son élégance naturelle, son phrasé si reconnaissable et aussi son sens aigu de l’auto-dérision… Autre excellente surprise, sa fille, Victoria. Avec sa fraîcheur, sa frimousse, sa modernité, elle peut envisager sans problème de faire carrière. C’est une actrice en devenir… Tous les deux sont parfaitement épaulés par une Virginie Stevenoot complètement déjantée, mélange réussi de Chantal Ladesou (pour la folie) et de Maaïke Jansen (pour la maîtrise), et par un Ludovic Berthillot truculent et haut en couleurs à souhait… Vous aurez donc compris qu’il n’y a pas grand-chose à reprocher aux comédiens. Qu’ils soient débutants (je n’emploie pas volontairement le terme de » néophyte » car je vais y revenir) ou professionnels aguerris, ils font le job.

Ce qui m’a vraiment moins plu, ce sont les nombreuses inégalités que comporte le texte de cette pièce. Le postulat en est tout-à-fait original et respectable, mais c’est fait de bric et de broc. Il y a de très bonnes idées. Par exemple : c’est une bonne chose que de faire se vouvoyer monsieur et madame Delaville. C’est un petit clin d’œil malicieux en direction du couple BHL-Arielle Dombasle… Le personnage d’Annabelle est parfaitement dessiné même s’il lui arrive d’être de temps en temps dans l’excès. Elle est impeccable autant quand elle fait la nunuche que lorsqu’elle joue la femme blessée et révoltée… Autre très bon point : l’antagonisme entre le philosophe et le caméraman, entre l’intellectuel et l’homme du peuple. Ça, c’est vraiment bien trouvé. Et physiquement et textuellement. D’ailleurs, il faut souligner que c’est l’arrivée de Polo qui donne enfin son impulsion à la pièce, qui la booste, qui l’élève d’un bon cran. Car, jusque là, on était dans l’approximation. Le pire étant une petite série de jeux de mots dignes du cours élémentaire. Il n’y avait vraiment pas besoin de saupoudrer les dialogues d’un « Comme disent les Indiens, See you ! » ou, pire encore, l’éculée réplique : « Il est néophyte ? – Je ne sais pas où il est né… ». Je me suis soudain un peu plus enfoncé dans mon fauteuil sous le poids de l’accablement… Le rôle de Sylvain, le présentateur, est mal défini. Flou et ambigu, on ne sait jamais trop qui il est vraiment. Et puis il surjoue trop, il est trop dans la caricature pour qu’on arrive à s’attacher à lui…. Quant aux rebondissements, y compris le dernier, ils sont prévisibles, tout comme les quelques quiproquos sont plutôt téléphonés. Mais bon…

Cette pièce est donc un patchwork de bonnes intentions, de bons moments, de départs avortés, de dialogues frisant parfois l’indigence, de belles envolées, d’une vraie générosité de la part des comédiens… C’est une sorte de soufflé qui serait bien gonflé et appétissant sur une moitié et dont l’autre moitié serait tristement flasque.

Divins Divans

2011-06-12T18:10:00.004+01:00

Théâtre Hébertot
78bis, boulevard des Batignolles
75017 Paris
Tel : 01 43 87 23 23
Métro : Villiers / Rome

Une pièce écrite par Eva Darlan et Sophie Daquin
Mise en scène par Jean-Paul Muel

Ma note : 7,5/10

Le thème : Quoi de mieux qu’une bonne thérapie pour se raconter tel qu’on est : obsédé, castratrice, raté, conseillère ès névroses, impuissant, mythomane… Pouvoir s’allonger en disant des horreurs, quel bonheur ! Oui, vraiment, les divans, c’est divin !

