MERCI !!!

Un grand merci et beaucoup de reconnaissance pour celles et ceux qui me font la gentillesse de venir faire un petit tour sur mon blog...
Grâce à vous, je viens de dépasser le cap du million de visites !
Je profite également de ce message pour confirmer que je n'écris que ce que je pense sincèrement, sans flagornerie aucune et sans complaisance.
Merci encore et, j'espère, rendez-vous pour le deuxième million...

Gilbert "Critikator" Jouin

L'Autre Galilée

Lucernaire

53, rue Notre-Dame des Champs

75006 Paris

Tel : 01 45 44 57 34

Métro : Notre-Dame des Champs / Vavin / Saint-Placide / Edgar Quinet

Ecrite et interprétée par Cesare Capitani

Mise en scène par Thierry Surace

Lumière de Dorothée Lebrun

Costume de Vjollce Bega

Musique d’Antonio Catalfamo

Décor et accessoires de Ségolène Denis

Présentation : L’Autre Galilée est le portrait inattendu et surprenant du grand savant italien Galileo Galilei. Vous allez découvrir un homme drôle et passionnant, malin et subversif, qui toute sa vie s’est battu pour la liberté de pensée, pour la séparation entre science et religion. Un Galilée inédit et moderne qui a émis des affirmations bien plus dérangeantes et violentes que la célèbre phrase « Et pourtant, elle tourne ».

Mon avis : Une fois encore Cesare Capitani m’a emmené au ciel. Au propre comme au figuré car comment ne pas s’envoler dans le cosmos lorsqu’on a le plaisir et le privilège de partager un peu plus d’une heure avec un passionné comme Galilée…

Déjà, quand il avait dépeint la vie ô combien tumultueuse du peintre Caravage, il m’avait enthousiasmé et ému par sa totale implication. Il récidive cette fois mais dans un registre diamétralement différent. Ici, il n’est plus question de folie, de débauche et d’excès en tout genre, nous sommes dans une rigueur toute mathématicienne. Et ce portrait va encore plus loin car il dénonce aussi les dysfonctionnements spirituels d’une époque…

Hier soir, le Paradis était plein comme un œuf. Le « Paradis » est le nom de la petite salle située au tout dernier étage du Lucernaire. Tout un symbole car nous nous trouvions ainsi plus près des étoiles et d’une lune qui nous avait la faveur de s’afficher pleine. La force de ce spectacle c’est qu’il est dépouillé de tout artifice. Nous n’avons pas d’autre choix que de nous focaliser et de nous concentrer sur la prestation et le discours de Cesare Capitani. Cet artiste est un être singulier ; « singulier » dans le sens « étonnant, qui se distingue des autres, qui sort de l’ordinaire »… Lorsqu’il s’approprie un personnage, il ne se contente pas de le jouer, il l’habite, il le vampirise et il le devient. Il l’EST !

Ce doit être un grand bonheur pour un Italien que de camper un de ses plus illustres compatriotes. Quel investissement aussi que de rentrer dans la peau et dans la tête de cet immense savant et de faire à la fois revivre devant nous les plus grands moments de son existence et réaliser l’importance de son travail et de ses découvertes.

Le mot « autre » dans le titre du spectacle est loin d’être anodin. Cesare Capitani nous révèle des aspects pas très connus de l’homme. On en apprend beaucoup sur son caractère. Galilée était tout le contraire d’un illuminé ou d’un visionnaire. C’était un vrai scientifique, un rationnel. Il était très ambitieux, intrigant, malin, redoutablement intelligent, terriblement (mais légitimement) orgueilleux. Il avait en lui l’insolence de ceux qui savent et qui sont sûrs de ce qu’ils savent car ils peuvent le démontrer à grands renforts de chiffres et d’éléments concrets intangibles. D’ailleurs Cesare/Galileo se livre devant nous à des expériences physiques et à des démonstrations qui valent mieux qu’un long développement.

