Christophe Maé "L'Attrape-Rêves"

Warner Music

Christophe Maé a acquis aujourd’hui la sagesse d’un vieil indien. Il sait désormais donner du temps au temps. Pour ce nouvel album studio – son quatrième -, il a su se poser ; il a travaillé comme un artisan, dans son studio d’enregistrement. Cette fois, ses voyages, il ne les a pas réalisés physiquement. Il les a accomplis à l’intérieur de lui-même et il a découvert d’autres richesses, plus personnelles, plus intimes. L’Attrape-Rêves est le fruit de cette intense introspection. Il est le résultat d’un travail à quatre mains et à deux têtes : Christophe et Paul Ecole, un auteur ayant déjà collaboré avec Oxmo Puccino et Calogero.

Il est arrivé par le passé que l’on raille un tantinet Christophe Maé pour la simplicité de ses textes. Or, dans L’Attrape-Rêves, la première chose que j’ai remarquée, c’est la qualité des paroles. J’y reviendrai.

Même en restant au cœur de Paris dans le quartier du Marais, Christophe Maé a le roots rock dans les veines. Lui, ses rêves, c’est avec un arc qu’il essaie de les attraper. Il n’y parvient pas toujours, mais il y en a certains qu’il a atteints en plein cœur. De cœur, donc d’amour, il en est d’ailleurs beaucoup question dans cet album. L’amour pour sa compagne explose dans Ballerine, celui qu’il ressent pour ses enfants est évoqué dans L’Attrape-Rêves et dans Marcel, et son affection pour ses potes est affichée dans Les amis.

Dans cet album, Christophe sort de sa réserve pour jouer à l’indien. Sur la pochette du CD, son nom est transpercé d’une flèche ; sa galette est couverte de plumes. Et dans quelques chansons, les allusions abondent (L’Attrape-Rêves, Californie, La Vallée des larmes). La sagesse évoquée plus haut lui est venue avec la quarantaine (40 ans demain). Il est dorénavant plus enclin à fumer le calumet de la paix dans son tipi du Sud de la France que de partir sur le sentier de la guerre. Ou alors, il s’agirait plutôt de la tendre guerre avec Nadège, sa squaw (Ballerine).

L’Attrape-Rêves est donc un album très personnel. Musicalement et vocalement, il est totalement homogène. La voix et l’univers de Christophe Maé n’appartiennent qu’à lui. Il ne ressemble à aucun autre artiste dans la chanson française. C’est là sa grande force et son originalité. Sa grande sincérité lui permet de ne jamais être dans la posture, et encore moins dans l’imposture. Christophe est un homme vrai. Il a suffisamment galéré avant de connaître ce succès phénoménal pour ne pas savoir la valeur des choses, leur essentialité. Cette authenticité transpire tout au long des textes des dix chansons de ce nouvel opus.

1/ L’Attrape-Rêves.

La seule chanson écrite par Boris Bergman. Mais elle préfigure de la suite. Christophe invoque le Grand Manitou pour lui demander surtout de bien protéger ses papooses. De cette incantation scandée avec une certaine véhémence il se dégage une profonde humanité. Elle contient aussi un message important : il faut viser des rêves, essayer de les réaliser et, lorsqu’on les a réalisés, on réalise sa vie en même temps.

2/ La Parisienne.

Sur un ton saccadé et amusé, il ironise sur un certain type de provinciale jouant à la « Parisienne » d’aujourd’hui. Du haut de ses 40 piges, avec sa « ganache d’Apache », il se sent un peu largué et dépassé, tant sur le vocabulaire que sur le mode de vie. Reflet d’une époque, le portrait, volontairement caricatural, est truffé de clins d’œil. Il prête certes à sourire mais il est également empreint de bienveillance.

3/ Californie.

Enorme travail sur les sons sur cette chanson qui est un véritable dépliant touristique, une succession de cartes postales sur une Californie idéalisée. Là aussi le tempo est haché. Parfois j’y ai trouvé des intonations à la Bashung. Le texte est tellement ciselé qu’on a l’impression d’entendre des onomatopées. Quel rythme.

4/ Il est où le bonheur.

Ne serait-ce que pour cette chanson, cet album mérite qu’on l’achète. La première fois que je l’ai entendue à la radio, je l’ai reçue en pleine tête. C’est un tube, un vrai bijou ! D’autant que le texte est loin d’être anodin. D’abord, il est autobiographique. D’où son interprétation extrêmement habitée et convaincante. L’interrogation est permanente, obsédante. Sa recherche, personnelle, devient la nôtre. Il passe de l’intime à l’universel. A cette question existentielle, il apporte une réponse fataliste : « On fait comme on peut »…

5/ Les amis.