Mon avis : Quelle bonne idée au fonds inépuisable que de parler de la psychanalyse à travers ses patients. On peut y aborder tous les sujets, des plus répandus au plus saugrenus. Et nous sommes tous concernés, ou directement, ou indirectement. On a tous nos petits travers, nos addictions, nos tocs, nos névroses, nos angoisses, nos obsessions, et j’en passe…

L’entrée en scène d’Eva Darlan est déjà très originale ; et conviviale. On est tout de go dans le vif du sujet. L’unité de lieu – le cabinet du docteur Annie Azoulay – est respectée. Mais c’est à peu près tout ce qui va être respecté, parce qu’en suite, Eva Darlan va s’en donner à cœur joie en campant une multitude de personnages… et des gratinés. Normal, puisqu’ils ne le sont pas… normaux. S’ils allaient bien, ils ne viendraient pas consulter et s’allonger sur le divan.
Un accessoire, une pièce de vêtement particulière, et Eva devient quelqu’un d’autre. On mesure très vite l’étendue de son talent de comédienne. Elle est excellente dans tous les registres, elle sait tout jouer. Avec un art consommé, elle change de ton, de timbre de voix, de rythme, de gestuelle et elle nous embarque malicieusement dans cet univers si troublant.

Et les patientes défilent. Madame Baudoin qui ne sait pas garder un homme, la précieuse qui fait rien qu’à critiquer son psy et à jauger sa réussite matérielle, La « noniste », snob et blasée, qui veut tout analyser et dit non à tout, la poissonnière adepte de la chirurgie réparatrice, la catho intégriste qui vient essayer de récupérer une de ses ouailles, la mamy veuve qui yoyote un tantinet et frise le syndrome de Gilles de la Tourette en proférant à son insu force insanités (un sketch simple mais terriblement efficace qui récolte des salves de rires), la bourge hyper possessive qui amène sa gamine de 3 ans en consultation, alors que…, monsieur Cotillon qui souffre d’un dérèglement sexuel suite à un dérèglement de son quotidien trop bien huilé, l’amoureuse complexée vampirisée par un Patrick qu’elle idolâtre, la femme trompée grossière et pleine de mépris pour la psy… Ainsi que d’autres trouvailles savoureuses qu’il ne faut pas raconter pour en garder tout le sel. Comme cette mini-conférence sur la névrose qui revient en forme de fil rouge…

C’est aussi remarquablement écrit que c’est formidablement interprété. Tous les sketches sont bons et certains atteignent même un très haut niveau. Eva Darlan se livre avec une belle générosité, parfois interactive, à une réjouissante satire du monde de la psychanalyse. Elle nous offre surtout une superbe galerie de portraits. On peut sans mal, tant le sujet est riche, imaginer des « Divins Divans 2 » et un « Divins Divans, le retour ». On ne s’en lasserait pas.
Porté par cette actrice magnifique, joueuse et sympathique, ce mieux divan culturel, on l’aime à la phobie.

L'Echange

2011-06-10T14:22:00.005+01:00

Théâtre Mouffetard
73, rue Mouffetard
75005 Paris
Tel : 01 43 31 11 99
Métro : Place Monge / Censier-Daubenton

Une pièce de Paul Claudel
Mise en scène par Xavier Lemaire
Avec Isabelle Andréani (Marthe), Frégori Baquet (Louis Laine), Gaëlle Billaut-Danno (Lechy Elbernon), Xavier Lemaire (Thomas Pollock Nageoire)

Ma note : 7,5/10

L’histoire : Nous sommes en Caroline du Sud après la guerre de Sécession. Marthe et son mari Louis Laine vivent au bord de l’eau dans une petite cabane. Louis a été engagé comme gardien de la propriété d’un riche Américain, Thomas Pollock Nageoire, marié à une actrice, Lechy Elbernon. Thomas va proposer à Louis d’acheter sa femme…

Mon avis : Lorsqu’on quitte la très agréable salle du théâtre Mouffetard, un peu abasourdi, on se demande si ce qui nous a le plus impressionné, c’est le texte de Claudel ou le jeu des acteurs. Par les deux rétorquerez-vous, sans doute à juste raison. Car n’est-ce pas l’essence même du théâtre que de plaire au public par la réunion de ces deux expressions… Mais, une nuit de repos plus tard, je me dis que si le texte de Claudel, pour flamboyant qu’il soit, contient tout de même quelques effets plutôt redondants. Il aime les répétitions le Paul, bien au-delà de la forme d’insistance, ce qui a pour effet d’alourdir parfois les dialogues en les encombrant de ces petites scories. Bien sûr, je pinaille un peu. Claudel sans lyrisme, c’est DSK sans libido.
Il reste néanmoins une langue d’une pureté admirable et, surtout, une connaissance troublante de l’âme humaine. En effet, L’Echange, est avant tout une pièce sur le rapport humain ; sur le désir (Thomas Pollock), la domination (Lechy Elbarnon), le sacrifice (Marthe). On ne peut classer Louis dans aucune case car il n’est pas dans la norme… De même qu’il est impossible de mettre en avant un des quatre comédiens plus qu’un autre tant ils SONT chacun le personnage. Casting parfait de quatre solistes qui jouent remarquablement leur partition.
Alors, présentons-les par ordre d’entrée en scène.