La face la plus inattendue de Galilée, c’était son côté rebelle, subversif même. Ce chantre de la Liberté était très en avance sur son temps dans tous les domaines. Tant dans sa vie privée que dans ses recherches mathématiques et astronomiques. A partir de là, il était hélas inévitable que l’Eglise s’intéresse particulièrement à lui. Quel que soit l’immensité de son orgueil, lorsque la sinistre Inquisition se penche sur vôtre cas, vous décrète hérétique et vous menace du bûcher, on ne tire pas beaucoup de plans sur la comète : on transige et on sauve sa peau en abjurant. Mais on n’en pense pas moins.

C’est l’éternelle opposition – surtout à cette époque (le début du 17è siècle) – entre la science et la théologie, la raison et la foi. On ne peut pas lutter contre les interprétations dogmatiquement rigides de la Bible et des Saintes Ecritures. On s’aperçoit que, finalement, les choses n’ont pas beaucoup changé puisque, aujourd’hui, ce sont les interprétations subjectives du Coran qui ont engendré l’extrémisme…

Dans un jeu de lumières savamment orchestré, Cesare Capitani nous livre un Galilée captivant, vibrant, souvent drôle, mais surtout très lucide. Quel comédien ce Cesare. Sans jeu de mot, il est carrément impérial. Complètement latin, doté d’un charisme naturel, viril et beau, le regard de braise, il nous offre un texte remarquable, explicatif et au vocabulaire riche et imagé. Dès le début, il nous happe par sa flamme, sa passion, sa force de conviction et nous captive avec son aptitude troublante à faire (re)vivre son personnage, son héros (car s’en est un).

Si vous voulez assister à un grand moment de pur théâtre, précipitez-vous vite au Paradis du Lucernaire, une étoile y brille de mille feux.

Gilbert « Critikator » Jouin

Barber Shop Quartet "Opus 3"

Théâtre L’Archipel

17, boulevard de Strasbourg

75010 Paris

Tel : 01 75 54 79 79

Métro : Strasbourg Saint-Denis

Concert jubilatoire écrit et interprété par Marie-Cécile Héraud, Cécile Bayle, Bruno Buijtenhuijs et Xavier Vilsek

Présentation : Le Barber Shop Quartet reprend à sa façon l’esprit du Barbershop et ses harmonies a cappella pour nous entraîner dans un spectacle au rythme endiablé et à l’humour débridé.

Aux étourdissantes prouesses vocales se mêlent chansons humoristiques, pastiches, mime comédie et même d’époustouflants bruitages !

Mon avis : Une pure merveille !

C’est une des rares fois où ; à la fin d’un spectacle, je ne ressens qu’une envie : qu’il recommence immédiatement à son tout début pour en goûter toutes les facéties en toute liberté d’esprit. En effet, lorsqu’on découvre un spectacle, on ne peut s’empêcher d’avoir d’abord un regard critique, une curiosité professionnelle qui nous empêchent de profiter pleinement de ce qui nous est donné à voir et à entendre. On a tendance à chercher la petite bête, la faiblesse passagère, le petit coup de moins bon, l’écueil de la facilité ou la tentative du sur-jeu…

Or là, avec le Barber Shop Quartet, j’ai été « shopé » de bout en bout par la formidable qualité de leur prestation. La totale. Le beurre et l’argent du Barber ! Ces quatre olibrius aussi doués qu’extravagants nous comblent autant l’ouïe que la vue. L’ouïe pour l’extrême perfection de leurs harmonies vocales et la précision des bruitages ; la vue pour l’originalité de leur gestuelle, leur inventivité cartoonesque et leur appétence à tout traiter en gag.

Comme tout quatuor qui se respecte, ils sont quatre. Mais dès leur entrée, ils affichent un déséquilibre comportemental. Il y a deux joyeux drilles et une luronne qui affichent sans retenue leur goût pour la gaudriole et, en contrepoids, il y a une revêche que leurs pitreries n’amuse visiblement pas mais qui, presque à son corps défendant, ne sera pas la dernière lorsqu’il faudra soit apporter son propre grain de folie, soit se mêler à la frivolité ambiante. Ça fonctionne on ne peut mieux.

