Tony Bennett & Lady Gaga "Cheek To Cheek"

Columbia Records / Universal International Music

Lady Gaga avait figuré en 2011 sur l’album Duets II de Tony Bennett. A la demande du crooner, ils avaient interprété ensemble The Lady Is a Tramp. Conquis par la prestation de la Lady, Tony Bennet lui a proposé d’enregistrer tout un album de jazz. Ainsi est né Cheek To Cheek…

C’est peut-être l première fois que la créatrice de Bad Romance s’est sentie intimidée et impressionnée par quelqu’un. Pourtant, soixante ans les séparent (Tony Bennett, 88 ans, Lady Gaga, 28 ans) mais un même amour du jazz les a réunis.

Pour la première fois aussi, la chanteuse ne s’est pas réfugiée derrière son extravagance et son goût naturel pour la provocation. Elle avoue avoir enfin pu être elle-même et chanter avec une voix qui est vraiment la sienne. Et puis, cet album arrive fort à propos pour remettre la Lady en selle après l’échec commercial de son dernier opus, Artpop qui ne s’est vendu qu’à 1,4 millions d’exemplaires dans le monde. Echaudée, elle aurait même annoncé qu’après cette « jazzy experience », qu’elle ne ferait « peut-être plus jamais de musique pop ». gageons plutôt que cette décision est motivée par le dépit et que la « Mother Monster », qui n’en est pas à un revirement près, va vraisemblablement trouver d’autres terrains musicaux pour rebondir…

Photo Abaca

 Pour les amateurs de grands standards et de big band, Cheek To Cheek est une splendeur. Comme à son habitude, Tony Bennett, dont c’est tout de même le cinquante-septième album studio, assure sa partie avec son aisance et son swing habituels. En revanche, celle que l’on attendait au tournant, c’était bien sa partenaire, Stefani Germanotta, alias Lady Gaga, dans un registre où on ne la soupçonnait pas forcément.

Et bien, on peut dire que la sauce a pris. Entre la voix chaude et légèrement éraillée de Tony et celle plus aigue et plus métallique de la Lady, le mélange est parfait. L’osmose est totale. Le plaisir qu’ils ont à partager est audible. On les sent s’amuser comme deux petits fous, chacun tentant de séduire l’autre. On entend Lady Gaga rire, pousser des petits cris,

S’appuyant sur cette Rolls vocale qu’est Tony Bennet, Lady Gaga se lâche, prend des risques, explore des zones jusque là insoupçonnées de son organe.

Dans Nature Boy (ma chanson préférée sur cet album), elle joue merveilleusement de la voix de velours. A souligner également sur ce titre une superbe partie de flûte… Dans I Can’t Give You Anything But Love, sa voix ondule, se love, s’enroule sensuellement autour de celle de Tony. Dans Firefly, elle termine dans un scat que n’aurait pas désavoué Ella Fitzgerald. Dans Lush Life, elle se fait tour à tour impérieuse et langoureuse. Et dans It Don’t Mean A Thing (If It Ain’t Got That Swing), elle se fait sauvage, rugit, feule et swingue comme une petite folle pour temriner la chanson ( et l’album), sur un spontané « Waouh » de bonheur.

Lady Gaga s’éclate visiblement, prend du plaisir, se rassure et confirme une chose : elle sait vraiment chanter !

Sur le plan des orchestrations, Cheek To Cheek est également un pur bonheur. Autour de la colonne vertébrale qu’est le Tony Bennett Quartet (piano, guitare, basse, batterie), viennent se greffer une flopée de super musiciens qui apportent à chacun des titres une couleur personnelle en faisant la part belle à un son particulier : cuivres, orgue, violons, flûte, harpe… Il y a des merveilles de soli. C’est digne des meilleurs arrangements d’un Duke Ellington.