Marthe c’est la femme dans ce qu’elle a de maternel, de tolérance, d’intuition et donc, d’esprit de sacrifice. Elle devine tout, elle comprend tout, elle accepte tout. Dût-elle en souffrir horriblement. Peu à peu, au fur et à mesure que le drame se noue, on la voit devenir l’élément fort de la pièce. Elle cristallise sur elle tous les sentiments : l’amour chez Louis, la jalousie chez Lechy, le désir chez Thomas. Et pourtant – elle le dit elle-même – elle est « pauvre, sotte, laide » et, hélas, douloureusement « jalouse ». Or, en dépit de ces soi-disant handicaps, c’est elle qui se révèle la plus structurée. Elle possède l’humilité et la fierté des petites gens. Elle a en outre des facultés d’observation et d’analyse qui la rendent redoutable et qui font peur aux autres… Isabelle Andréani est véritablement impressionnante de passion contenue. Elle fait de Marthe un être à la fois lucide, pragmatique et intensément romantique qui transforme sa fragilité et sa retenue apparentes en une force intérieure indestructible. C’est une héroïne de tragédie grecque.

Louis, c’est un enfant qui n’a pas grandi. Il est totalement irresponsable. C’est un instinctif incapable de différencier le bien du mal. Mais cet enfant est doté d’un superbe corps d’homme, ce qui attise la convoitise de la narcissique et perverse Lechy. Nous sommes aux antipodes de L’Amant de Lady Chatterley. Louis est un ingénu. Il rend service. On lui demande de faire l’amour, il s’en acquitte comme de n’importe quelle autre tâche dans le domaine. Resté mentalement à l’état sauvage, il se comporte en animal domestique. Les sentiments profonds qu’il éprouve pour Marthe sont absolument sincères. Mais son attachement est plus filial qu’autre chose… Une sacrée performance physique et mentale qu’accomplit là un Grégori Baquet littéralement habité. On n’est pas loin du personnage de Lenny dans Des souris et des hommes. Leur innocence en fait de parfaites victimes expiatoires.

Lechy, ah Lechy ! Elle, elle est l’opposé féminin de Marthe. Elle est la femme belle, autoritaire, arrogante, qui s’évertue à masquer sa fragilité et son manque d’assurance derrière une cruauté parfaitement nihiliste. C’est une destructrice ; vis-à-vis des autres comme d’elle-même. Louis va être l’instrument qu’elle va choisir pour provoquer l’anéantissement. C’est une femme qui s’est toujours servi de sa beauté et de son pouvoir pour mettre les autres à ses genoux, mais qui sent venir l’érosion du temps. Elle va bientôt être moins désirable, donc moins puissante. Comme elle est comédienne, elle va s’offrir un chant du cygne on ne peut plus théâtral. Puisqu’elle souffre, elle va organiser sa perte en y entraînant tous ceux qui gravitent autour d’elle. Quitte à sortir de scène, autant faire le plus possible de mal avant… Dans ce rôle (le moins sympathique des quatre), Gaëlle Billaut-Danno confirme tout le bien que l’on pensait d’elle. Déjà épatante dans le registre romantique de La Dernière nuit, elle est magistrale dans ce personnage de peste hautaine et tyrannique. Personnage qu’elle parvient malgré tout à ne pas nous faire détester tant elle réussit à laisser filtrer sa terrible désespérance. On se dit que Gaëlle ferait une parfaite Scarlett O’Hara. De jolies perspectives s’offrent à elle.