Après un court préambule jazzy cool qui nous permet d’apprécier illico l’entrelacs séraphique de leurs voix, nos deux couples vont dérouler un spectacle aussi abouti que jubilatoire. C’est comme un cocktail dans lequel on aurait mêlé les Andrew Sisters, Spike Jones et Tex Avery. En plus de la confondante qualité vocale et visuelle, il faut ajouter la grande valeur scripturale des parodies. Chaque texte est un véritable petit bijou ciselé avec un soin d’orfèvre. Je pense particulièrement à celui du Blue Rondo à la Turk de Dave Brubeck que Nougaro avait adapté en un palpitant A bout de souffle et qui devient ici un mélodrame burlesco-consumériste intitulé finement Le caddie de mes soucis. Là, on est dans le domaine de la performance…

Enfin, ainsi que je l’ai signalé un peu plus haut, la grande originalité, la valeur ajoutée de ce spectacle vocal, c’est d’y avoir introduit une bonne dose de bruitages aussi brillants qu’inattendus, illustrés la plupart du temps d’une composition physique absolument hilarante de la part de leur auteur, Xavier Vilsek. Il suffit d’entendre la cascade de rire que cela provoque chez les enfants pour comprendre combien il est expressif, voire incontrôlable.

Bref, j’ai pris un tel pied que j’ai bien l’intention de retourner les voir rien que pour le plaisir. Je suis convaincu que, si le Barber Shop Quartet s’installait suffisamment longtemps à Paris, il deviendrait à coup sûr un groupe culte.

Gilbert « Critikator » Jouin

Nadia Roz "ça fait du bien"

Apollo Théâtre

18, rue du Faubourg-du-Temple

75011 Paris

Tel : 01 43 38 23 26

Métro : République

Seule en scène écrit par Nadia Roz

Mis en scène par Frank Cimière

Présentation : Nadia Roz croque la vie et pétille par sa bonne humeur. Ce petit bout de femme envahit la scène comme une bouffée d’oxygène avec un talent unique. A travers ses personnages comme une coach sportive, une mannequin brésilienne, une Blanche Neige malicieuse ou encore une caillera caustique et attachante, elle incarne des femmes contemporaines qui toutes nous émeuvent et nous déclenchent des fous rires.

C’est sûr, Nadia Roz redonne des couleurs à la vie et… ça fait du bien !

Mon avis : Nadia Roz est un véritable phénomène ! Pour moi qui la suis depuis belle lurette, je la tiens comme une de nos toutes meilleures humoristes actuelles, tous sexes confondus. Dès qu’elle se trouve sur scène, cette petite bonne femme posée et réservée se métamorphose en une vraie tornade pleine d’une folle énergie et totalement désinhibée. Rien ne l’arrête. Elle sait tout faire…

Jouant de son visage ô combien expressif et utilisant à ravir un corps d’une souplesse impressionnante (il faut voir comme elle bouge), elle peut se permettre d’être performante dans tous les registres : mime, danse, chant, grimaces, burlesque, accents, imitations… avec un naturel et une aisance désarmants. Si l'on veut parler d'elle en toute honnêteté, on ne peut qu'employer les superlatifs.

Prenant dès le début son public à bras-le-corps, elle ne va plus le lâcher pendant quatre-vingt minutes exécutées sur un rythme échevelé. Coquine, espiègle, naturellement sensuelle, elle interpelle les spectateurs, joue avec, les déstabilise d’un regard menaçant, les charme en minaudant langoureusement… Mais elle ne se contente pas de cet aspect interactif, elle assure aussi avec la qualité de ses sketches tous remarquablement écrits et interprétés. Ses formules font mouche, ses expressions sont imagées, ses jeux de mots excellents. Quant aux personnages qu’elle campe, ils sont tout simplement à se tordre de rire.