Le Bal des Vampires

Théâtre Mogador

25, rue de Mogador

75009 Paris

Tel : 01 53 33 45 30

Métro : Havre-Caumartin / Chaussée d’Antin / Trinité / Auber

Livret et paroles de Michael Kunze

Musique de Jim Steinman

Mise en scène de Roman Polanski

Chorégraphies de Dennis Callahan

Scénographie de William Dudley

Costumes créés par Sue Blane

Lumières créées par Hugh Vanstone

Adaptations des chansons de Nicolas Nebot

Avec David Alexis (le Professeur Abronsius), Daniele Carta Mantiglia (Alfred), Rafaëlle Cohen (Sarah), Solange Milhaud (Rebecca Chagal), Pierre Samuel (Yoine Chagal), Stéphane Métro (le comte Von Krolock), Sinan Bertrand (Herbert Von Krolock), Moniek Boersma (Magda), Guillaume Geoffroy (Koukol)…

L’histoire : Le Professeur Abronsius, un excentrique scientifique de l’université de Königsberg, n’a qu’une obsession : prouver au monde l’existence des vampires.

Accompagné par son fidèle assistant, le jeune Alfred, et avec pour seule arme son indéfectible foi en la logique et la science, il se lance dans cette quête un peu folle à travers les contrées sauvages de la Transylvanie.

Une tempête de neige va pousser nos deux héros à faire escale dans l’auberge de Yoine et Rebecca Chagal. Là, des indices tels que des guirlandes de gousses d’ail placées en abondance un peu partout dans la maison vont faire comprendre au Professeur qu’il est sur la bonne voie. Alfred, quant à lui, va tomber immédiatement sous le charme de la jeune Sarah, la fille des Chagal.

Le comte Von Krolock, vampire sombre et charismatique habitant le château des environs, tente lui aussi de séduire discrètement la jeune fille en l’invitant au bal annuel qu’il donne pour ses congénères…

Mon avis : Le Bal des Vampires a mis plus de quinze ans pour être enfin présenté dans le pays qui l’a vu naître ! Créé en 1997 à Vienne, en allemand, ce spectacle musical est en effet l’adaptation sur scène du film de Roman Polanski sorti sur les écrans 30 ans auparavant. Juste retour des choses, la version française de la comédie musicale possède le grand avantage d’être mise en scène par son propre auteur, Roman Polanski lui-même.

Disons le sans ambages, Le Bal des Vampires est un grand, très grand spectacle. On en prend plein les mirettes. Sur le plan de l’esthétique, des images, de la scénographie, des décors, des costumes, des chorégraphies et des voix, c’est un des plus aboutis que j’aie vu. Je le place quasiment au  niveau de la version anglaise des Misérables qui avait été présentée au Châtelet en 2010 et que je tiens pour le plus exaltant spectacle musical auquel j’ai assisté.

Pourtant, si je ne le mets pas au même niveau, c’est parce que j’ai quelques réserves à émettre… Pour être précis, ce Bal des Vampires m’a plu à 80 pour sang. Et, à la sortie, énormément d’avis abondaient dans le même sens : c’est une comédie musicale, mais elle pêche par… ses chansons ! Pour moi, la musique qui habille ce spectacle s’apparente plus à de l’opéra. Mais j’y reviendrai de façon plus explicite à la fin de cette critique.

Abordons d’abord les points positifs et emballants de ce Bal des Vampires. Ceux auxquels que je classe sous le titre générique de Rhésus O+…

Rhésus O+

-          L’orchestre qui joue en live… C’est magistral, ça donne un aspect musique de film. Il y a des quantités de couleurs musicales différentes qui soulignent les climats des différentes scènes. Il y a de l’ampleur, il y a de l’intime, il y a du frisson, il y a de l’allégresse. Et il y a de nombreuses trouvailles sonores. C’est de la belle et grande musique.

-          Les décors… Ils sont juste remarquables et ils donnent lieu à de magnifiques tableaux. Comme cette auberge qui pivote à 360° pour se métamorphoser en chambres à coucher, cette crypte qui sert de dortoir aux vampires, ce cimetière, ou ce tout premier tableau du second acte qui fait penser à un calendrier de l’Avent… Dans ce domaine, c’est un sans-faute absolu.

-          La scénographie… Il neige sur scène ! L’utilisation du travelling comme au cinéma nous permet de voyager dans une dense forêt de Transylvanie ou d’accéder au château du Comte. Les projections donnent de la profondeur, de l’espace, du dépaysement. Et, surtout, cette performance technique hallucinante grâce à laquelle on n’aperçoit pas les reflets des vampires dans les miroirs alors que l’on distingue parfaitement ceux des humains qui sont avec eux !... On voit qu’on a vraiment mis de gros moyens.