Cette chanson est de la même veine que La Parisienne. Regard critique et là aussi chargé d’ironie sur les attitudes, les comportements affectés d’individus qui se la jouent, qui prennent des airs et se construisent des personnages qui ne sont pas eux-mêmes. C’est pittoresque, imagé et… tellement vrai, tellement bien observé. Et, tout comme dans La Parisienne, entre les lignes on perçoit une réelle indulgence car « on les aime quand même ».

6/Marcel.

Chanson-hommage au fiston. Christophe se livre. Il raconte sa façon d’être avec lui et s’avoue aussi « gamin » que lui. Dans sa voix, chargée de tendresse, on perçoit une incitation au jeu, à le faire durer le plus longtemps possible le temps de l’innocence. Des conseils tout simples qui font la part belle à la notion de plaisir.

7/ Lampedusa.

Cette chanson est un véritable tour de force en ce sens que, pour évoquer ce drame humanitaire qu’est l’émigration, il s’est mis carrément dans la peau et dans la tête d’un migrant. Façon habile pour marquer son soutien à ces déracinés, à ces victimes involontaires de la folie des hommes. Cette aventure que son héros vit en solitaire est la plus réaliste des formes de « l’attrape-rêves ». Jamais larmoyante, jamais misérabiliste, cette chanson est surtout pleine d’espoir, d’amour, de courage et de dignité. Or, après d’être muée en gospel, elle se termine brutalement en un cri de désespoir. Traitement réussi d’un sujet délicat.

8/ La Vallée des larmes.

Joli exercice de style. Abondance de jeux de mots autour de la culture indienne. Elle m’a fait penser au Cow-boy d’Aubervilliers. Sa « vallée de larmes » à lui se trouve du côté de la Plaine Saint-Denis. Clin d’œil à Johnny et à Eddy. Cette chanson est une de mes préférées car elle est à la fois amusante et réaaliste. C’est toujours bien plus efficace de dire les choses sous le biais de l’humour.

9/ 40 ans demain.

Coup d’œil dans le rétro pour faire le point sur « une vie à moitié pleine ». Analyse d’un parcours, souvenirs, dualité entre l’enfant qu’il a été et l’homme qu’il essaie d’être. Aveu d’incertitude et d’angoisse. Même s’il s’estime globalement satisfait du bilan, il reconnaît ne pas avoir appris grand-chose.

10/ Ballerine.

Superbe déclaration d’amour pleine de pudeur et de sensibilité. Une émouvante invitation au mariage émise avec respect et déférence, saupoudrée de belles images. Cette chanson est la plus belle conclusion de l’album car, si la dame dit « oui » à son troubadour, le plus beau de ses rêves sera « attrapé ».

Moi, Marie, marquise de Sévigné

Théâtre Maxim’s

3, rue Royale

75008 Paris

Tel : 01 42 65 30 47

Métro : Concorde / Madeleine

Pièce de Pierre-André Hélène

Mise en scène par Théodora Mytakis

Avec Véronique Fourcaud

Jusqu'au 29 juin

Reprise en septembre

L’histoire : A l’hôtel Carnavalet, madame de Sévigné écrit… A sa fille, bien sûr, et pour cela, elle se remémore sa vie, ses bonheurs, ses difficultés, le monde, la cour… Elle est belle, veuve, courtisée mais n’a pas voulu succomber. Et surtout, sa fille la fuit en Provence… Comment survivre à cette séparation ? En écrivant… Ainsi, elle raconte, et nous raconte, une femme de son temps, évoquant le quotidien, les interrogations, les joies et les peines d’une vie au Grand siècle.

Mon avis : La Marquise de Sévigné nous fait le grand honneur de nous recevoir dans son salon de son hôtel Carnavalet, une exquise bonbonnière un peu kitsch, pour nous proposer une sorte de « compilation » de ses nombreuses lettres adressées à Françoise, sa fille adulée. Il faut savoir qu’elle lui écrivait trois fois par semaine (on en a recensé plus de mille !). Le choix de ces missives, qui ne pouvait donc qu’être éclectique, nous offre un parfait éventail de l’atmosphère qui régnait à cette époque. Et quelle époque ! C’est celle du Roi Soleil quand même…

Véronique Fourcaud, qui incarne magistralement la Marquise, nous raconte le contenu de certaines de ces lettres. Elle les rend vivantes, elle les joue en utilisant à toutes les intonations de sa voix. Parlé comme écrit, son style est très riche et sa langue est aussi acérée que sa plume d’oie. La marquise aime à badiner. A la fois en dehors et en dedans de la société, elle porte un regard amusé, souvent même très ironique, sur ses contemporains. Et plus particulièrement sur les pratiques de la cour du Roi… Elle se fait chroniqueuse : mondaine pour nous narrer les mésaventures du cuisinier Vatel, judiciaire pour nous rapporter par le menu la sordide Affaire des Poisons, allant même jusqu’à se métamorphoser devant nous en marquise de Brinvilliers. Elle aime les détails. Son écriture est très imagée… Lorsqu’elle évoque la cour, c’est le who’s’who de la deuxième partie du 17^ème siècle qui défile. Elle reconnaît aisément se comporter parfois en courtisane tout en restant lucide sur la vanité (dans les deux sens du mot) de son comportement. L’œil de Véronique Fourcaud est souvent empli de malice.