Il y a bien sûr la tante convertie en coach de « gym pour la femme domestique », la cousine caillera aspirante comédienne qui fait son numéro au Pôle emploi, et aussi le mannequin à l’accent brésilien, Blanche Neige héroïne d’un conte dénaturé. A côté de cette galerie de personnages, elle s’amuse à développer le cinéma que les femmes se font dans leur tête et à évoquer sa maternité façon récipiendaire d’un César. C’est du très haut niveau.

Ajoutez à tout cela, un rap écrit au scalpel autour de la chirurgie esthétique, une chanson interprétée avec la voix d’une chanteuse estampillée Disney, un slam revendicatif, et vous obtenez un show endiablé, éclectique et dense…

Nadia Roz est un cartoon à elle toute seule. Hyperdouée de l’humour, elle possède un sens inné du comique dans la moindre de ses mimiques et dans une gestuelle qui n’appartient qu’à elle. Bref, c’est une formidable comédienne, inventive et complète. On comprend d’ailleurs que la télévision fasse de plus souvent appel à ses talents riches et variés.

Comme en France tout finit par des chansons, le spectacle auquel j’ai assisté m’a suggéré une petite parodie :

Un corps qui bouge vraiment bien

Des horreurs sortant de sa bouche

Des personnages qui font mouche

La scène c’est son terrain

Quand ell’ joue à la caill’ra

Qu’elle chang’ d’accent, de voix

On voit la vie en Roz

Ell’ nous dit des mots d’humour

Entre acide et velours

C’est fou tout ce qu’elle ose

Lorsque tombe un spectateur

Dans son collimateur

Elle est chargée sa dose

Elle est pour moi

Chez les filles

Qui pétillent

Aussi douée, drôl’ que la Foresti

Ell’ me fait rire aux éclats

J’adore ses ébats

Elle est extra

Gilbert « Critikator » Jouin

Enorme !

Théâtre de Paris

Salle Réjane

15, rue Blanche

75009 Paris

Tel : 01 42 80 01 81

Une pièce de Neil Labute (Fat Pig)

Adaptée par Marie-Pascale Osterrieth et Charlotte Gaccio

Mise en scène par Marie-Pascale Osterrieth

Décors de Pierre-François Limbosch

Lumières de Laurent Castaingt

Costumes de Charlotte David

Musiques de Jacques Davidovici

Avec Charlotte Gaccio (Hélène), Julie de Bona (Julie), Bertrand Usclat (Thomas), Thomas Lempire (Quentin)

L’histoire : Quentin voudrait sortir avec Julie, qui voudrait être avec Thomas, qui la mène en bateau. Jusqu’au jour où Thomas tombe amoureux fou d’Hélène, une jeune femme brillante, drôle, sexy, mais qui est ronde… très ronde. Combien d’insultes devra-t-il entendre avant de se lever pour défendre la femme qu’il aime ? Obligé de se justifier auprès de ses collègues de bureau, sera-t-il prêt à assumer ?

Mon avis : J’avais beau être accoutumé à ce que l’on distribue TOUJOURS d’excellentes pièces dans la salle Réjane du Théâtre de Paris, j’avoue que j’étais un peu tiède en y venant car le thème de Enorme ! ne me semblait pas très attractif. Or, la programmation de la salle Réjane perdure dans son sans-faute en mettant cette pièce à l’affiche puisque j’ai passé une fois encore un vraiment bon moment. Et, au vu des bravos enthousiastes qui ont accompagné les saluts à la fin, je n’étais pas le seul à avoir ressenti ce plaisir.

A cela, il y a plusieurs raisons…

D’abord, il faut saluer le remarquable travail d’adaptation effectué par Marie-Pascale Osterrieth et Charlotte Gaccio de Fat Pig, la pièce de Neil Labute bardée de récompenses à Broadway et à Londres. Elles ont eu le talent d’en faire une comédie à la française, avec des dialogues vifs et percutants, saupoudrés de quelques allusions et clins d’œil « bien de chez nous ».