Thomas Pollock Nageoire n’a pas de ridicule que le nom. Au départ, il est franchement caricatural. Il apparaît comme quelqu’un de compassé, content de lui. Il a la suffisance des nantis. Il parade avec son joli costume, sa grosse voix et son élocution châtiée témoignent de sa réussite sociale, et le pistolet qu’il arbore fièrement démontre qu’il a le droit de vie ou de mort sur quiconque. En fait, ce pauvre Thomas est terriblement seul et en manque d’affection. Et ce n’est pas du côté de la vénéneuse Lechy qu’il va en trouver. Or, Thomas est aussi le seul personnage des quatre qui va évoluer. Lorsqu’il va réaliser que la compagne idéale serait Marthe et que l’argent n’achète pas les sentiments, il va tout faire pour se mettre à son niveau et, ainsi, apprendre à son tour l’humilité… Xavier Lemaire, metteur en scène de la pièce, apporte sa prestance et son humanité à ce beau personnage qui, de pédant devient émouvant. On lui doit en tout cas une superbe direction d’acteurs et, surtout, d’avoir su donner à cet Echange un propos résolument moderne qui le met à notre portée.

Portée par ces quatre formidables interprètes, cette pièce nous laisse perclus d’émotion. Ces quatre destins qui se croisent pour aller jusqu’à l’inéluctable pour certains, ou à la rédemption pour d’autres, lui confèrent un aspect indéniable de tragédie grecque. Tout en restant du Claudel…

Elisa Tovati

2011-06-09T14:03:00.006+01:00

Le Syndrome de Peter Pan

Comédienne depuis quinze ans, chanteuse depuis dix ans, Elisa Tovati sort le 20 juin prochain son troisième album, Le Syndrome de Peter Pan, dans lequel elle évoque frontalement et avec une troublante sincérité ses états d’âme actuels.
Beauté brune à la voix suave et sensuelle, Elisa est arrivée en 2002 dans le panorama de la chanson française telle un Ange Etrange. Un ange qui, quatre ans plus tard, se métamorphosait en petit démon avec un album réjouissant, espiègle et primesautier dont le titre là aussi annonçait la couleur : Je ne mâche pas les mots… Que s’est-il passé depuis dans sa vie, quels problèmes, soucis et déceptions a-t-elle rencontrés pour nous révéler ainsi une profonde mélancolie doublée d’une véritable défiance vis-à-vis des clichés que véhicule son image indéniablement glamour ?
Elisa Tovati a, apparemment, tout pour être heureuse. Dans sa vie privée comme dans sa vie professionnelle. Son baby blues (si baby blues il y a eu) date aujourd’hui de deux ans et demi, il doit être considérablement estompé. Ce n’est donc pas de ce côté qu’il faut fouiner pour savoir d’où vient cette foutue mélancolie… A mon avis, il faut chercher du côté de l’enfance et de ses origines pour obtenir une ébauche de réponse. Elisa a du sang slave dans les veines. Elle peut donc passer sans transition de l’euphorie à la tristesse la plus sombre. En plus, quand on l’écoute et qu’on essaie de comprendre entre les lignes, on perçoit en elle un certain mal-être chronique. Mais pour en savoir plus, il faudrait fouiller et jouer au psy, ce qui n’est tout de même pas le but d’une interview sur la sortie d’un album.