Elle parle aussi de sujets plus futiles comme la mode, la coiffure, les jeux de salon. Elle chante, elle danse le menuet… Madame de Sévigné est, à sa façon, une ethnologue. Raison pour laquelle, témoin de son époque, sa correspondance contient une véritable valeur historique. Elle a une très haute opinion d’elle-même, ne supporte pas qu’on la brocarde alors qu’elle ne se prive pas d’ironiser sur untel ou unetelle. Elle semble aussi nourrir une profonde aversion pour son « lapin » de gendre, le comte de Grignan, qui la prive douloureusement de sa fille.

Car, sans sa fille, il n’y eût sans doute point eu de correspondance… Ou alors beaucoup moins. La relation de madame de Sévigné avec sa fille est obsessionnelle. Bien qu’elle soit absente – ou plutôt parce que, justement, elle est absente – Françoise est omniprésente dans les pensées de sa mère. D’où, pour compenser, cette navette épistolaire permanente.

Ce spectacle est très agréable à suivre. Et pour la qualité des textes de la dame, et pour la prestation de Véronique Fourcaud et, enfin, pour la variété de sa mise en scène. Il a été en effet extrêmement judicieux d’illustrer les lectures avec des bruits extérieurs, des notes de clavecin, des ébauches de dialogues (avec le Roi, avec Bussy-Rabutin…) et même de nous faire entendre Françoise lisant une de ses lettres. Grâce à ces ruptures de bon aloi et au jeu très complet de la comédienne, Moi, Marie, marquise de Sévigné est un spectacle léger, pétillant et plein de finesse qui nous transporte dans un salon du Grand Siècle et se déguste avec plaisir comme la nouvelle boisson très en vogue à cette époque : le chocolat.

Renaud "Comme un enfant perdu"

XO Editions

312 pages

18,90 €

J’en ai lu des biographies de Renaud ! Y compris et surtout celles que lui a consacré son frère Thierry… Mais cette fois, c’est différent. Comme un enfant perdu est une AUTObiographie. Renaud s’y exprime à la première personne. Elle possède donc une toute autre valeur. Ici, rien n’est gommé, rien n’est éludé, rien n’est enjolivé. Renaud s’y exprime en toute sincérité. Cet ouvrage où, pendant qu’on le lit on a l’impression d’entendre sa voix, est sans concession, sans complaisance. Renaud s’ouvre à nous, dans le sens chirurgical du terme, et il gratte jusqu’à l’os…

Heureusement que, dans le titre du livre, il y a la conjonction « Comme ». Ce mot nous rassure. Renaud n’est donc pas totalement « perdu ». Même s’il lui arrive fréquemment de le ressentir, il reste toujours une lueur d’espoir.

Renaud est un être complexe. Parfois même complexé. A cela, il y a de multiples raisons. Il ne faut jamais oublier que Renaud est de culture protestante. Il possède dans ses gènes une forme d’austérité que lui a transmise son père qu’il décrit en outre comme « pudique, affectueux mais peu enclin à le manifester, même si nous le devinons d’une grande sensibilité ». Renaud est ainsi, il a hérité d’une espèce de mal-être ancestral.

Il me fait penser à cet écolier spartiate qui avait dissimulé un renardeau sous ses vêtements et qui, pour ne pas se faire prendre, s’était laissé déchirer le ventre par les griffes et les crocs de l’animal sans broncher. La différence, c’est que l’enfant en est mort… Renaud, lui, s’est laissé à plusieurs reprises dévorer les entrailles par un Renard particulièrement agressif, mais il a, à chaque fois, réussi à le chasser hors de lui et, petit à petit, à cicatriser. Il lui reste néanmoins une grande fragilité du côté de l’épigastre.

En fait, ce foutu renard qu’il ne parviendra sans doute jamais à domestiquer, possède un petit nom : il s’appelle « Culpabilité ». Son « éternelle culpabilité » (page 158). Ce mot revient une bonne dizaine de fois tout au long de l’ouvrage. C’est un fardeau qu’il se coltine depuis son plus jeune âge et qui va constituer un frein à tout épanouissement, à toute sérénité. Mais ce qui vient encore plus compliquer la chose c’est que, à cette culpabilité, il a trouvé le moyen d’y ajouter d’autres sentiments complètement négatifs et inhibants : « ‘Je suis devenu étrangement grave au fil de l’adolescence, comme si une sourde inquiétude me plombait le cœur » (page 76). Mais ce n’est pas tout. Il évoque également « une peur obscure » qu’il porte en lui (page 141) qui va parfois le conduire jusqu’à la paranoïa.