Ensuite, il y a la distribution. Là aussi, c’est un sans-faute. On a du mal à imaginer d’autres comédiens à la place tant ils incarnent leurs personnages à la perfection. A certains moments, ils sont tellement habités qu’on n’a plus l’impression qu’ils sont en train de jouer.

Dans le rôle d’Hélène, Charlotte Gaccio est absolument épatante. On peut dire que les gènes ont été bien transmis, et par la maman (dans le jeu, le sens de l’humour, la sincérité et l’art de se réfugier dans l’autodérision), et par le papa (dans la capacité à manier la plume et les mots). On sent qu’elle a mis beaucoup – sinon tout – d’elle-même dans ce personnage, dans ce qu’elle dit et dans sa psychologie. Hélène est quelqu’un de foncièrement attachant. Elle est lucide, cash, malicieuse, pleine de joie de vivre (ah, ce joli rire perlé si communicatif !), charmeuse, taquine et, surtout, elle s’assume. Elle se protège néanmoins à grand renfort de pirouettes et de blagues, jusqu’à ce qu’on la découvre totalement désarçonnée de se voir courtisée.

Hier soir, dans le rôle de Thomas, Bertrand Usclat était remplacé par Guillaume Pottier. Ce dernier m’a complètement bluffé. Quelle palette de jeu, quelle finesse, quelle justesse ! Il était complètement dedans. Il ETAIT Thomas, un jeune homme performant dans son travail, mais très emprunté, voire coincé, dans ses relations avec les femmes. Il est doux, rêveur, mal assuré, intègre. Il faut voir la précision de ses gestes lorsqu’il est dans l’embarras ; ce qui, hélas pour lui, arrive très souvent.

Thomas a la (mal)chance de compter sur la présence au bureau de Quentin, un collègue qui est son contraire absolu. Quentin a l’art de se faire détester. Il est vanneur, cynique, sûr de lui, mufle. Il se mêle de tout, il trahit sans vergogne et sans remords bref, il est le félon type. Thomas Lempire l’interprète avec un naturel désarmant. Il est celui qui met du poil à gratter dans ce qui ne pourrait être qu’une gentille romance. Mais il est aussi la personne qui synthétise le regard quasi général que nous portons sur les individus en surcharge pondérale, un regard qui, avouons-le, est souvent sans complaisance. Il dit tout haut ce que la plupart d’entre nous pensent tout bas. Son rôle est primordial car il est déclencheur.

Quant à Julie, elle est également indispensable au bon équilibre de la pièce. Elle, elle a tout pour elle. Joli minois, plastique irréprochable, rouage important au boulot, elle devrait être heureuse et épanouie. Or, c’est une romantique, une sentimentale et, pire encore, une femme amoureuse qui va se sentir bafouée. Julie de Bona est impeccable dans ce rôle délicat de femme en souffrance qui essaie tant bien que mal de sauver les apparences. Alors, elle rentre dans le tas avec une fougue et une véhémence impressionnantes. C’est un véritable robinet à paroles, une mouche qui virevolte, qui agace jusqu’à ce qu’on ait envie de l’écraser. Quel tempérament !

Enfin, et c’est la troisième grande qualité de ce spectacle, il donne à réfléchir. Il nous place tour à tour dans les deux camps. Celui des gens physiquement « normaux », représentés par Julie et Quentin, et dans le camp d’Hélène qui exprime son ressenti. Pour les premiers, on évoque l’incommodité que l’on a à s’adresser naturellement à quelqu’un d’enveloppé, on énumère les ostracismes, les lieux communs et les idées reçues… Quant à Hélène, elle exprime ses difficultés à se faire accepter par les autres, sa hantise de leurs jugements, sa conscience que l’on n’aime guère « s’afficher avec une grosse », son exigence d’honnêteté vis-à-vis d’elle…

Beaucoup de vérités sont ainsi assénées, souvent crûment. Enorme ! est une pièce « rondement » menée où l’on rit les trois-quarts du temps (grâce aux dialogues et au jeu hyper-précis des comédiens) mais qui donne aussi à réfléchir. Il s’en dégage beaucoup d’émotion, mais sans jamais tomber dans la mièvrerie ou le pathos… Pour toutes les raisons que je vous ai développées, c’est une pièce qui vaut vraiment le coup d’être vue.