Justement, parlons-en de cet album…
Dès la première écoute, il apparaît que Le Syndrome de Peter Pan est remarquablement écrit et superbement réalisé. Aucune des douze chansons n’est mièvre et banale. Et même si certains thèmes sont abordés plusieurs fois (l’enfance, l’amour, la dure réalité de la vie…), chacune possède son propre cachet et sa propre couleur… Si on a généralement tendance à attribuer le syndrome de Peter Pan aux garçons en raison du livre de J. M. Barrie, il arrive tout autant aux filles d’appréhender de passer à l’âge adulte. Adieu l’innocence, adieu l’insouciance et, surtout, adieu les rêves. La vie n’est pas un conte de fée, et ce foutu Prince Charmant a plutôt tendance à rester une illusoire abstraction.
Dans ses chansons, coécrites avec Bertrand Soulier, Elisa ne se voile pas la face et ne fuit pas la réalité. Au contraire, elle se la coltine de plein fouet. Elle veut bien se fabriquer de vagues illusions, mais elle n’est jamais dupe. Elle n’a pas le choix : il faut monter sur le manège tout en sachant que ce sont des montagnes russes et qu'on va avoir des hauts-le-coeur. Elle a beau voir « les hommes avec les yeux d’un enfant », elle ne tombe pas dans l’angélisme. Elle sait qu’un jour le jouet va soit se casser, soit perdre de son attrait en raison de l’usure du temps. Le temps qui revient souvent dans ses propos. Pas agréable, pas facile de grandir et de vieillir. A l’instar de sa chanson La vie devant soi, elle se fait adepte de la méthode Coué pour tenter de se convaincre que le bonheur existe, qu’il faut y croire. Même si… Même s’il faut pour cela se réfugier dans la superstition et les grigris. Et elle s’oblige à imaginer une happy end du côté de Sunset Boulevard.
La chanson où elle se livre sans doute le plus est La fille dans la glace. Elle y parle de sa relation avec son propre reflet. L’image que lui renvoie son miroir, celle que les gens ont d’elle dans les pages des magazines ou dans la rue, n’est pas celle de la vraie Elisa. Comment se débarrasser de ce double qui vous interdit d’être vous-même ? C’est carrément schizophrène. Elle a beau se dire, et essayer de nous dire, qu’elle est « mieux que ça », c’est l’image qui reste la plus forte. On n’a pas le temps de s’arrêter pour découvrir le moi profond des gens. Surtout quand leur métier est d’être en vitrine. On passe devant sans même penser que le plus beau, le plus intéressant, le plus riche, se trouve à l’intérieur.
Elisa Tovati ne nous fait pas le coup de la « pauvre petite fille riche », elle a trop de pudeur, trop de dignité pour ça. Et aussi trop d’humour et d’autodérision. Le sourire est certes teinté de mélancolie, mais dans le regard brûle une petite flamme bien vivante, bien ardente. Et ce n’est pas l’irruption d’une larme (Penny Lane), qui va l’éteindre.
Bref, Elisa Tovati est une belle femme et une belle âme. Elle ne se la raconte pas. Ce n’est pas parce qu’on présente toutes les apparences du bonheur que l’on est forcément heureux. Il faut ouvrir l’enveloppe pour prendre connaissance du message. Cet album, si intime, si personnel, nous la rend encore plus proche de nous et, partant, encore plus attachante.