-          Les lumières… Elles sont essentielles pour l’ambiance des différentes phases de l’action. Un éclairage particulièrement travaillé nous met en présence de véritables tableaux de maîtres. Une couleur dominante (le gris, le rouge…) traduit donne le ton à certaines scènes et les magnifie.

-          Les costumes et les maquillages… Ils sont simplement prodigieux. Il y a plus de 200 costumes et 150 perruques ! Il y a deux ou trois tableaux qui ne sont pas sans rappeler La Nuit des morts-vivants ou le clip de Thriller de Michael Jackson.

-          Les chorégraphies… Elles nous emportent et nous fascinent. Quelques une nous font vivre de grands moments. Il y a des portés dignes de l’opéra, voire de l’acrobatie. Quelle maîtrise, quelle virtuosité et, surtout, quel travail ! j’ai adoré entre autres la scène qui se déroule autour du grand lit à baldaquin où sont assoupis le Professeur et Alfred et, bien sûr la grande scène du bal.

-          Les comédiens… Là aussi, le casting est parfait. Ils sont tous épatants. Mention spéciale toutefois au personnage du Comte, à celui de Koukol, sorte de Quasimodo des Carpates particulièrement inquiétant, et à celui de Yoine Chagal pour sa truculence.

-          Les voix… On ne peut que s’incliner. Elles sont toutes véritablement impressionnantes. Là aussi, pour certains, on frise de très près l’opéra. Mention spéciale là encore pour le coffre du Comte et pour le morceau de bravoure (très applaudi) qu’est la chanson du Professeur avec un débit effréné. C’est une sacrée performance.

-          L’humour… Il est permanent. On rit bien plus souvent que l’on est effrayé. C’est le but recherché puisqu’on est dans la parodie et de détournement, et il est tout à fait atteint.

Passons enfin aux quelques griefs que je formule et que je classe donc en toute logique sous le terme de Rhésus O-

Rhésus O-

-          Les chansons… Si l’on fait abstraction du seul énorme tube qu’est l’adaptation du somptueux Total Eclipse of the Heart, signé Jim Steinman, le compositeur du Bal et immortalisé en 1983 par Bonnie Tyler, je n’ai guère retenu que la fameuse performance vocale du professeur dans laquelle il parle de logique et de science, ainsi qu’une chanson interprétée joyeusement par Yoine Chagal. Pour le reste, on a droit la plupart du temps à des chansons très lentes, parfois symphoniques, qui se traînent en longueur. Elles ne doivent pas être simples à interpréter. Si bien qu’en dépit de la qualité vocale des chanteurs et chanteuses, on a tendance à décrocher assez vite. Bref, pour des Vampires ou des chasseurs de Vampires, je ne les ai pas trouvées assez… incisives... Bien sûr, c'est le livret qui a été conçu ainsi et les chanteurs n'ont absolument rien à se reprocher, au contraire.

-          Leur adaptation… La transfusion des textes originaux a été plutôt réussie par Nicolas Nebot. Là aussi, le boulot n’était pas évident car il y a un phrasé très particulier. Il faut le faire le découpage d’une chanson qui s’étire en longueur… Il y a néanmoins quelques petites choses qui m’ont écorché l’oreille ou des options auxquelles je n’ai pas adhéré. J’ai trouvé maladroite la formule « La mort vous change un homme » (puis « une femme »). C’est pour le moins une lapalissade d’un goût douteux… Enfin, daans l’adaptation de Total Eclipse of the Heart, la volonté de placer à tout prix la sonorité « Forever » (en faux rêveur) au dépit du sens et celle de garder le mot « Eclipse » pour en faire un vilain « éclipser mon cœur »… Mais c’est tout, le reste est parfait. Respect pour ce travail d’orfévre.

-          Quelques longueurs… Ou langueurs. Il y a certaines scènes qui sont trop longues (la mort de Chagal, par exemple) et qui, illustrées par une chanson qui se traine elle aussi, gâchent le rythme du spectacle.

En conclusion, La Bal des Vampires est un spectacle réellement magnifique, qui ne vous décevra pas et dont vous garderez longtemps en mémoire la magnificence de certains tableaux dignes de la peinture ou du cinéma.