Essayez de vous construire avec de tels handicaps aussi terriblement destructeurs. En dépit de tout l’amour qu’il a reçu, reçoit et recevra encore, tant de la part de ses parents, de ses femmes, de ses enfants et de son formidable public, il ne parvient pas à faire la part des choses et à être heureux… Chez lui, la Roche Tarpéienne est toujours proche du Capitole. Il a du succès, il gagne énormément d’argent… D’aucuns s’en sentiraient satisfaits ; pas lui. Le succès lui plaît, certes, car il s’agit là d’une reconnaissance envers son travail, mais l’argent qu’il lui rapporte, bien qu’il en soit le corollaire, l’indispose considérablement. Il reconnaît volontiers manquer de « distance » vis-à-vis de la vie. Renaud est un pénitent qui se complaît à s’auto-flageller. Alors que, lorsqu’on lit son livre, les raisons d’être rasséréné par son parcours abondent.

Renaud a accompli une œuvre. Et quelle œuvre ! Il a été et est toujours adulé par par une multitude de fidèles. Tout rebelle qu’il était, il a toujours été aimé. Particulièrement par les femmes ; sa mère, ses sœurs, ses deux épouses. C’est une chance inouïe que d’être autant aimé. Pour les avoir croisées, Dominique et Romane, les mères de ses deux enfants, sont de belles personnes, de belles âmes. Mais elles se sont senties impuissantes face à l’autodestruction systématique que leur bonhomme leur proposait en échange. Et plus il s’en rendait compte, plus il en souffrait et plus il s’enfonçait.

Personnellement, je range Renaud dans une catégorie d’artistes très particulières : les malades de trop de lucidité. Il fit partie de ces écorchés vifs que furent et sont Serge Gainsbourg, Philippe Léotard, Richard Bohringer, Jacques Dutronc…

Comme un enfant perdu est un livre courageux, intime, sincère. Je suis convaincu que son écriture lui aura fait beaucoup de bien. Peut-être a-t-il enfin réalisé combien son mal-être était aussi injustifié que frelaté. C’est un livre utile aussi. Utile aux autres, utile aux siens. Son témoignage permettra à ses proches de mieux le cerner, de mieux le comprendre.

En fait Renaud est resté un adolescent qui a refusé confusément  de devenir un adulte. Il a et aura toujours besoin d’une main dans la sienne pour l’accompagner, celle de sa mère, celles de ses épouses, celles de ses enfants.

Et son autre main, la droite, elle sera ainsi totalement libérée pour faire ce qu’il fait de mieux et ce pour quoi on l’adore : écrire, écrire et écrire encore.

Gilbert « Critikator » Jouin

Eric Clapton "I Still Do"

Polydor / Universal Music

Tout est dans le titre du 23^ème album studio d’Eric Clapton : « I Still Do ». En gros, il persiste et signe ; il est toujours là, toujours là pour sortir de sa guitare ces sons uniques qui n’appartiennent qu’à lui. A 71 ans, « God » est toujours aussi divin et sa fameuse « Slow Hand » toujours aussi magique. Quant à sa voix, elle est toujours en parfaite harmonie avec les titres qu’il choisit d’interpréter.

Si on aime Eric Clapton, on aime I Still Do.

L’album s’ouvre sur Alabama Woman Blues, un titre de Leroy Carr datant de 1930 qui, pour moi, est la plus belle chanson du CD. Simple et efficace, c’est l’archétype du blues, simple et efficace avec, en prime, une superbe présence de l’orgue Hammond.

Dans cet opus, après l’album qu’il lui avait intégralement consacré voici douze ans, Eric Clapton poursuit son hommage à JJ Cale en reprenant deux de ses autres titres, Can’t Let You Do It et Somebody’s Knockin’.

La troisième chanson, I Will Be There, une ballade douce, légère et agréable, pose en plus une énigme car Clapton y est doublé à la guitare et à la voix par un certain Angelo Mysterioso. Ce nom étant le pseudo pris par George Harrison en 1969 sur l’album de Cream Goodbye, il se murmure que ce serait Dhani, le fils du Beatle qui se cacherait derrière…

Deux titres originaux sont signés de Clapton lui-même, Spiral et Catch The Blues. J’ai une préférence pour le second et sa nonchalance chaloupée.