INTERVIEW

Quelles sont les raisons qui vous ont poussée à baptiser votre troisième album Le Syndrome de Peter Pan ?
C’est devenu une évidence au fur et à mesure que les chansons avançaient. Je n’ai rien calculé… Quand je me suis retrouvée face à ma page blanche, je savais déjà quelle direction j’avais envie de prendre. J’ai alors commencé à énumérer les thèmes qui me tenaient à cœur et que je voulais aborder et développer et je me suis rendu compte qu’il y en avait beaucoup qui se rapportaient à l’enfance. Et comme parmi les chansons retenues, il y en avait une de Bertrand Soulier qui s’appelait Le Syndrome de Peter Pan, ce titre s’est imposé pour l’album.
Pourquoi ce retour à l’enfance ?
J’avais envie d’aller fouiller dans mon passé, dans mes rêves d’enfant, envie de me dévoiler beaucoup plus que dans le précédent album. Dans Je ne mâche pas les mots, je m’étais amusée avec les hommes, j’avais joué avec les mots, avec mes tabous… Cette fois, je voulais gratter au fond et mettre le masque de côté pour présenter quelque chose de plus personnel.
Comment est née la collaboration avec Bertrand Soulier ?
J’ai eu beaucoup de mal à trouver des auteurs avec qui travailler. J’ai commencé toute seule et après je suis allée faire mon marché auprès des éditeurs. Ce n’est pas le tout de trouver quelqu’un qui écrit bien, il faut trouver la personne avec laquelle on va passer énormément de temps, à qui on va se livrer, avec laquelle on va mettre sa pudeur de côté. Il faut se plaire mutuellement car on établit une relation humaine très étroite. Aujourd’hui Bertrand est devenu mon meilleur ami, mon psy, mon confident. C’est quelqu’un qui compte pour moi. Nous avons la même sensibilité et il a compris qui j’étais vraiment.
Justement, qui êtes-vous vraiment ?
Il y a une chanson qui s’appelle La fille dans la glace dans laquelle j’essaie de faire comprendre que les gens n’ont de moi qu’une image tronquée de ma personnalité. J’avais très envie qu’ils comprennent qui j’étais vraiment. Ce n’est pas parce qu’on est comédienne, que l’on porte de jolies robes, que l’on arbore des beaux sourires à la télé, que l’on est une princesse et que tout va bien dans le meilleur des mondes. J’ai mes souffrances, mes douleurs, mes failles, mes zones d’ombre… Sans vouloir faire un album glauque, j’avais envie de présenter quelque chose d’honnête par rapport à qui je suis. C’est pourquoi j’ai mis en avant mes origines. Je voulais qu’on comprenne qu’il y avait un poids sur mes épaules qui venait de mes racines d’Europe centrale, de ma part slave. Ça renvoie à ma mémoire sensorielle et ça se traduit par un aspect hyper sensible de ma personnalité. Mais pour cela, j’ai tenu à contrebalancer la gravité du propos avec des musiques entraînantes parce que je suis quelqu’un rempli d’énergie.
Il y a un grand rapport au temps dans cet album…
Je l’ai axé sur la passé, le présent et le futur. La passé avec mes rêves d’enfance, le présent avec les chansons sur l’amour et mes doutes quant aux rapports hommes-femmes, et le futur avec un titre comme La vie devant soi qui fait que j’ai une trentaine d’années, que je me trouve à la croisée des chemins et qu’il est important de se projeter dans l’avenir car tout n’est pas fini, bien au contraire…
Alors, d’où vient cette profonde mélancolie ?
Elle a toujours été là. Quand on est pudique, on évite d’aller en télé pour pleurnicher. Surtout quand on vous demande de parler d’un film ou d’un rôle. Je suis juste un être humain comme tout le monde ! Comme j’ai la double casquette de comédienne et de chanteuse, le but lorsque je sors un disque, c’est quand même de parler de moi. Ça fait vingt ans que je suis comédienne, ce n’est pas pour encore pour jouer des personnages quand je suis chanteuse. C’est pour mettre ma vie, mes tripes, mon univers sur le tapis. C’est ma justification.
Dans Le Syndrome de Peter Pan, vous dites voir « les hommes avec des yeux d’enfant ». Comment cela se traduit-il ?
Quand on a eu deux-trois histoires d’amour qui vous ont un peu abîmée, à un moment donné, lorsqu’on redémarre une nouvelle histoire, avant d’aller plus loin, même si on a le cœur qui bat et que l’on pressent qu’il va se passer quelque chose de magique, on a juste envie de dire à l’intéressé : « Je t’en supplie, protège-moi… Avant qu’on se dise des mots, que ça devienne compliqué, sache que je vois les hommes avec des yeux d’enfant ». Il y a cette espèce de naïveté que l’on a au début d’une histoire. Et en même temps, comme on n’est plus dupe, on prévient tout de suite.
Quels sont les chansons de votre album que votre fils, Joseph, qui a 2 ans et demi, préfère ?
Il adore Il nous faut. Il la chante à tue-tête. Sinon, il aime bien Le Syndrome de Peter Pan et L’ABCD, surtout quand je chante « Ah ah ah, je voudrais un bébé avant qu’on ait cessé… ». Et il se demande qui est ce monsieur avec qui je chante Il nous faut en duo…
Finissons par le cinéma. Comme vous Chochana Boutboul a pris dix ans de plus. Que devient-elle ?
Elle est toujours mariée avec Serge Benamou, que joue José Garcia, elle a toujours Enrico Macias pour papa… Ça a été très agréable de la retrouver. Chochana, c’est un peu moi… La vérité si je mens 3 sortira le 1er février 2012. Le scénario est vraiment formidable. On s’est tous super bien entendu. C’est comme si on s’était retrouvé dans une grande colonie de vacances.