Arthur H "Soleil dedans"

Mystic Rumba / Polydor / Universal Music

Arthur H continue son petit bonhomme de chanteur en tentant d’introduire dans chaque album quelque chose de différent. C’est une sorte d’explorateur ; il aime découvrir des univers, des sons, des climats. Il lui serait pourtant facile, avec son timbre de voix si personnel et son piano, de se cantonner dans une même ambiance musicale, et ce serait incontestablement toujours aussi agréable à écouter. Seulement voilà, détestant la routine, il aime se surprendre et donc nous surprendre.

Dans Soleil dedans, son onzième album en près de vingt-cinq ans, il revient un peu à son principal fonds de commerce, avec une vitrine de facture classique, mais avec quelques articles nouveaux, comme des bruitages et, le plus inattendu, son utilisation de la voix de tête. Et c’est particulièrement réussi… A l’image de son titre, cet album est plutôt lumineux, mais il n’oublie toutefois pas d’aller faire un petit tour parfois « On the dark side of the moon ». D’ailleurs deux titres font directement allusion à cet astre (L’autre côté de la lune et L’aéroport de Los Angeles). La chanson la plus explicite de ce « côté sombre » est La Ballade des clandestins. Sur un rythme léger, Arthur H aborde ce fait de société empreint de gravité, en lui imposant un aspect dynamique. Il s’oppose au renoncement ; il faut « regarder devant », « marcher droit » et « glisser vers la lumière » et, quitte à échouer, autant « mourir debout ».

Cette Ballade est ma chanson préférée de cet album car elle traite d’un drame humain avec un mélange de réalisme et de poésie. Et les choses sont dites.

Autre chanson sociétale, celle que je classe en deuxième dans mon ordre affectif, La Caissière du Super… Là aussi, sur un ton badin, il évoque le quotidien d’une caissière de supermarché. Bruits de caisse enregistreuse, rythmique lancinante et orchestration primesautière, le climat ne souligne volontairement pas la pénibilité physique et morale de ce job. Il constate tout simplement en disant pour quoi et pour qui « elle bosse » : pour son boss et pour la banque, pour son gosse et pour bouffer. On ne peut pas être plus précis. Et l’interprétation, très ludique, voire détachée, nous fait encore plus prendre conscience de la lourdeur de ce métier. C’est très habile.

Après ces deux chansons qui interpellent, je place deux titres que je ne peux dissocier, La femme étoile et Les Papous, c’est nous. Elles ne traitent bien sûr pas du même sujet, mais elles partent du même parti pris musical. La première repose sur une rythmique hésitant entre le reggae et le ska. Et la seconde, vrai petit film d’aventures, est une chanson gag, sautillante et jubilatoire. Résultat les deux se confondent dans une joyeuseté totale en forme de récréation.

Ensuite, j’ai beaucoup aimé Une femme qui pleure. Cette très belle chanson d’amour, traitée en piano-voix (sauf le pont qui est brièvement symphonique), est envoûtante. C’est plein de déférence, de dévotion et de désir à peine contenu. Sur cette délicate ambiance bluesy, Arthur ose passer en voix de tête.

Je terminerai par L’autre côté de la lune, la chanson qui introduit l’album. La mélodie est efficace, entraînante, dominée par un piano complice. C’est dans ce titre qu’il s’amuse à dire la seule phrase en anglais (allusion référentielle aux Pink Floyd) avec la voix haut perchée. C’est une belle trouvaille.

Et enfin, j’ai pris beaucoup de plaisir à m’embarquer avec son Navigateur solitaire. Il y alterne systématiquement sa voix grave naturelle avec un timbre plus léger. C’est un très beau texte, intelligent, qui parle d’universalité. C’est une métaphore : la vie est une course en solitaire. On peut voyager sans bouger et savoir se contenter de son propre décor tout en laissant vagabonder son imaginaire… L’essentiel étant de se laisser emporter par la vie, une vie où la place de la femme est, pour lui, visiblement prépondérante.