Gilbert « Critikator » Jouin

Les Mangeurs de Lapin

Alhambra

21, rue Yves Toudic

75010 Paris

Tel : 01 40 20 40 25

Métro : République / Jacques Bonsergent

Ecrit et interprété par Dominique Baird-Smith, David Benadon, Jean-Philippe Buzaud, Sigrid La Chapelle

Mis en scène par Alain Gautré

Direction artistique de Sigrid La Chapelle

Décors de Sigrid La Chapelle

Lumières de Sabine Belotti

Création musicale de David Benadon

Costumes de Julie Calange, Véronique Vigneron, Haruka Nagaï

Présentation : Déjanté et poétique, un spectacle irrésistible au carrefour des arts de la scène : Une échappée jubilatoire vers l’imaginaire, à découvrir en famille !

Tour à tour fakirs, magiciens, danseurs, tennismen, dresseurs d’animaux, camelots ou oiseaux de proie, les Mangeurs de Lapin tentent désespérément d’éblouir le public par d’improbables numéros de cirque et de music-hall.

Sous le regard blasé d’un musicien stoïque, ces sympathiques escrocs nous mènent en bateau de l’Inde à l’Ecosse en passant par la savane et le Médoc et se révèlent être d’authentiques virtuoses du rire et de l’absurde.

Mon avis : « Que c’est beau un vol de raquettes, le soir, à l’Alhambra !... »

Voici la réflexion saugrenue que je me suis faite en assistant, enchanté et médusé, à un époustouflant numéro de jonglage effectué par Dominic Baird-Smith avec des raquettes de tennis… Mais mes sensations en découvrant le spectacle des Mangeurs de Lapin ne se réduisent pas à cette performance. Pendant les trois-quarts du temps, je me suis trouvé en état d’émerveillement. J’étais comme le gamin d’une dizaine d’années qui se trouvait deux rangées devant moi : il était debout, les yeux écarquillés, la bouche tour à tour grande ouverte soit pour marquer son étonnement, soit pour laisser éclater un rire frais. Son bonheur faisait plaisir à voir. Il n’y avait d’ailleurs plus d’adultes dans la salle, il n’y avait que de grands enfants prompts à s’extasier devant les pitreries de ces quatre énergumènes lapinophobes. Les Mangeurs de lapin, il faut les voir pour y croire. Quel cirque !

Dans la note de présentation, on évoque leurs « improbables numéros de cirque ou de music-hall »… Mais, devant le résultat, on n’ose imaginer combien d’heures de travail et de répétitions il leur a fallu pour les rendre aussi remarquablement « improbables » ces numéros tant ils exigent de précision.

Le spectacle commence par un étourdissant exercice de volubilité qui va donner le ton à la suite. Le mot qui les définit tout au long de ce show (show lapin ?) est « virtuosité ». Virtuosité verbale, virtuosité gestuelle, et virtuosité musicale. En effet, David Benadon est un remarquable musicien multi-instrumentiste (piano, guitares, batterie, trombone à coulisse…) qui va scander, accompagner et illustrer le spectacle de ses compositions variées et colorées.

Poses grotesques, effets (très) spéciaux, blagues potaches, bruitages, autodérision, animaux sur scène, magie… tous les numéros sont présentés d’une façon volontairement affectée par un bateleur le plus souvent dépassé par les événements (Jean-Philippe Buzaud, excellent dans le maniement subtil du second degré et les postures théâtrales)… Dans cette auberge espagnole du rire et du burlesque, on trouve évidemment de tout. Nous sommes en décalage permanent. Il pleut des trompes d’eau, alignements de cornacs, cycliste gonflé dans tous les sens du terme, roulements de tambour pour annoncer un numéro aux pommes, musique romantique pour imager l’expression «  ramasser une veste » au sens propre…