En fait cet album est tout à fait conforme à ce qu’on peut attendre d’Eric Clapton. N’ayant plus rien à prouver, il ne pense plus qu’à se faire plaisir. Et ça s’entend. Et comme il a en plus le talent de savoir très bien s’entourer, il nous offre un grand et beau moment de partage. Chaque chanson est à sa place. Cypress Grove balance suavement, Little Man, You’ve Had A Busy Day est pleine de tendresse, Stones In My Passway, de Robert Johnson (1937) est plus swingant, plus joyeux… J’ai également apprécié le climat de I’ll Be Alright, un chant traditionnel que l’on a l’impression de connaître depuis toujours tant il est identifiable.

Et puis, il y a également dans cet album un clin d’œil amical à Bob Dylan avec la reprise très réussie (harmonica à l’appui) de I Dreamed I Saw St. Augustine.

L’album se termine en douceur avec l’interprétation intimiste et tamisée de I’ll Be Seeing You dans lequel la main de Clapton se fait presque encore plus « slow » que d’habitude.

Nuit d'ivresse

Théâtre Michel

38, rue des Mathurins

75008 Paris

Tel : 01 42 65 35 02

Métro : Madeleine / Havre-Caumartin

Une comédie de Josiane Balasko

Mise en scène par Dominique Guillo

Décor de Dominique Guillo

Costumes de Christine Chauvey

Avec Elisabeth Buffet (Simone), Denis Maréchal (Jacques), Jean-Christophe Barc en alternance avec Philippe Gruz (Henri, le barman)

L’histoire : Tout oppose Simone et Jacques qui se rencontrent par hasard en fin de soirée dans un bar désert de la Gare de l’Est.

Lui est un présentateur vedette un peu ringard, et elle une fille paumée, haute en couleurs et très naïve qui ne reconnaît pas l’animateur. Le serveur, aussi collant que bavard, fan de Jacques, n’éprouvera aucune gêne à s’imposer au cœur de ce couple improbable.

L’alcool aidant, Simone et Jacques vont, sans s’en rendre compte, se rapprocher. Beaucoup… Un peu trop même…

Mais après une telle nuit d’ivresse, le réveil dans l’appartement de Jacques sera forcément difficile, mémorable et explosif !... Il ne se souvient de rien, ni qui est cette fille survoltée et amoureuse installée chez lui, ni même d’avoir donné son adresse au barman qui, évidemment, ne loupe pas l’occasion de débarquer…

Mon avis : Oh la la la quelle nuit ! chantait Sacha Distel… C’est exactement la constatation affligeante qui devait tourner en boucle dans la tête migraineuse de Jacques Belin, présentateur vedette d’un jeu télévisé, lorsqu’il a émergé de la brume, chez lui, en plein milieu d’après-midi… Nous, on ne se pose pas de question car nous avons été les témoins fascinés et amusés de cette fameuse nuit. Et plus il se perd en interrogations, et plus il est affligé en découvrant peu à peu les dégâts causés par ses libations, plus on rit.

Josiane Balasko est une dramaturge hors pair et Nuit d’ivresse est une très, très bonne comédie. Son thème est très simple ; c’est la rencontre improbable entre deux êtres que tout sépare : le milieu social, la culture, l’argent. C’est le Hasard et son goût pervers pour créer des situations abracadabrantesques qui va les pousser l’un vers l’autre l’espace d’une nuit. Le deuxième élément fédérateur va être l’alcool. Consommé sans modération, il va provoquer en eux une forme de complicité. La nuit, tous les chats sont gris, les paumés le deviennent aussi.

J’ai adoré cette nouvelle version de Nuit d’ivresse. Pourtant le challenge de la reprendre était osé. Les duos qui avaient interprété les personnages de Simone et Jacques, tant au théâtre qu’au cinéma, c’était du lourd. Et certaines situations étaient gravées dans nos mémoires. Or, j’ai vu cette pièce avec un regard complètement neuf. Je me suis vraiment laissé embarquer par les compositions particulièrement riches d’Elisabeth Buffet et Denis Maréchal. Je connaissais et avais apprécié leurs seul(e)s en scène respectifs et j’étais très curieux de voir comment leur association allait opérer. En fait, ils ont conservé les personnages qu’ils campent dans leurs one (wo)man shows. Denis Maréchal a toujours tendance à garder une espèce de sérieux et de quant à soi, alors qu’Elisabeth Buffet est systématiquement explosive et picaresque, voire clownesque. C’est un peu comme associer le feu et la glace. Sauf qu’ici, la glace elle va fondre dans les verres de whisky de Denis/Jacques et que le feu, Elisabeth/Simone va le mettre sur scène. Quelle formidable idée que de les avoir réunis pour leur offrir ce bijou de comédie.