Célimène et le Cardinal

Théâtre Michel

38, rue des Mathurins

75008 Paris

Tel : 01 42 65 41 30

Métro : Havre-Caumartin / Auber

Une pièce de Jacques Rampal

Mise en scène de Pascal Faber

Costumes de Nathalie Vignon

Lumières de Sébastien Lanoue

Avec Gaëlle Billaut-Danno (Célimène), Pierre Azéma (Alceste Le Cardinal)

Présentation : Cardinal ! C’est, vingt ans plus tard, le destin qui attendait le Misanthrope imaginé par Molière ! Voici Alceste dans la situation très confortable d’un homme coupé d’un monde qu’il réprime de sa main de fer : au 17^ème siècle, le pouvoir d’un prélat est considérable. Vingt ans après, il s’invite donc chez son ancienne amante pour trouver une jolie quadragénaire qui, loin de la Cour qu’elle a « trahie » en épousant un bourgeois, semble parfaitement comblée avec ses quatre enfants.

Mais qu’est donc venu faire l’égal de Mazarin chez cette mère de famille sans histoire ? convaincu d’être l’ambassadeur de Dieu auprès des hommes, Alceste décide de confesser cette brebis égarée, trop heureuse pour être honnête. Cette « confession », tour à tour cocasse et émouvante… tournera vite à la joute oratoire entre un janséniste ancré dans son époque et une libertine avant l’heure, figure de proue, selon Alceste, d’un 18^ème siècle qui arrive à grands pas…

Mon avis : Hier, j’ai eu rendez-vous avec LE Théâtre. Le théâtre dans sa délicieuse quintessence. C’est-à-dire quand tout est réuni pour que la soirée soit tout à fait réussie. Quand, pendant près d’une heure et demie, vous avez la sensation d’être dans une bulle, hors du temps, hors de la vie extérieure, tout entier happé par ce qui est proposé sur la scène.

Dans Célimène et le Cardinal, on a tout ce qui synthétise une excellente comédie : un texte admirable servi par deux comédiens sensibles et impliqués. Il n’y a pas à sire : une pièce en costumes et en alexandrins, ça a de la gueule ! D’autant que grâce aux deux acteurs, on oublie très vite l’écriture en douze pieds pour prendre le nôtre. Dit comme ça, ça fait un peu trivial, c’est pourtant la vérité. Quel plaisir !

Le texte de Jacques Rampal est un bonheur. Pourtant, son postulat de départ est plutôt osé. Imaginer les retrouvailles entre Alceste et Célimène vingt ans plus tard, c’est un sacré risque. Presque un crime de lèse-Molière. Or, je suis convaincu que l’auteur du Misanthrope eût bu du petit lait (ou plutôt du chocolat, plus à en vogue à cette époque) à écouter ces vers remarquablement troussés. Il n’aurait pas désavoué la parodie tant elle est brillante, inspirée et, surtout, respectueuse des caractères brossés dans l’œuvre originale… Tout comme Molière, Jacques Rampal est un fin connaisseur de l’âme humaine, qu’elle soit masculine ou féminine. Ici, les profils psychologiques d’Alceste et de Célimène sont finement traduits. Ce sont deux duellistes qui s’affrontent dans un combat où les fleurets ne sont pas toujours mouchetés. Ou, si (fine) mouche il y a, c’est du côté de Célimène qu’on la trouvera.

En effet, en tant que spectateur privilégié, on se régale d’assister à ce combat où chacun, avec ses propres armes, se donne coup pour coup. Alceste, rigide, misogyne, imbu de son pouvoir et un tantinet pervers, attaque son adversaire frontalement. Ses assauts sont brutaux, faits pour briser puis anéantir… Alors que Célimène, plus maligne, plus joueuse, plus vivante surtout, pratique plus volontiers l’esquive tout en ne négligeant pas, lorsqu’elle entrevoit une ouverture, de porter une botte percutante. Elle adore piquer et re-piquer où ça fait mal… Leur opposition, c’est du noble art entre deux stylistes. Jusqu’à la fin, on compte les points, sans savoir lequel des deux l’emportera. Car chacun y laisse pas mal d’influx. Les blessures font mal de part et d’autre, mais aucun des deux ne veut monter de fragilité. Et pourtant…

Pourtant, après l’émotion des retrouvailles, après cette féroce échauffourée, aucun des deux n’a oublié les sentiments qui l’animaient vingt ans plus tôt. Même s’ils s’efforcent de la contenir, la tendresse est toujours là. Trouble pour lui, affection pour elle. Lui veut mettre l’âme en avant alors que c’est le corps qui l’obsède. Elle, en féministe assumée, elle s’est affranchie de ce tabou. C’est une femme libre. Libre de choisir ses amants, libre aussi du carcan de la religion. Deux attitudes qui sont insupportables pour le Cardinal.