Pour moi, cinq numéros, particulièrement inventifs et réussis, nous font passer un vrai grand moment. Dans mon ordre préférentiel, je mets en première position l’invraisemblable jeu à quatre mains et la séance de lévitation d’un fakir forcément lamentable (formidable composition visuelle de Sigrid La Chapelle) que je subodore être un hommage appuyé au fameux sketch de Pierre Dac et Francis Blanche, le Sâr Rabindranath Duval… Ensuite, je place le numéro de jonglage précité exécuté par un Ecossais pas avare de son talent… Puis, à égalité, le tableau pachydermique et celui intitulé « Le toucan du Médoc », un numéro haut perché dont je vous laisse la surprise… Et puis, j’ai vraiment apprécié le pitoyable ballet exécuté (cette fois dans le sens létal du mot) par le duo La Chapelle/Buzaud. Ce dernier, par ses mimiques et ses manières m’a fait furieusement penser à Benny Hill, ce qui n’est pas le moindre des compliments.

Comme dans le cochon, tout est bon chez Les Mangeurs de Lapin. Il y a des morceaux plus nobles et plus goûtus que d’autres, mais tout est très comestible. Si on a mal au ventre en sortant de l’Alhambra, ce n’est pas pour des problèmes de digestion lourde, au contraire, c’est d’avoir trop ri. Car rire beaucoup, de bon cœur et avec une spontanéité toute juvénile, ça rend vraiment léger.

Gilbert « Critikator » Jouin

Fleur de cactus

Théâtre Antoine

14, boulevard de Strasbourg

75010 Paris

Tel : 01 42 08 77 71

Métro : Strasbourg Saint-Denis

Une pièce de Barillet et Grédy

Mise en scène par Michel Fau

Décors de Bernard Fau

Costumes de David Bélugou

Lumières de Joël Fabing

Maquillages de Pascale Fau

Avec Catherine Frot (Stéphane), Michel Fau (Julien), Cyrille Eldin (Norbert), Mathilde Bisson (Antonia), Wallerand Denormandie (Igor), Marie-Hélène Lentini(madame Durand-Bénéchol), Frédéric Imberty (monsieur Cochet), Audrey Langle (le Printemps de Boticelli)

Présentation : Mentir à sa maîtresse n’est pas toujours une bonne idée. Surtout quand elle décide de rencontrer votre ex-femme imaginaire pour mettre les choses au clair. Heureusement, Julien a une assistante dentaire dévouée… malheureusement, elle est amoureuse de lui et très susceptible !

Mon avis : Cinquante après sa création en 1964, Fleur de cactus vient s’épanouir de nouveau, au théâtre Antoine cette fois.

Après avoir eu l’agréable surprise d’entendre frapper les trois coups à l’ancienne, nous sommes immédiatement replongés dans ces années soixante si pleines de couleurs flashy et chargées d’insouciance. Les décors, qui glissent, montent et descendent, nous emmènent successivement dans la chambrette mansardée d’Antonia, dans la boutique où elle vend des disques vinyles, dans le cabinet de Julien, dentiste de son état, et dans une boîte de nuit. Il n’y a rien de superflu, tout est conçu pour nous faire profiter au maximum des comédiens et de leurs chassés-croisés. Il faut également souligner la beauté audacieuse des costumes (les ensembles extravagants très « courrégiens » de madame Durand-Bénéchol et les vestes aux tons criards de Norbert, par exemple).

Lorsque le rideau se baisse à la fin, quand le moment est venu de réfléchir à ce que l’on va pouvoir rapporter de cette pièce, lorsqu’on essaie de synthétiser à chaud nos sensations, on se sent un peu divisé… Evidemment, il y a beaucoup plus de fleurs que d’épines de cactus à adresser.