Elisabeth Buffet n’est jamais allée aussi loin dans l’extravagance et le délire. Elle ose des accoutrements improbables, des associations de couleurs qui font pleurer nos yeux (de rire). Il faut avoir le talent de se dépersonnaliser totalement pour porter ce qu’elle porte, y compris les chaussures. Elle nous propose une incroyable composition, un mix entre la truculence de la Zézette du Père Noël est une ordure et la l’abattage à la hussarde de la Gisèle des Vamps. Pour paraphraser un autre humoriste, Jean-François Copé, Elisabeth Buffet, c’est la maladroite décomplexée. En effet, pour aller aussi loin dans un personnage, il faut savoir laisser ses inhibitions au vestiaire. Elle est capable de tout, même du pire, sans jamais tomber dans la vulgarité. La moindre de ses postures, de ses gestes, de ses mimiques sont d’une drôlerie rare.

En opposition à ce tourbillon déchaîné, Denis Maréchal adopte un jeu précis, presque impavide. Il campe un véritable mufle. Il est narcissique, méprisant et, contrairement aux liquides forts qu’il ingurgite, franchement imbuvable. Josiane Balasko a mis dans sa bouche des répliques particulièrement saignantes et vachardes. Pourtant, par moment et, surtout en deuxième partie, on devine qu’il a malgré tout un bon fond. Il n’est pas si pourri qu’il veut le laisser paraître. Il est un parfait clown blanc face à son Auguste partenaire.

J’ai vraiment aimé les propositions de ce tandem. Ils se sont approprié les personnages de Simone et de Jacques et ils les ont recréés à leur façon. Sans copier personne. En étant tout simplement eux-mêmes.

Le personnage du barman est également important. C’est monsieur Plus au niveau de la folie ambiante. Intrusif et sans gêne, il n’a aucun scrupule pour se mêler de ce qui ne le regarde pas. C’est un très beau rôle. Le seul reproche que je fais à la mise en scène (vraiment le seul) c’est que son jeu est par moments trop outré et trop criard (il n’a pas besoin par exemple de crier « Jacques Belin » comme il le fait ; ce n’est pas crédible. Il nous ferait, je crois, encore plus rire s’il ne sur-jouait pas. Les situations dans lesquelles il se met et met les autres sont suffisamment drolatiques par elles-mêmes. En dehors de ces quelques exagérations, Jean-Christophe Barc tire parfaitement son épingle du jeu.

En revoyant Nuit d’ivresse, j’ai réalisé combien cette pièce était remarquablement écrite et construite. Il y a un côté Very Bad Trip dans cette histoire née dans le cerveau bouillonnant de Balasko. Les dialogues sont incisifs, percutants, au scalpel. Et son scénario a ceci d’intelligent qu’il a été scindé en deux parties. La première traite de la rencontre dans ce rade crade, une rencontre qui va démontrer combien on sort de soi-même lorsqu’on a de la cuite dans les idées et qui, de ce fait, va se terminer en queue de boisson… Et la deuxième nous transporte dans un autre univers, l’appartement moderne et stylé (superbe décor !) de Jacques. Là, nos personnages vont nous apparaître sous un autre jour, dans leur réalité. Le talent de Josiane Balasko est de savoir séparer le bon grain de l’ivresse. Sa pièce est en effet hybride dans le bon sens du terme : dans la première partie, elle fonctionne à l’éthanol (ou alcool éthylique) alors que dans la seconde, elle utilise les sens en carburant aux sentiments. En clair, la première partie est animale et la deuxième humaine. Les vrais caractères se révèlent et le rire alors se partage avec l’émotion… Cette pièce est une réussite !

Maintenant, il ne reste plus qu’à souhaiter à la salle du théâtre Michel d’être comme les héros de Nuit d’ivresse : complètement bourrée par un public saoulé de plaisir…

Gilbert « Critikator » Jouin

Le Rouge et le Noir

Le Palace

8, rue du Faubourg Montmartre

75009 Paris

Tel : 01 40 22 60 00

Métro : Grands Boulevards

Opéra rock d’après l’œuvre de Stendhal

Adaptation d’Alexandre Bonstein

Mise en scène de François Chouquet et Laurent Seroussi

Direction artistiques et textes des chansons de Vincent Baguian

Co-auteur des chansons : Zazie

Musiques de Sorel et William Rousseau

Directeur de casting : Bruno Berbérès

Costumes de Frédéric Olivier

Maquillages de Carmen Arbues

Coiffures d’Audrey Borca et Raphaël Perrier

Avec Côme (Julien Sorel), Haylen (Louise de Rênal), Julie Fournier (Mathilde de la Mole), Yoann Launay (Géronimo), Patrice Maktav (Monsieur Valenod), Michel Lerousseau (le Marquis de la Mole), Cynthia Tolleron (Elisa), Elsa Pérusin (Madame Valenod), Philippe Escande (Monsieur de Rênal)

A partir du 29 septembre

Quatre mois avant le coup d’envoi, Albert Cohen nous a ouvert les portes du Palace pour nous présenter quelques extraits de l’opéra rock qu’il produit, Le Rouge et le Noir.