L’écriture de Célimène et le Cardinal, ciselée, alerte et incisive, est d’une surprenante modernité. Outre la satire de l’époque (Célimène prend la défense des « petits », critique le laisser-aller de la noblesse, fustige le mépris du haut clergé, loue la force de travail des bourgeois), elle nous fait également penser à ces problèmes actuels que sont la lutte des classes et les conflits religieux. On a ainsi un pied dans la fin du 17^ème siècle et l’autre dans le présent. On se sent ainsi concerné de bout en bout.

Et puis, il y a ces deux formidables comédiens que sont Gaëlle Billaut-Danno et Pierre Azéma. Ils sont tout entiers dans leur personnage. Célimène, on l’a compris, est une femme intelligente. Elle aime la vie sous tous ses aspects et elle y croque à belles dents. Elle a un port altier, de la prestance. Et elle voit clair dans l’âme trouble d’un Alceste qui n’a finalement pas changé en vingt ans. Elle lui reproche « cette rigueur extrême, cet orgueil insensé », elle va jusqu’à le traiter de « fou » et de « porc lubrique ». Gaëlle Billaut-Danno est frémissante de vie, c’est une fière rebelle, mais elle ne dédaigne pas jouer aussi d’un pouvoir de séduction qu’elle sait ensorcelant. Son jeu est tout en subtilité.

Pierre Azéma campe un prélat tout en rigidité, droit dans ses bottes. Il se veut sans faiblesse alors qu’il n’est que tourment. Engoncé dans sa raideur janséniste, il veut à tout prix mettre à ses genoux (au propre comme au figuré) celle qui lui résiste aussi âprement. A ses remarques lucides, il répond « blasphèmes ! ». Il la traite de « catin » de « démon ». Il la menace d’excommunication. Mais au fond de lui, il sait qu’il n’est pas de taille et que, finalement, c’est lui qui ira à Canossa…

Bref, pour jouer une partition aussi brillamment composée, il fallait deux interprètes qui soient des virtuoses… Et ces deux là nous emportent très haut. Que c’est beau le théâtre quand il nous apporte autant de ravissement. Hâtez-vous de vivre et de partager un tel moment de grâce absolue !

Gilbert « Critikator » Jouin

Julie Villers "Je buterais bien ma mère un dimanche"

Théâtre de l’Archipel

17, boulevard de Strasbourg

75010 Paris

Tel : 01 48 00 04 05

Métro : Strasbourg Saint-Denis

Seule en scène écrit par Julie Villers, Antoine Schoumsky

Mise en scène de Johanna Boyé

Collaboration artistique d’Antoine Schoumsky

Présentation : Que celui (ou celle) qui n’a jamais eu envie de tuer sa mère lui jette la première pierre !

Trois femmes, trois générations, une histoire peu banale… De la mammy un brin collabo mais amoureuse à la fille déjantée et attachante, Julie Villers propose un voyage thérapeutique loin de l’univers « girly » et des clichés habituels. Vous allez la détester un peu, vous allez l’aimer beaucoup.

Plus efficace qu’une séance de psy, plus drôle que l’intégrale de Freud, plus névrosé qu’une conversation avec Woody Allen, vivez une expérience unique certifiée originale.

Mon avis : Je vais être franc : les prestations de Julie Villers dans l’émission de France 2 On n’ demande qu’à en rire avaient plutôt tendance à m’agacer. Je trouvais qu’elle en faisait trop, qu’elle cherchait à se mettre en avant… Mais, partant du principe qu’on ne peut bien connaître un artiste qu’en allant le découvrir sur scène dans l’intégralité de son spectacle, je suis allé voir Je buterais bien ma mère un dimanche, le seule en scène qu’elle joue au théâtre de l’Archipel. Et bien, je n’ai pas du tout regretté mon déplacement.