Au départ, j’ai été quelque peu déstabilisé par le ton récitatif et les postures caricaturales des comédiens. Et puis, soudain, j’ai réalisé que Michel Fau avait sans doute voulu nous offrir une parodie de pièce de boulevard avec un double niveau de lecture. A partir du moment où j’ai accepté ce parti pris, je n’ai fait que prendre du plaisir. En effet, si on ne s’en tient strictement qu’au premier degré, on se sent un peu désarçonné par cette façon de jouer. C’est comme un morceau de musique qui sonnerait légèrement faux et auquel on s’habituerait peu à peu. Ensuite, si on adhère au postulat de Michel Fau, on se délecte au contraire de rentre dans le jeu volontairement outré des acteurs. C’est tellement bien fait que ça nous paraît progressivement normal.

En revanche, et je pense que c’est là aussi une volonté du metteur en scène, Catherine Frot est la seule à jouer avec naturel. Pour reprendre la métaphore musicale, c’est comme si nous avions une soliste qui jouait juste entourée de musiciens qui sur-jouent une autre partition. L’effet, très risqué, est pourtant étonnant. Je crois que Michel Fau a tout fait pour que sa mademoiselle Vigneau recueille tous les suffrages. C’est qu’il la connaît bien désormais. Leur expérience commune précédente dans Marguerite, leur a permis d’acquérir une formidable complicité. Lorsqu’il possède un stradivarius entre les mains, Michel Fau ne se prive pas d’en tirer le meilleur. Phonétiquement, entre Frot et Fau, il n’y a qu’un « r » de différence, un air de famille…

Pour moi, Fleur de cactus est un immense jeu de Lego ; chaque pièce qui s’emboîte à la précédente est un nouveau mensonge. Si bien que l’édifice ainsi érigé monte très haut mais, affreusement branlant, il risque de d’écrouler à tout moment. Or, et c’est là tout le talent de Barillet et Grédy, les auteurs, la pyramide ne s’effondrera il que lorsque Stéphane l’aura décidé, suivie de peu par un Julien aux yeux et au cœur enfin décillés.

Ce vaudeville, comprenant moult répliques absolument savoureuses et qui va crescendo, est fort bien écrit. Il frise même le surréalisme car ses protagonistes sont amenés à croire en un avatar qu’ils ont eux-mêmes engendré !... Il est emmené par un superbe trio : Frot (Stéphane)-Fau (Julien)-Bisson (Antonia). Catherine Frot a hérité du beau rôle car son personnage va être en constante évolution. Ou, comment la secrétaire stricte et austère va d’abord vivre son fantasme comme s’il était la réalité avant de se métamorphoser en séductrice sûre d’elle-même… Michel Fau, en piégeur-piégé s’amuse visiblement comme un petit fou en prenant des poses théâtrales dignes du cinéma muet. Quant à Mathilde Bisson, avec son physique et ses tenues de starlette des années 60, mini-jupe et chignon choucrouté, elle est tout simplement épatante. Alors qu’elle nous apparaît au départ comme une nunuche un tantinet évaporée, on s’aperçoit au fil de l’intrigue que c’est une très saine et belle personne, avide de vérité et au comportement d’une droiture exemplaire.

Il y a dans cette pièce deux scènes particulièrement réussies : le tête-à-tête entre Stéphane et Julien dans leur cabinet au cours duquel ils se disent vraiment les choses à fleurets mouchetés (Julien évoquant entre autres « la peur de vivre » de Stéphane), ou l’art pour un faux ménage de se faire une vraie scène… Et puis, il y a vers la fin ce bel échange plein de respect et d’humanité entre Stéphane et Antonia.

Au côté de ce magnifique trio, chacun se met au diapason. Cyrille Edlin s’éclate en interprétant un véritable mufle, un grossier personnage dénué de tout scrupule, mais qui se laisse toutefois mener par le bout du nez par sa compagne au caractère bien trempé (Audrey Langle)… Wallerand Denormandie joue à la perfection un bellâtre dépressif aux antipodes de l’évident pouvoir de séduction qu’il dégage… Chacune des apparitions de Marie-Hélène Lentini est à se tordre de rire… Et Frédéric Imberty joue les victimes expiatoires avec un enthousiasme convaincant.

Gilbert « Critikator » Jouin