Après avoir assisté à ce showcase, j’ai estimé que cette célèbre salle de spectacle du Faubourg Montmartre constituait l’écrin idéal pour ce spectacle car ils ont en commun le raffinement. En effet, l’ouvrage de Stendhal, romantique à souhait, a besoin d’une certaine proximité et de beaucoup d’intimité. Les grands sentiments ne peuvent bien s’exprimer que dans des espaces relativement concentrés. Le spectateur doit pouvoir les lire sur les visages des comédiens. Conclusion : le Palace est l’endroit idéal pour suivre et vivre au mieux les péripéties amoureuses de Julien Sorel.

Julien Sorel… Ah, Julien Sorel ! Stendhal lui-même aurait incontestablement adoubé Côme pour tenir le rôle de son héros. Le jeune homme personnifie le romantisme. Avec son mélange de douceur et d’ardeur, son feu intérieur, son charisme, son élégance naturelle, il est tout à fait crédible que ces dames se pâment pour lui. Comme on les comprend ! Comme on excuse leur faiblesse !

Côme a en outre ceci de particulier qu’il synthétise à lui seul l’image du dandy du 19^ème siècle façon Rastignac et de la rock star des Seventies avec son look à la Jim Morrison. Adapter Le Rouge et le Noir autour d’un personnage central aussi fort et aussi évident, devenait ainsi chose simple. Dans ce roman tous les sentiments de l’âme humaine sont exacerbés : ambition, amour, passion, jalousie, trahison… Sa trame et sa fin appartiennent carrément à la tragédie grecque.

Les femmes, évidemment, sont prépondérantes dans cette histoire. A l’instar de Côme, dès qu’on les voit jouer la comédie et qu’on les entend chanter, leur choix devient une évidence. Haylen, Julie Fournier, Cynthia Tolleron et Elsa Pérusin sont toutes des « right persons in the right place ». Elles ont des personnalités très marquées et chacune dans son propre registre possède une jolie partition à interpréter.

A mon avis, l’artiste qui va très vite accéder au statut de deuxième star au côté de Côme va être Yoann Launay. Ce garçon que j’avais déjà tant apprécié lors de ses prestations dans The Voice va être la grande révélation, le chouchou du public. Son aisance, son naturel, son intelligence de jeu et son humour représentent un des meilleurs atouts de ce casting.

Dans le rôle du « méchant », du machiavélique Monsieur Valenod, Patrice Maktav devrait s’en donner à cœur joie. Ce garçon, que je suis depuis la Star Academy et que j’ai vu successivement dans Mozart et Mistinguett possède un grand talent de comédien… Michel Lerousseau (le Marquis de la Mole) a suivi lui aussi des cours d’art dramatique. Il est très complet. Je l’avais repéré dans Sunderland et je l’ai revu dans Un violon sur le toit et dans Les aventures de Rabbi Jacob. Il va impressionner dans ce rôle complexe où il doit se monter aussi tendre qu’il peut être autoritaire et glaçant… Autre comédien émérite, Philippe Escande, que j’ai découvert en Louis XVI dans 1789, puis retrouvé avec plaisir dans Mistinguett, va savoir donner au personnage de Monsieur de Rênal toute l’épaisseur qu’il exige.

Cette distribution haut de gamme va en outre être servie par la qualité de chansons aux textes ciselés par deux véritables artisans, Vincent Baguian et Zazie. Il suffit d’entendre le premier extrait, La Gloire à mes genoux, pour être convaincu. La première fois que j’ai entendu ce titre à la radio, j’ai été scotché. C’est une très, très belle chanson.

Tous les auspices sont favorables pour que tous les gens épris de romantisme et de ces histoires d’amour qui finissent mal (en général) et ici en particulier, partagent un merveilleux moment de comédie et de musique dans ce superbe écrin qu’est le Palace.

Gilbert « Critikator » Jouin

Notre-Dame de Paris

Palais des Congrès

2, place de la Porte Maillot

75017 Paris

Tel : 08 92 05 00 50

Métro : Porte Maillot

Spectacle musical écrit par Luc Plamondon

Composé par Richard Cocciante

Mis en scène par Gilles Maheu

Chorégraphies de Martino Müller

Décors de Christian Ratz

Lumières d’Alain Lorie

Costumes de Caroline Villette Van Assche

Avec Hiba Tawaji (Esmeralda), Angelo Del Vecchio (Quasimodo), Daniel Lavoie (Frollo), Richard Charest (Gringoire), Alyzée Lalande (Fleur-de-Lys), Martin Giroux (Phoebus), Jay (Clopin)

A partir du 23 novembre 2016

Lundi 30 mai a été dévoilé le casting 2016 de la nouvelle troupe qui va reprendre le spectacle musical à succès Notre-Dame de Paris dix-huit ans après sa création dans la salle qui l’a vu naître, le Palais des Congrès, à partir du 23 novembre.