J’ai en effet découvert une remarquable comédienne, dotée d’un tempérament explosif, et d’une façon impressionnante d’occuper l’espace. Ajoutez à cela un texte joliment troussé, efficace et percutant, et vous obtenez une heure et quart d’un spectacle total, particulièrement tonique, tout le temps drôle avec de subtiles pointes d’émotion. Le jeu de Julie est parfaitement maîtrisé. Elle donne l’air d’être complètement barrée (elle l’est certainement un peu) mais sa folie est intelligemment structurée.

Julie Villers ne fait pas dans la dentelle. Elle appelle un chat un chat, elle piétine allègrement les tabous, elle ne se fixe aucune limite… Déjà, le sujet de son spectacle est scabreux : l’envie de commettre un matricide n’est pas chose anodine, et il faut être sacrément convaincante pour réussir à faire rire avec ça. Et elle y parvient sans aucun problème.

Après une entrée en scène pour le moins originale, Julie Villers entre immédiatement dans le vif du sujet, à savoir les raisons qui la poussent à vouloir trucider sa génitrice. Et elle en a des raisons ! Et pas qu’une. Son ressentiment à l’égard de sa mère est né le jour même de sa venue au monde. Dès l’accouchement, l’amour filial était sectionné avec le cordon ombilical… Mais, malgré tout cette maman avait droit à une importante circonstance atténuante, l’hérédité. En effet, sa mère à elle, la grand-mère de Julie donc, était d’un genre plutôt gratiné. Un caractère, une personnalité entière… En nous la faisant découvrir, Julie nous permet de comprendre que la méchanceté était transmise à travers les gènes. La malfaisance, la perversité et la vacherie étant dès lors héréditaires, on ne peut que s’incliner devant la fatalité.

Julie Villers jongle avec ces trois personnages (quatre si l’on tient compte du chat Georges), ces trois générations. Elle change de voix, adopte une gestuelle spécifique, crée de vrais dialogues… Une vraie performance d’actrice. Elle est comédienne jusqu’au bout des ongles, jusqu’au bout des cils. Et physiquement aussi, elle est impressionnante. Et vas-y donc que je te fais une cascade, que je sais faire aussi le grand écart. Julie est heureuse d’être sur scène. Son plaisir irradie et gagne très vite un public avec lequel elle ne cesse de jouer et à prendre à partie (au singulier). J’ai été vraiment bluffé par sa présence et son talent. Elle est aussi convaincante dans la drôlerie (elle possède une de ces batteries de mimiques !) que dans l’émotion (très juste sa parenthèse sur la solitude des personnes âgées).

Conclusion, si nous aussi on devient solidaire de ses envies de meurtre, moi je retournerais bien voir Julie un mercredi au théâtre de l’Archipel. Le cinéma ne devrait pas négliger un potentiel aussi évident. Avis aux producteurs.

Gilbert « Critikator » Jouin

L'Histoire enchantée du petit Juif à roulettes

Théâtre du Petit Hébertot

78bis, boulevard des Batignolles

75017 Paris

Tel : 01 43 87 23 23

Métro : Villiers / Rome

Pièce écrite par Frédéric Zeitoun et François d’Epernoux

Mise en scène par Alain Sachs

Avec Frédéric Zeitoun, Anthony Doux, Cécile Girard

Le samedi à 16 h 00 / Le dimanche à 19 h 30

Jusqu’au 4 janvier 2015

Présentation : « Or donc, depuis le jour où il est né, Frédéric Zeitoun traverse la vie sur ses roulettes. Avec une telle détermination et une telle élégance qu’il a entre autres talents celui de nous le faire souvent oublier. Et aujourd’hui voici qu’il lui vient l’envie de nous en parler.

D’abord sur le fond, un témoignage passionnant et passionné sur tous les aspects de sa vie qui ne peuvent que nous interpeller et nous interroger sur les nôtres. Sur la forme ensuite, celle d’une véritable comédie musicale haute en couleurs sur la destinée, le libre-arbitre, les épreuves et les victoires inhérentes à la condition humaine.

Trois vrais personnages, avec trois comédiens, musiciens, chanteurs, et pour chacun d’entre nous une seule volonté, celle de rendre à l’humour, seul moyen de parler sérieusement des choses, tous les honneurs qui lui sont dus »

Alain Sachs

Mon avis : J’avais vu cette pièce réellement originale à sa création en novembre 2013 à la Gaîté Montparnasse et j’en étais sorti emballé et aussi « enchanté » que le titre le laissait présager.

Frédéric Zeitoun nous embarque dans l’histoire de sa vie avec énormément d’humour, d’autodérision, de distance et de provoc’ aussi. La majorité de son parcours ayant été placée sous le signe de la chanson, il en a fait un spectacle total mêlant tous les genres dans lequel il est entouré de deux merveilleux artistes complets.

A la fois très drôle et émouvante, L’Histoire enchantée du petit Juif à roulettes est avant tout une superbe leçon de vie qui nous donne pas mal à réfléchir tout en nous distrayant.

Plaisir garanti. Sincèrement, à voir (ou à revoir)…

Gentlemen Forever vol. 2

TF1 Musique / Warner Music

Je suis un inconditionnel de l’aventure « Forever Gentlemen ». Il y a tout dans ce concept : que des grands standards anglo-saxons et français, une orchestration somptueuse façon Big Band, des voix sacrément veloutées, une élégance raffinée (smokings et belles robes)… C’est vraiment un « produit » noble.

Après les reprises rappelant l’univers musical du fameux du Rat Pack (Frank Sinatra, Dean Martin, Sammy Davis Jr…) du volume 1, nos Gentlemen et Gentlewomen ont repris le chemin des studios pour y enregistrer un nouvel opus tout aussi fastueux. On ne sait plus ou donner de l’oreille tant les titres retenus sont des évidences et font partie du patrimoine international de la grande chanson de variété. Toutes ces chansons sont archivées à jamais dans le rayon « Musique » du disque dur de notre mémoire. C’est un vrai bonheur que de les réentendre interprétées par les plus belles voix actuelles sur des arrangements irréprochables signés Sinclair.

Je les aime toutes ces chansons. Les quatorze ! Bien sûr j’ai quelques préférences car certaines voix sont plus swingueuses ou plus crooneuses que d’autres. Mais c’est tellement bien fait !

Par rapport au volume 1, exit Elodie Frégé, Garou, Emmanuel Moire, M Pokora et Gad Elmaleh. En échange, font une entrée très remarquée (dans l’ordre d’apparition sur le CD) Claire Keim, Antoine Duléry, Ben L’Oncle Soul, Tal, Camille Lou et Amir.

Les duos (9) et les trios (5) se succèdent pour reprendre six titres en français, sept en anglais et un mixte (Que reste-t-il de nos amours ? I Wish You Love). A propos de ce titre, c’est juste une merveille. Il est d’ailleurs amusant de constater que les initiales juxtaposées de ses deux interprètes, Paul Anka et Claire Keim, donnent « PACK » ; comme le Rat Pack ! Il y a des associations subliminales qui ne trompent pas. Le swing naturel de Paul, la sensualité toute en retenue de Claire, des cordes discrètes… Ça nous va droit au cœur.

Que dire d’autre ? On ne peut qu’employer des superlatifs pour saluer telle ou telle performance comme la facilité avec laquelle Antoine Duléry (aux antipodes de Paul Gatineau) s’est glissé dans la peau d’un chanteur de charme. A vrai dire, ce n’est pas une surprise. Dans Jean-Philippe, il poussait déjà la chansonnette et il s’était montré vraiment à son avantage. Autre entrée très remarquée (et remarquable), celle de Bel L’Oncle Soul. Formé au gospel et vacciné à la Motown, il possède un swing naturel qui apporte une valeur ajoutée aux deux titres qu’il interprète, That’s Life, où il tient la dragée haute à Paul Anka, et C’est si bon, avec Sinclair.

Roch Voisine, aussi à l’aise en anglais qu’en français, se taille la part du lion dans cet album. On le retrouve en effet dans cinq chansons. Avec Dany Brillant, qui lui figure dans quatre, ils synthétisent physiquement et vocalement le concept de « Forever Gentlemen ».

Après eux, ils sont trois à se retrouver dans trois titres chacun, Damien Sargue, Corneille et Paul Anka.

Il n’y a rien à rajouter. Il n’y a qu’à écouter, écouter et encore écouter. C’est du plaisir « forever »…