Déjà, l’idée de présenter ce showcase au théâtre du Châtelet était on ne peut plus judicieuse. En effet, nous n’étions qu’à quelques encablures de la célèbre cathédrale et de son fameux parvis, là où se déroule l’action du roman de Victor Hugo. Et la Tour Saint-Jacques que nous pouvions apercevoir depuis les fenêtres du grand salon dans lequel se tenait cette présentation en symbolisait quelque part le décor. Bien que construite une trentaine d’années après 1482, année où se passe le drame hugolien, ce vestige s’érigeait ainsi en sentinelle bienveillante sur ces grandes retrouvailles avec les créateurs du spectacle musical.

Dix-huit ans… Pourtant, le temps semble ne pas avoir eu de prise sur Luc Plamondon, Richard Cocciante et le toujours aussi majestueux Daniel Lavoie. Ce dernier est la passerelle entre les deux générations, celle de 1998 et celle de 2016. On aurait beaucoup de mal à vois quelqu’un d’autre que lui incarner le mystique et tourmenté Frollo.Richard

Richard Cocciante, au piano, et Luc Plamondon, en Monsieur Loyal, se sont alors livrés à un numéro de duettistes plutôt cocasse (mais vraisemblablement involontaire) pour nous dévoiler les artistes qui allaient succéder à Hélène Segara, Bruno Pelletier, Patrick Fiori, Garou, Julie Zenatti, Luck Mervil…

Les premières impressions que j’ai tirées de ce showcase sont pour l’ensemble plutôt positives… Toutes les voix, en tout cas, sont irréprochables même si certains, sans doute désireux de bien faire lors de cette première représentation, ont eu tendance à rechercher la performance pour montrer qu’ils avaient de l’organe. Je pense que tout cela va s’equaliser dès les répétitions en privilégiant l’interprétation.

D’abord j’ai trouvé excellent le choix de la chanteuse franco-libanaise Hiba Tawaji pour incarner l’incandescente Esmeralda. Elle en possède le cheveu de jais, le regard de braise et la sensualité naturelle sans la provocation… Ensuite, la décision de maintenir Daniel Lavoie dans le rôle de Frollo est un gage de qualité. Sa prestance, son hiératisme et l’autorité qu’il dégage sont toujours aussi impressionnants. Il en impose notre archidiacre ! Il va être la pierre angulaire du spectacle sur laquelle tous les autres artistes vont pouvoir s’appuyer. Il donne force et confiance.

Richard Charest est lui aussi une garantie car il a tenu plus de sept-cents fois les rôles de Phoebus puis de Gringoire en tournée à travers le monde. C’est lui aussi une valeur sûre… Bien sûr, on attendait le successeur de Garou dans le personnage si délicat de Quasimodo. Visiblement, les producteurs ont tenu à rechercher un chanteur qui possède un grain et une tessiture semblables à ceux de Garou. Ils l’ont déniché en la personne d’Angelo Del Vecchio. Il devrait être d’autant plus à l’aise dans ce rôle qu’il l’a déjà tenu en italien, en anglais puis en français pendant quatre saisons.

Martin Giroux, qui aura la tâche d’incarner Phoebus, le chef des archers du Roi, est un habitué des comédies musicales. Lauréat 2004 de la Star Académie au Québec, il devrait assurer sans trop de problème… Alyzée Lalande, forte d’une formation d’art dramatique, est aussi à l’aise en comédie, qu’en chant et en danse. Elle sait tout faire. Ses prestations, entre autres, dans Peau d’âne et le Bal des Vampires, plaident amplement à sa faveur pour le rôle sensible et romantique de Fleur-de-Lys… Enfin, l’idée de confier le rôle de Clopin à l’ex-Poetic Lover Jay est tout à fait judicieuse. Il est lui aussi un chanteur « multicartes » car il est tout aussi performant dans le gospel que dans le R’n’B, le hip-hop, la soul, le blues et la variété.

A priori, on peut d’ores et déjà accorder notre bénédiction à cette nouvelle troupe. En appelant auprès de quelques anciens des artistes déjà très expérimentés, on ne devrait pas avoir trop de soucis sur le plan qualitatif. Les cloches de Notre-Dame vont pouvoir de nouveau résonner de « Belle » façon à nos oreilles à partir du 23 novembre.

Gilbert « Critikator » Jouin